갤러리 도올

서울 종로구

Record here

방문 후 사진을 고르면 MYMU가 이 장소의 전시 후보를 함께 확인합니다.

MYMU에서 방문 기록하기

이 장소의 전시

종료

2024년 3월 1일 - 2024년 3월 24일

우리가 서로 알지 못했던 시간 The Time We Didn’t Know Each Other

임민성의 회화는 있는 그대로의 형상을 지키면서 보이지 않는 어떠한 느낌을 함께 선사한다. 당연한 얘기지만 그러한 예술적 기질이 지금까지 이어져 올 수 있었던 것은 한 사람의 삶이 총체적으로 세상과 연결되어 만들어진 이야기를 전제로 하기 때문일 것이다. 형상이 구체적이어도 은유의 의미가 창작인에 따라 달리 되기에 의미는 계속 달라지며 지금의 작가에게도 그러한 성격이 드러난다. 분명한 형태로 자연을 그려 왔지만 뭔가 신비로운 분위기에 갈망을 느껴 작가의 작업은 윤슬을 조금 더 담아낸다. 빛에 의해 반짝거리는 모습에 매료되어 관찰이 거듭된 장면은 그림이 된다. 형태를 통해 조금씩 물결을 달리 해보고 색을 변화시켜 반복과 변화의 차이를 알고 풍경의 범주 내에서 추상으로 다가선다. 고정될 수 없는 창작인의 시점을 현실성 있게 그려본다. 자연이라는 거대함 앞에서 물의 표면을 끄집어 내보고 색을 달리 하며 빛의 덩어리도 더해지고 조화로움은 어느 곳에 집중되기보다 자연스레 흐르는 방향을 선택한다. 물결이 등장한다는 것은 시간이 흐른다는 것이다. 사물의 변화를 인지하기 위한 경험적 조건으로서 과거, 현재 미래로 이어지는 불가역적인 속성을 안고 공간과 결합함으로써 시간은 우리의 존재 방식을 결정한다. 싫든 좋든 간에 인간은 시간과 함께 한다. 새로움과 오래된 관습이 포함된 인간의 정서는 저마다의 시간으로 흐른다. 매 순간 달리 느끼는 인간의 마음을 예술적 대상 안으로 끌어들여 각인되고 물결이 만들어진다. 하늘에 떠있는 구름, 계절의 변화를 새삼 느끼며 상호 보완적인 관계로서 보이지 않지만 맞물려 돌아가는 현상들을 믿는다. 삶의 진정성을 반성하도록 만드는 힘인 자연은 작가의 작품속에서 늘 관찰된다. 그 거대함 앞에서 인간이 쌓아온 가치 체계와 물리적 체계를 새삼 확인하며 생각에 잠긴다. 조용하게 엄숙한 분위기로 우리를 이끈다. 거창한 목표를 세우지 않고 옳고 그름의 판단을 내려놓은 상황 안에 머물도록 깨달음은 성찰로 이어진다. 경이로움과 진실한 삶의 감각을 있는 그대로 보여주고자 한다. 시간은 애초에 시작과 목적도 없던 것이었다. 근대화의 물결 속에 갈수록 세분화되고 어느 순간 자리 잡아 측정되고 기록되어 주기가 되어 과학적이고 기계적인 시간이 흐르기 시작했다. 작가의 최근 회화는 이러한 시간의 흐름과는 무관할 것이다. 잘 보이지 않는, 인간만이 갖고 있는 마음을 표현하려 한다. 잡을 수 없는 것에 관하여 생각하고 사라져 버리는 것들을 형태로서 드러낸다. 현실에서 잊고 싶었던 것들이 떠오를 때가 있다. 망각되다가도 다시 떠오르는 기억을 감정으로 느끼며 생각하기는 끊임이 없다. 떠나보내야 할 것과 받아들여야 할 것 사이에서 고뇌한다. 불교에서 말하는 ‘空’ 사상은 비워야 할 것을 가르쳐 준다. 아주 작은 초미립자 세계에서 또는 우주만큼 커다란 세계에서 과학이 진공을 발견하고 전자와 양성자의 움직임은 알 수 없는 상태만을 말해 준다. 노자의 ‘道’가 해답을 주려 하지만 아득히 먼 사상은 질문으로 계속 돌아온다. 오늘날의 풍경은 한순간을 반영하며 사실과 추상의 경계를 묘하게 무너트린다. 시간의 증명처럼 형태로 나타난다.  LIM Min Sung's painting gives an invisible feeling while preserving the image as it is. Of course, such artistic temperament has been able to continue until now because it presupposes a story created by connecting a person's life to the world as a whole. Even if the shape is specific, the meaning of the metaphor varies depending on the creator, and the character continues to change, and such a character is also revealed to the current artist. Although nature has been drawn in a clear form, the artist's work captures a little more of water reflection because he feels a longing for something mysterious. A scene in which observations are repeated by being fascinated by the glistening appearance of light becomes a painting. Through the shape, he tries to change the wave little by little and change the color to know the difference between repetition and change and approach abstraction within the category of the landscape. Realistically draw the creator's point of view that cannot be fixed. In front of the enormity of nature, the surface of water is pulled out, the color is changed, the mass of light is added, and the harmony chooses the direction of natural flow rather than being concentrated anywhere. The appearance of a wave means that time passes. Time determines how we exist by combining space with an irreversible property that leads to the past, present, and future as an empirical condition for recognizing the changes of objects. Whether you like it or not, humans are with time. Human emotions, including newness and old customs, flow through their own time. Each moment is imprinted and waves are created by drawing the human mind that feels differently into an artistic object. He feels the changes in the clouds and seasons in the sky, and believes in phenomena that do not seem to be complementary relationships but are intertwined. Nature, the power to reflect on the authenticity of life, is always observed in the artist's work. In front of its enormity, we are immersed in thoughts as we newly confirm the value system and physical system that humans have built up. It leads us to a quietly solemn atmosphere. Realization leads to reflection to stay in a situation where judgment of right and wrong is made without setting a grand goal. He wants to show his wonder and true sense of life as it is. Time had no beginning or purpose in the first place. In the wave of modernization, it became increasingly subdivided and at some point was measured and recorded, and scientific and mechanical time began to flow. The artist's recent paintings will have nothing to do with this passage of time. It tries to express a mind that only humans have, which is hard to see. It reveals things that cannot be caught and disappear as a form. There are times when things that we wanted to forget in reality come to mind. Even though we are forgotten, we constantly feel and think about memories that come back with emotions. We agonize between what we have to let go and what we have to accept. The idea of 'emptiness' in Buddhism teaches what to empty. In a very small ultrafine particle world or a world as large as the universe, science finds a vacuum, and the movements of electrons and protons only tell unknown states. Lao-tzu's 'dao' tries to give an answer, but distant thoughts continue to return to questions. Today's landscape reflects the moment and strangely breaks the boundary between fact and abstraction. It appears in the form of a proof of time.

