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서울 종로구

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이 장소의 전시

종료

2024년 1월 17일 - 2024년 2월 18일

at Ground Level

<div><br /></div> <div><span style="font-weight: bold;">작가 노트</span></div> <div><br /></div> <div>이번 전시의 제목인 at Ground Level은 여러 의미를 담고 있다. 우선 ‘지면’ 이라는 공간은 작가로서 세상을 바라보는 시점의 공간이기도 하고, 모든 자연의 정체성이 사라짐과 동시에 재창조되는 공간이기도 하다. 또한 ‘Ground Level’은 영국에서는 빌딩의 Ground Floor’를 의미하기도 하는데. 이것은 다른 나라에서는 존재하지 않는 단어이지만 실질적으로 빌딩의 1층을 의미한다.</div> <div><br /></div> <div>현대인의 정체성은 유동성을 바탕으로 하여 개인의 경험에 따라 재구성된다. 이 ‘유동성’이라는 키워드는 일상이나 사회의 절대적인 기준이 존재하지 않는 경계의 모호함을 의미하는데, 나는 도시 공간 중 장소성이 없는 공간이나 정체성이 규정되지 않는 대상에 대해 관심을 갖고 있다. ‘우리가 어디에 사느냐’에 따라 개인의 정체성도 유동적으로 규정되어 정의되기 때문에 현재 발을 딛고 살고 있는 장소, 그 장소에서의 경험이 중요하고, 나에겐 이것이 작업의 중요한 소재가 된다. 전시 제목 ‘at Ground Level’ 은 이러한 배경에서 본인의 시각을 함축적으로 드러낸다고 할 수 있다.</div> <div><br /></div> <div>시시각각 변화하는 서울이라는 도시 속 유동적인 장소성을 갖는 공간이나 대상을 소재로 하여 반추상의 드로잉 회화작업을 진행하고 있는데, 한강공원의 바닥에 펼쳐진 낙엽들은 이번 전시를 준비하면서 특히 관심을 갖고 작업했던 소재이다. 작업을 진행할 때 도시의 길거리에서 작업하는 현장 드로잉은 작품의 시발점이 된다. 일상의 풍경을 소재로 한 작업은 현장 드로잉을 통해 순간을 포착하듯 빠른 필력의 붓질로 담아내기도 하고, 대형 회화작업으로 옮기기도 한다. 이 과정에서 일상 공간을 일탈의 공간으로 잠시 전유하고, 다시 화면 속에서 이를 새로운 공간으로 전환시킨다.  궁극적으로, 나는 일상의 도시 공간 속 규정되기 모호한 장소를 가능성의 공간으로 보고, 이곳에서 개인이 경험하는 주체성과 다양성을 드러내고자 한다.</div> <div><br /></div> <div><span style="font-weight: bold;">Education</span></div> <div><br /></div> <div>2022 영국University of Reading, 미술학부 Fine Art 박사 졸업</div> <div><br /></div> <div>2011 영국Chelsea College of Art and Design, 미술학부 Fine Art 석사 졸업</div> <div><br /></div> <div>2008 홍익대학교 미술대학 회화전공 석사 졸업</div> <div><br /></div> <div>2001 홍익대학교 미술대학 회화과 학사 졸업</div> <div><br /></div> <div>Solo Exhibition (초대전)</div> <div><br /></div> <div>2024 ‘at Ground Level’, 갤러리밈, 서울</div> <div><br /></div> <div>2023 ‘걸어서 가는 거리’, 떼아트 갤러리, 서울</div> <div><br /></div> <div>2022 'Suspended Landscape', 갤러리 호호, 서울</div> <div><br /></div> <div>2021 'Urban Still life', 공간 형 I+II, 서울</div> <div><br /></div> <div>2021 ‘생울타리', Gallery hoM, 서울</div> <div><br /></div> <div>2020 ‘무리, 무리들', Artspace 55, 서울</div> <div><br /></div> <div>2020 'Living and Leaving', Hoxton 253 Artprioject Space, 런던</div> <div><br /></div> <div>2019 'Placeless Place', Artspace 55, 서울</div> <div><br /></div> <div>2019 'Floating Island', Willesden Gallery, 런던</div> <div><br /></div> <div>2018 'Freshly Made in the Street', Willesden Gallery, 런던</div> <div><br /></div> <div>2015 '[Li:ing] Fair 2015', 정다방 프로젝트, 서울</div> <div><br /></div> <div>2004 ‘음악을 미술로', 쌤쌤 쌈지회관, 서울</div> <div><br /></div> <div>2002 ‘맛있쟎아!', 한전 프라자 갤러리, 서울</div> <div><br /></div> <div>Group Exhibition (초대전)</div> <div><br /></div> <div>2023 ‘Urban Forest’, 갤러리 가비, 서울</div> <div><br /></div> <div>2023 ‘제8회 박영 The Shift 소요유’, 갤러리 박영, 파주</div> <div><br /></div> <div>2022 '디자인 페스티벌- Drawing Attention’, 코엑스, 서울</div> <div><br /></div> <div>2022 ‘Re-Dynamic’, 갤러리 호호, 서울</div> <div><br /></div> <div>2021 ‘Bloomberg New Contemporaries 2020’, South London Gallery, 런던</div> <div><br /></div> <div>2020 ‘Drawing Beyond Itself’, AIR Gallery, 맨체스터</div> <div><br /></div> <div>2020 Restructuration, AMP Gallery, 런던</div> <div><br /></div> <div>2019 4482(SASAPARI): 'The Other Side of the Moon', Bargehouse, Oxo Tower Wharf, 런던</div> <div><br /></div> <div>2018 'Seven Hour Render', Thames Tower, 레딩</div> <div><br /></div> <div>2014 'Crossing Usadanro: Projective informal City', Space Eloquence, 서울</div> <div><br /></div> <div>2012 '70 Artists 7 days': Regent's Canal Festival, The Art Pavilion, 런던</div> <div><br /></div> <div>2012 'Place Not Found', Forman's Smokehouse Gallery, 런던</div> <div><br /></div> <div>2012 'ID, Please', New Gallery, 런던</div> <div><br /></div> <div>2011 ‘Chisenhale Salon Project’, Chisenhale Gallery, 런던</div> <div><br /></div> <div>2009 ‘운현궁의 봄’, 서울 역사 박물관, 서울</div> <div><br /></div> <div>2008  ‘성남 리빙 디자인 페스티발 2008’, Korean Design Plaza, 경기도</div> <div><br /></div> <div>2005  ‘Cutting Edge’, 서울 옥션, 서울</div> <div><br /></div> <div>2004 ＇정물예찬', 일민 미술관, 서울</div> <div><br /></div> <div><span style="font-weight: bold;">Award</span></div> <div><br /></div> <div>2021 ‘공공미술 우리동네 미술’ 프로젝트 선정 작가, 문화체육 관광부, 성남시</div> <div><br /></div> <div>2021 ‘예술가가 시작을 대하는 가지가지 활동’ 선정 작가, 서울 문화재단</div> <div><br /></div> <div>2020 영국 Bloomberg New Contemporaries 선정 작가, Arts Council England, Bloomberg Philanthropies</div> <div><br /></div> <div>2015 ‘별별 프로젝트’ 선정 작가, 경기문화재단.</div> <div><br /></div> <div><span style="font-weight: bold;