종료

2024년 4월 17일 - 2024년 5월 14일

오행五行, 다섯 걸음展

<ul> <li>전시제목: 오행五行, 다섯 걸음</li> <li>참여작가: 최지윤, 하태임, 최제이, 김지혜, 황지현</li> <li>전시기간: 2024. 04. 17 (수) - 05. 14 (화)</li> <li>관람시간: 10:30 - 18:00 (일, 월 휴관)</li> <li>전시장소: 서울시 종로구 삼청로 127-2, 갤러리일호</li> <li>작품목록: https://blog.naver.com/galleryilho/223412133802</li> <li>전시개요</li> </ul> 오행五行, 다섯 걸음 : 최지윤, 하태임, 최제이, 김지혜, 황지현 동시대 자신의 행보를 ‘다층의 장르’로 그려낸 여성작가 5인5색의 지금-여기를 진단하는 《오행五行, 다섯 걸음》 전시가 삼청동 일호갤러리를 밝힌다. 오행이란 역학(易學)에서 우주 만물의 다섯 원소(금？수？목？화？토)로, 한 글자 한 글자 분석해보면 ‘다섯 오(五)’의 개별단위가 ‘다닐 행(行)’의 전체 움직임과 만나 ‘조화와 균형’을 이룬다는 것을 알 수 있다. 이들은 우주 만물의 다섯 걸음처럼 한국미술계의 ‘다섯 걸음’을 보여주는 작지만 강한 움직임을 시사한다. ‘최지윤-하태임-최제이-김지혜-황지현’ 5인의 작가들이 펼쳐내는 다섯 걸음을 통해 동시대 여성 작가들의 오늘을 조망하기 바란다. 최지윤 작가는 고귀한 사랑의 속삭임을 색과 빛의 이중 변주로 보여준다. 시간의 공력(功力)이 만들어낸 빛의 모뉴먼트를 '전통 한국화'의 시선에서 해석하면서도 '서구 모더니즘'이 추구해온 변혁의 서사를 놓지 않는다. 동서양의 감성을 조화시킨 '사랑의 서정시'를 읊조리듯, 색과 어우러진 보석과 꽃의 찬란한 어우러짐은 삶의 애환을 위로하는 모티브로 자리한다. 이른바 ‘보석그림(Jewelry painting)’, 작가는 “내가 왜 보석과 꽃을 갖고 여기까지 왔는가?”를 반문한다. 하태임 작가는 비선형의 ‘만곡(彎曲) 패턴’을 반복？중첩시키는 '컬러 밴드(color band)'를 통해 교차되고 가로지르는 수많은 자아와 만난다. 컬러밴드는 통로라는 뜻의 를 주제로 내용이나 형상이 없어도 아름다울 수 있는 만곡(彎曲)의 컬러로 현대인들에게 위안과 소통을 준다. 자유로운 비선형(非線型曲線, hysteresis curve)의 획(劃)은 우주로까지 연장된 평행이론 같은 ‘또 다른 자아의 표상’이다. 순환하는 세상을 향한 질서의 균형을 좇되, 인간의 한계를 인정하는 ‘겸손의 미학’이 곡면에 담긴다. 최제이 작가는 경계를 넘나드는 유토피아의 숲을 붓질에 담긴 바람의 마음으로 표현한다. 이른바 ‘내면적 풍경’은 작가가 바라본 ‘상호관계성’의 따스함을 나타낸다. ‘바람이 흐르는 대로 자신을 내맡긴 내면의 인상'은 직관적 붓질과 만나 구상과 추상의 경계 모두를 끌어안는다. 영적 이미지를 담은 시간이 흐르는 그림으로, 모순적인 삶을 극복하는 바람의 시간이 담겨있다. 그래서 풍경은 ‘자연의 집’이라기 보다 ‘관계의 집’을 담는다. 김지혜 작가는 채집된 도시의 경험들을 추상과 연동한 '디지로그'의 감성을 보여준다. 최근 진일보된 세계관을 내놓은 작가는 디지털과 아날로그가 결합한 기록형 사진을 디지털의 우연성과 연동시키면서, 내적 자아의 발견으로까지 연결한다. 과거의 흔적이 오늘과 만나 '미래를 향한 선적 에너지'로 구현되는 것이다. 작가는 자신을 둘러싼 경험이 다음 작업의 시작이라고 말한다. 도시냐 자연이냐 보다, 나를 둘러싼 상황을 어떻게 수용할 것인가가 오늘을 결정하는 키워드이기 때문이다. 황지현 작가는 자신이 ‘겪는 순간’을 실존의 동시성 속에서 질문하는 '신표현적 에너지'를 뛰어난 색채 미감 속에서 풀어낸다. 이상한 나라의 앨리스가 된 듯, 시(時)적 질문 속에서 던져진 '작품의 신선함'은 몽환적 느낌 속에서도 지극히 현실적인 정면응시(Staring Forward)를 보여준다. 늘 뜨거운 자신과 대화하며 '손과 마음의 한계'를 극복하는 작가는 괴로움조차 작업의 원동력으로 승화한다. 현실과 타협하면서 꾸준히 자신을 넘어서는 '꿈틀대는 실존'을 황지현 만의 에너지 속에서 느낄 수 있다. 안현정 (미술평론가, 예술철학박사) <ul> <li>작가약력</li> </ul> 최지윤 Choi Jeeyun 경희대학교 미술학과 및 동대학원 졸업 개인전 | 2023 네오아트센터 초대전, 충북 청주 2023 갤러리 아트리에 초대전, 경기도 광주 2022 갤러리 라메르 초대전, 서울 2021 KIST 초대전, 서울 외 다수 그룹전 및 기획전 500여 회 하태임 Ha Taeim 홍익대학교 미술대학 회화과 박사 졸업 개인전 | 2023 AP SPACE gallery, 뉴욕 2023 아트사이드 갤러리, 서울 2022 영은미술관, 경기 광주 2022 서울옥션 강남센터, 서울 외 다수 그룹전 및 기획전 200여 회 최제이 Choi Jay 홍익대 회화과 박사과정, 홍익대 일반대학원 판화전공 졸업 개인전 | 2023 YOUR FOREST, 갤러리 자작나무, 서울 2022 내면적 풍경, 수호갤러리, 성남 2020 동경하다, 수호갤러리, 성남 2018 The Secret Garden, 수호갤러리, 성남 2017 Metaphorical Self-portrait 은유적 자화상, 인사아트스페이스,서울 외 다수 그룹전 및 기획전 60여 회 김지혜 Kim Jihea 홍익대학교 대학원 미술학 박사 졸업 개인전 | 2024 보는 시간 만지는 추상, 갤러리 밈, 서울 2023 City of Lines, 더 트리니티X리빗한남, 서울 2023 BETWEEN THE LINES, LG유플러스 GalleryC, 서울 2022 접촉_표피와 표피사이, 영은미술관, 경기 광주 2021 확장하는 몸, 아터테인 갤러리, 서울 외 다수 단체전 및 국제전 300여 회 황지현 Hwang Jihyun 동덕여자대학교 일반대학원 미술학과 서양화 전공 박사 수료 개인전 | 2023 Her Own Way, 라운디드 플랫, 서울 2020 Where You Breathe 당신이 숨 쉬는 자리, 갤러리 한옥, 서울 2017 Slipped Scenery 미끄러진 풍경, 갤러리 도올, 서울 2017 겪는 순간, 그림의 결과, 동덕아트갤러리, 서울 2014 Eclipse-가리고 숨겨진, 아트컴퍼니 긱선, 서울 외 다수 그룹전 및 기획전 80여 회

종료

2024년 4월 12일 - 2024년 4월 28일

빛나는 그늘 The Shining Shade

박지수가 그린 풍경에서 밝음과 어두움은 자연스레 나타난다. 서로 상충되기보다 어울려 흡수되는 양상으로 이내 색과 어울려 어떤 분위기를 자아낸다. 재현의 풍경이지만 상상의 영역에서 일상은 쉽게 드러나지 않는다. 이분법적인 구별이 공존의 요소로 드러나면서 나타났다 사라지는 반복이 화면에 쌓여 공간을 이룬다. 조금씩 다르게 변화되는 형상과 색이 어울려 만든 공간은 확연할 것 같지만 경계가 불분명해진다. 자연이라는 자체가 주는 명확함이 있지만 순환의 구조로 본다면 일어남은 다 알지 못하는 것이다. 작가의 풍경은 그러한 성격을 잘 받아들여 화면에 안착시킨다. 규범적 시선보다 보이지 않는 것들을 끄집어내려는 성격에서 어울리다가도 이내 어울리지 못하는 요소로 화면 중심에서 다르게 표현된다. 작품 새빨간, 진심 또는 풍경 속의 정물 시리즈로 기울어진 생은 내면이 좀 더 표출되면서 신비로운 분위기를 선사한다. 평면 안은 싱그럽다기보다 거칠게 삶을 살다 간 생명을 다해 가는 시들어버림을 전제로 한다. 보이는 건 살아감에 집중되어 어두운 색감이 주를 이룬다. 안개처럼 표현되는 희뿌연 색이 공간을 장악할 때 전달되는 내용이 풍경으로 드러난다. 채움과 비움으로 색은 유화와 전통적 재료가 만나면서 모호함이 더해진다. 어떠한 장면은 검은색이 주를 이루어 보다 자유로운 형태 구사로 알 수 없음에 다가선다. 은유의 공간으로 그 자신도 세상을 살아가는 인물로서 이입되어 불분명해지는 것들을 붙들려는 것인지도 모른다. 공존의 구별 안에 색을 어울리게 만들어 한쪽만 있을 수 없다는 양립의 문제를 자연스레 구체화시킨다. 작가의 시각이 어디로 향하느냐에 따라 의미가 달라지는 재현은 예술이 지속되어 온 이유처럼 끊임없이 어떠한 것과 만난다. 보이는 것에서 보이지 않는 상상의 영역을 끌어들이는 경계의 외침은 결국 삶을 어떻게 살아가느냐에 자세를 말하려는 것이다. 그럼에도 불구하고 살아내야 한다는 성격이 공간에 묻어난다. 느낌으로써 희뿌연 색을 거두어 내려는 노력은 각자의 몫이 아닐까. Brightness and darkness naturally appear in the landscape painted by Park Ji-soo. Rather than conflicting with each other, it mingles with colors and is absorbed, creating an atmosphere. Although it is a representational landscape, everyday life is not easily revealed in the realm of imagination. Repetitions that appear and disappear as a dichotomous distinction is revealed as an element of coexistence are stacked on the screen to form a space. The space created by combining shapes and colors that change slightly and differently is likely to be clear, but the boundaries become unclear. There is a clarity given by nature itself, but if viewed as a structure of circulation, we do not know all that occurs. The artist's landscape accepts such character well and settles it on the paper. Rather than the normative gaze, it is expressed differently at the center of the screen as an element that mingles in the personality of trying to bring out invisible things but does not immediately fit. The work "Real Landscape" or the life inclined to a series of still life in a landscape provides a mysterious atmosphere as the inside is more expressed. The inside of the painting is not vivid, but rather it presupposes withering to the end of life. What is seen is concentrated on the sense of life, and dark colors dominate. The content conveyed when the white and gray color, expressed like fog, takes over the space is revealed as a landscape. As oil paintings and traditional materials meet, color becomes more ambiguous due to filling and emptying. Some scenes are mostly black, approaching the fact that they cannot be known by their more free use of forms. She herself may be a person living in the world as a metaphorical space and trying to hold onto things that become unclear. By making the color match in the distinction of coexistence, the problem of compatibility that there cannot be only one side naturally materializes. Reproduction, whose meaning varies depending on where the artist's perspective is heading, constantly meets something, as in the reason why art has continued. The opinion of boundaries that attracts the invisible imaginary realm from the visible is, in the end, to speak of a posture on how to live life. Nevertheless, the character of having to survive is buried in space. Isn't it up to each person to try to bring out the gray color by feeling?

종료

2024년 5월 31일 - 2024년 6월 17일

끊임없이 나를 비추는 Shining On Me Endlessly

제1회 안평 안견 오늘의 작가상 The 1st Anpyeong Angyeon Today's Artist Award 권소영의 회화는 형상이 분명하여 재현적 풍경이라 말할 수 있지만 단순히 외형의 서사로 그치지 않는다. 안료의 중첩과 번짐이 스미는 효과로서 색보다는 먹을 중점에 두고 표현되는 풍경이다. 먹이라는 안료의 특성상 전통과도 연관 지어 볼 수 있지만 그보다 현대적 개념이 어울려 나오는 내용이 대부분이다. 하나의 이야기라기보다 경험과 기억이 축적되어 먹과 만날 때 드러나는 형상으로 자연은 일상과 연결되는 부분이 있다. 작가는 여행을 즐겨왔고 그때의 경험된 자연을 잊지 못한다. 뭐라 설명되지 않는 느낌이 경이로움으로 전달될 때 외형을 담아내고자 먹은 조금씩 변화하는 장면으로 수직수평적 구도에서 갈수록 근접해 들어간다. 선택과 생략이 빚어낸 빛에 반짝이는 잎들이 인상적이다. 화면을 가득 메운 구성에서 아름다움을 전제로 진지함은 낯익지만 때로는 낯설게 다양한 이야기로 어필되는 중이다. 작가는 개인의 서사가 어떻게 그림으로 드러나는지 먹을 따라 선보인다. 자연의 현상들을 관찰하며 형태를 연구해 인간의 내면을 같이 표현하고자 한다. 교감은 자연과 하나 되는 마음으로 물아일체 ‘物我一體’의 깨달음은 반복될 수밖에 없다. 성찰 같은 행위로써 사소하고도 중요한 일들이 이곳에서 얻어진다. 살면서 오는 고단함을 잠시 잊고 나를 자연에 맡기는 순간이 찾아올 때 선택은 좀 더 명확해 진다. 문득 찾아온 기억은 비워내야 할 것과 간직하고픈 기억들이 교차되면서 지나간 것들을 생각하고 앞날을 설계한다. 한 사람으로 나아갈 방향은 기대와 걱정이 오가며 먹의 풍경이 된다. 시간의 흐름 앞에서 탄생과 소멸에 관심을 가지며 작가로서 진지한 마음 가짐은 삶과 연결된 작업에 대한 생각이 끊임이 없다. 섬세하고 예민한 붓끝이 투명함도 드러내면서 때로는 관계로 이어지는 세상 살아가는 모습도 은유해 본다. 지금의 예술가로서 보이는 것에서 보이지 않는 일어날 일들을 생각한다. ‘도가도 비상도 명가명 비상명’ ‘道可道非常道, 名可名非常名’이라 했던가. 노자가 도 ‘道’에 대한 정의를 내리지 못한 것처럼 먹의 표현 안에서 돌아가는 이치를 깨우치려 한다. 때로는 무모한 도전처럼 보일지라도 예술가의 관점에서 자신의 생각을 주저 없이 드러낸다. 아직은 먹의 기운이 미비하지만 그러한 깊이로 쌓일 때 비로소 완성되는 작업이다. 작가의 그림은 묘하게 이해받는 자연으로 위로를 주지만 그래도 평면 밖에 존재하는 이야기들이 어느 때 공허함으로 다가오는 것은 삶이 있는 한 계속될 것이다.  The artist presents how the individual's narrative is revealed through the painting. By observing natural phenomena and studying forms, she tries to express the inner side of humans together. The realization of the one thing that is united with nature is bound to be repeated. Small and important things are obtained here as an act like reflection. When the moment comes when we forget the hardships of life for a while and leave ourselves to nature, the choices become clearer. The sudden memories that need to be emptied and the memories we want to cherish intersect, thinking about the past and designing the future. The direction of moving as a person becomes a landscape of ink as expectations and worries come and go. she is interested in birth and extinction in the face of the passage of time, and as an artist, she is constantly thinking about work connected to life. While the delicate and sensitive brush tips reveal transparency, she sometimes metaphorically try to live in the world that leads to relationships. She thinks about the invisible things that will happen in what she sees as an artist now. We know the phrase 'The Way that can be walked is not the eternal Way; the name that can be named is not the eternal name.' Just as Lao-tzu failed to define 'Way', she tries to awaken the reason that works in the expression of ink. Even though it may seem like a reckless challenge at times, she does not hesitate to reveal her thoughts from the artist's point of view. Although the energy of ink is still insufficient, it is a work that is completed only when it is accumulated at such a depth. The artist's painting comforts us with understanding nature strangely, but the stories that exist outside the canvas at some time come to be empty will continue as long as there is life. KWON So-young's painting can be said to be a representative landscape because of its clear shape, but it is not just a narrative of appearance. It is a landscape expressed with an emphasis on ink rather than color as the effect of overlapping and smudging of pigments. Due to the nature of the pigment called ink, it can be compared to tradition, but most of the contents incorporate modern concepts. Rather than a story, there is a part where nature is connected to everyday life as a shape that is revealed when experiences and memories are accumulated and meet ink. The artist has enjoyed traveling and cannot forget the nature experienced at that time. When the unexplained feeling is conveyed as a wonder, the scene that changes little by little to capture the appearance is getting closer and closer to the vertical composition. The sparkling leaves in the light created by selection and omission are impressive. In the composition that fills the screen, seriousness on the premise of beauty is appealing with a variety of familiar but sometimes unfamiliar stories.

종료

2024년 6월 21일 - 2024년 7월 7일

조각의 조각 A Piece of Sculpture

강성욱의 조각은 조금 특별하다. 관찰이 되지만 끊임없이 변화되는 시도 안에서 결과물이 드러나는 작업이다. 서로 다른 형상 간에 만남이 연접해 들어가면서 서로의 모습으로 변모해 가는 과정을 보여준다. 완결되었지만 이내 다른 것을 찾는 결합은 양 끝단에 사물이 놓이면서 드러나는 방식이다. 작가는 조각을 전공하였고 오래전 독일유학시기부터 변신 Transformation 이란 주제에 관심을 가져왔다. 사물에 대한 호기심도 강했으며 표현해 보고 싶었던 것이 많아지면서 개념미술도 심취해 있었다. 조각가로서 장르에 기반을 두지만 뭔가 특별한 것을 원했던 바람은 변신이라는 테마 안에서 작품을 만들기 시작했다. 보다 다양한 모습을 표현하고자 생각하며 상상하기 그러한 의미 안에서 사물들은 어울리게 되지만 작가의 개입은 최소한이다. 유기물이 드러나는 알 수 없는 과정처럼 작업은 하나의 구축물로서 쌓이고 유동적이면서 가변적이다.  그에게 있어 조각은 노동의 양적인 결과물이라기보다 의미와 의미가 만나는 예술의 총합적인 결과물이다. 인상 깊었던 경험이 신호등으로, 불을 피우는 손으로 아니면 조약돌의 칼리그래피로 주저함 없이 대상을 끌어들여 오브제처럼 사용하며 설치를 해 봄으로써 현재의 조각은 나올 수 있었다. 최근엔 ‘조각의 조각’이라는 과제가 작가에게 떨어진다. 컴퓨터 그래픽 프로그램을 사용해 최소한을 어필해 왔지만 그보다 한 단계 이전의 과정으로 드로잉을 평면으로 선보인다. 변화의 양상이 그대로 운동감으로 표현되는 인물 형태가 즐비하다. 무엇을 어떻게 보여줄 것인가 현대미술의 관점은 그에게도 무관한 것은 아니었다. 현실이 원하는 대로 이루어졌다면 예술이 나올 수 있었을까. 적어도 예술의 범주 안에서 만큼은 이루지기를 바라는 선택이 흥미로운 입체물을 만들게 했다. 우연한 발견이 필연이 되는 지금의 예술에서 일상의 영역은 그래서 무한하다. 개인의 시점이 자연스레 드러나는 과정 속에 사물들이 새롭게 의미를 부여받는 일들이 계속된다. 입체물은 양 끝단에서 어떤 걸 연상시킨다. 누가 상상이나 했겠는가. 여인이 성의 실루엣과 만나고 나비가 사람과 함께하는 일들이 일어나는 세계로서 지금의 예술 영역은 조각의 내용도 포괄적으로 바꾸어 놓는다. 이것과 저것으로 구별되지만 결코 쉽게 단정 지을 수 없는 관계가 새로운 의미로서 확장된다. 인간의 삶이 구축되는 과정이 갈수록 다원화되는 의미를 되새기게 한다.  Kang Sung Uck's sculptures are somewhat special. They are observable yet continually emerge from a process of constant transformation. His work reveals the process of different forms meeting and merging, transforming into each other. This fusion, though complete, soon seeks another combination, highlighted by the placement of objects at the extremities. Having majored in sculpture and developed an interest in the theme of transformation since his studies in Germany many years ago, the artist has always had a strong curiosity about objects and a desire to express various ideas, which led him to become deeply involved in conceptual art. As a sculptor, his foundation lies in his genre, but his desire for something unique led him to create works within the theme of transformation. His aim to express a broader range of forms manifests in the harmonious combination of objects, with minimal intervention from the artist. Like an unknown organic process, his work is built as a single structure, fluid and variable.  For him, sculpture is not merely the quantitative result of labor but the comprehensive result of art where meanings intersect. He seamlessly incorporates impressive experiences, whether as a traffic light, a hand lighting a fire, or the calligraphy on a pebble, using them as objects in his installations, leading to his current sculptures. Recently, the task of 'sculpting sculpture' has been presented to the artist. Although he has used computer graphic programs to make minimal appeals, he now showcases the process one step earlier through flat drawings. Figures expressing the dynamics of transformation are prevalent. The perspective of contemporary art on what and how to show is not irrelevant to him. Would art have emerged if reality had turned out as desired? At least within the realm of art, his choices, hoping to realize these desires, have led to the creation of intriguing three-dimensional works. In the current art scene, where accidental discoveries become inevitable, the scope of everyday life is thus infinite. In the process where the artist's perspective naturally emerges, objects continually receive new meanings. The three-dimensional pieces evoke certain associations at their extremities. Who would have imagined? In this world where a woman meets the silhouette of a castle and a butterfly accompanies a person, the current artistic realm comprehensively alters the content of sculpture. Although distinguished as this and that, these relationships cannot be easily defined, expanding into new meanings. This reiterates the increasingly pluralistic significance of the process in which human life is constructed.

종료

2024년 7월 12일 - 2024년 8월 4일

The Universe

이승현 작가가 그린 풍경에서 하늘의 비중은 커졌다. 공간의 대부분이 푸른색을 중심으로 다양한 색이 어울려 깊이감이 더해진다. 밤낮의 구별도 보이지만 반짝임이 강조되면서 하늘은 그 너머의 이야기를 들려주려 한다. 있는 것을 알지만 경험이 쉽지 않은 미지의 영역이라 불리는 그곳을 끌어들이면서 평면 안은 상상의 공간으로 변화되기 시작한다. 문득 떠오른 기억을 확인하는 형태로서 매개체처럼 하늘은 표현된다. 한눈에 들어오는 편안한 시선이 조용한 분위기를 연출하지만 뭔가 일어날 것만 같은 암시적인 성격도 있다. 유년시절의 기억이 가져다준 별과 하늘을 그려 보면서 추억을 되새기는 장면구성으로 아름다움은 개인의 역사로 이어진다. 인생의 여러 시간 속에 자아와 기억을 공간 안에 색으로 다층적 의미로 끄집어낸다.  기억과 시간, 자신의 경험이 어떻게 개인의 인생과 연관되는지 특히나 예술가로서 자신을 들여다보는 계기로 최근의 풍경은 나타난다. 인물이 축소되고 사물과 자연이 만나며 드러나는 공간들, 때로는 추상적으로 표현되는 하늘은 보이지 않는 것들을 구체화하려는 노력의 결과물로 정신지향적인 성격이 강하다. 기억이 감성으로 변화되면서 순간을 찾으려는 마르셀 프루스트의 ‘잃어버린 시간을 찾아서’처럼 시간 여행을 하며 자신을 돌아본다. 화면 중심에 반짝이는 별빛을 색채로 비중 있게 그려 넣음으로써 그림 안은 좀 더 많은 이야기를 전해준다. 우주라는 주제로 다층화된 시점이 과학적인 세계관도 연결시키지만 결국 작가가 말하고픈 것은 인간 중심적 사고에서 태어난 결론 내지 못하는 열린 결말의 내용일 것이다. 지구라는 별 하나가 우주의 수백억 년 사이에 한점 티클처럼 짧은 역사 속에 엄청난 문명을 이루어 놓은 진실들을 인정하면서 그 안을 거쳐간 사람들을 생각하며 앞으로도 살아갈 미래를 장면 안에 포함시킨다. 본인 또한 그 안에 이입되면서 겸손한 자세로 세상을 관찰하려 한다.  우리가 지금 어느 방향이든 흐르는 시간 속에서 무심히 하늘을 바라봤을 때 아득함과 경외감이 드는 이유는 별들이 몇백 광년 전에 발산된 빛을 여기서 보게 되는, 머나먼 시공의 거리감을 느끼는 탓도 있겠지만 닫힌 현실을 살아가는 삶 속에 시간을 마음대로 하지 못한다는 생각이 더욱 하늘을 동경하며 무한 상상을 하게 만들었는지도 모를 일이다. 가보지 못한 영역, 그 안에 벌어질 일들을 꿈꾸며 인간은 욕망을 실현해 왔지만 그래도 실현되지 못한 것들을 안타까운 마음으로 바라보게 되는 기억이 자리하기에 인간은 여전히 예술로서 또는 과학으로 어떤 걸 발전시킨다. 인간이 좌표 안의 특정한 지점을 시간 안에서 경험하게 되는 사건들에 비한다면 우주의 역사는 엄청나다. 별들의 생애에 비해 지구에서 보내는 우리의 시간은 아주 많이 짧은 편이다. 상대적이며 절대적인 거리를 좁히기 위한 노력이 상상으로 만날 때 미지의 공간은 무엇을 만들어 낼 것인가. 잠시나마 평면에서 축약적이지만 거리의 확장을 희망한다. 어느 순간 만나고픈 인물을 생각하며 살며시 그려 넣는다.

종료

2024년 8월 30일 - 2024년 9월 22일

숨길 The Path of Breath

먹는다는 것은 자연을 몸으로 받아들여 생명의 동력을 얻는 거룩한 행위라 믿는 최혜인의 작업에서 구체적 형상이 사라지고 추상으로 표현되는 변화가 일어난다. 모호하지만 간단명료한 의미는 다른 방향에서 내용을 전달한다. 땅에서 나온 먹거리를 관찰의 재현으로 그려왔다면 최근엔 과정에 중점을 둔다. 전달하고픈 이야기는 같지만 변화의 양상이 짙어진다. 장면의 서사는 새로운 재료와 더불어 흥미로워진다. 작가는 늘 접해왔던 먹거리를 그려오면서 외형이 주는 명쾌함 속에 연결되는 의미들을 보여주고픈 바람을 느껴왔다. 식물이라는 평범함을 색다르게 진지하고도 아름답게 표현하고픈 생각이 화면에 펼쳐진다. 때문에 장면은 구체적이지만 동시에 추상적이다. 만물이 겨울잠에서 깨어나는 경칩, 대지의 생명수가 내리는 곡우, 해가 가장 긴 하지, 그리고 달이 가장 긴 동지 등 대자연의 흐름이 구체화된다. 작가가 평소 느껴왔던 계절의 변화를 공간 안에 절기로서 내놓는다. 숨을 통해 드러나는 생명체처럼 곡식과 채소를 달리 그려본다. 하늘과 땅이 평면에서 구별되고 때로는 물속에 잠긴 생명체가 환영처럼 나타난다. 한지와 먹의 선이 기본이지만 때로는 다른 연출이 더해진다. 캔버스, 세라믹이 밑바탕이 되고 어떠한 안료의 색이 형상으로 드러나는 과정이 작가의 호기심이 되어 질문은 관계에 대해 묻는다. 무엇을 선택하느냐에 따라 달라지는 결과물이 작가에게 작업의 방향을 유도하고 다음 선택의 방향도 이어준다. 작가의 사유는 삶을 살아가는 자세로서 자연을 은유하여 보여준다. 매일을 살아가는 현실들을 자연스레 받아들여 반복되는 하루 속에 새로움을 찾으려는 노력으로 확연하게 달라지기보다 조금씩 미묘하게 구별되는 양상들이 있다. 늘 보아왔던 버섯 형태가 색다른 시선을 유도하게 만든다. 정확한 것은 없다. 그날의 따른 감성이 어떤 걸 연결 짓게 한다. 좋은 날도 있지만 그렇지 못한 하루가 있다는 것을 보여주려는 듯 그림은 우리라는 범주 속의 다양함을 품는다. In CHOI Hye-in's work, the act of eating is revered as a sacred ritual through which we embrace nature and draw the vital energy for life. Her art is evolving from concrete forms into more abstract expressions. While the meaning may appear ambiguous, it is conveyed with simplicity and clarity, offering a different perspective on the content. Previously, she depicted food sourced from the earth through observational representation, but her recent work places greater emphasis on the process itself. Though the narrative remains consistent, the manifestation of this narrative is becoming increasingly profound. The scenes depicted are enriched by new materials, making the storytelling even more intriguing. As an artist who has long portrayed food, Choi has always desired to reveal the connections and meanings that emerge from the clarity of external forms. Her intent to portray the ordinary―plants―in a unique, earnest, and beautiful way is evident on her canvases. Consequently, her scenes are both concrete and abstract at the same time. She draws inspiration from the natural flow of the seasons―such as Gyechip, when all things awaken from winter's slumber; Gogu, when the earth is nourished by life-giving rain; Haji, the longest day of the year; and Dongji, the longest night of the year. Choi encapsulates the seasonal shifts she has always felt and presents them as traditional Korean seasonal terms within the space of her work. Just as breath reveals the existence of living beings, she reinterprets grains and vegetables in new ways. The sky and earth are distinctly separated on the flat surface, and at times, life forms submerged in water appear as if in a vision. While her lines are primarily created with traditional materials like hanji (Korean paper) and ink, she also incorporates other methods and media. Canvas and ceramics become the foundation, with pigments and colors emerging into forms that pique the artist's curiosity, prompting questions about relationships. The outcomes, influenced by her choices, guide the direction of her work and inform her next decisions. Choi’s reflections metaphorically express her approach to life through nature. She accepts the realities of daily life with grace, seeking to find something new within the repetition of each day. Rather than stark changes, her work exhibits subtle distinctions that gradually emerge. The familiar shape of a mushroom, for example, is portrayed in a way that invites a fresh perspective. There is no absolute certainty in her work―each day's emotions connect different elements, as if to suggest that while there are good days, there are also days that fall short. Her paintings embrace the diversity that exists within the collective "we."

종료

2024년 9월 27일 - 2024년 10월 13일

물 속의 그림자 A Shadow in The Water

김현정 작가는 흥미로운 추상을 보여준다. 밝고 명랑한 분위기가 있지만 그렇지 못한 부분도 있다는 것을 보여 주려는 듯이 확장성을 의도한다. 선택된 하나의 색이 평면 밖으로 나가려는 태도로서 열린 결말은 겹침의 색이 보여주는 어울림으로 등장한다. 부드럽지만 강인하고 어느새 다가오는 느낌이 사람 같은 인상을 남긴다. 수직 수평의 대칭점을 이루는 면의 분할은 색과 어울려 간결하다. 고요하지만 나름의 격정을 준비 중인 자세를 머금고 있다. 최근엔 물의 표면 같은 추상이 주를 이루지만 그도 예전엔 사실적인 풍경을 그렸었다. 삶의 터전이기도 한 안동댐 주변 지역은 늘 바라보던 익숙한 곳이지만 어느새 색다르게 다가오는 체감이 뭔가 다른 것을 원하고 있었다. 자연스레 물 위에서 자신을 비춰보던 모습을 생각하며 풍경은 점차 추상으로 변모해 간다. 삶과 연관된 것을 투영하듯이 평면이면서 부조의 표면처럼 하이라이트의 색이 선으로 중첩된다. 삶의 고단함이 주는 현실을 자신만의 색으로 선택하고 간략화시켜 산과 호수, 나무의 형태를 테두리처럼 표현한다. 안과 밖의 구별처럼 데칼코마니의 구성으로 물 밖의 풍경과 물속의 풍경을 상상하여 드러낸다. 작가의 손을 통해 걸러진 형상의 드러남은 그 자신도 포함되어 우리를 보여주려 한다. 물은 다른 방식으로 구체화된다. 편안함과 단순함을 전제로 가득 채워진 형상으로 밝음은 하루아침에 나온 선택이 아니다. 결혼과 함께 출산으로 작가의 삶도 변화를 가져온다. 자라나는 아이가 컨트롤되지 않는 아이의 본성을 확인하며 자유에 대해 생각하게 된다. 완벽을 바라는 엄마의 마음이 아이에게 억압이 되듯이 본인이 갖고 있던 강박을 작업에서 풀어낸다. 완벽해야 한다는 생각을 서서히 버리고 편안한 마음으로 풍경을 상상하며 색을 써본다. 호수에 안개처럼 몽환적인 분위기로서 그림이 나타나기 시작하니 짙은 푸른색 보다 밝음이 있는 색감으로 평면이 태어난다. 시간의 흐름과 함께 물멍으로 인한 사색이 작업에 영향을 미쳤다. 무겁지 않게 자신의 감정 상태를 드러내는 회화로서 작용된다. 행복에 대한 추구가 멀리 있지 않음을 확인하며 생각을 긍정적으로 돌려본다. 삶이 있는 한 결핍으로 찾아오는 감정들이 계속될 수밖에 없음을 알고 살아가는 자세를 가다듬는다. 우리는 그러한 작품을 바라보며 잠시 쉬어 가면 어떨까. 하루라는 반복되는 시간 속에 결합되다, 흩어지는 관계의 지향점이 형태로서 표현된다. 어떠한 방향의 제시보다 있는 그대로의 흐름을 제시한다.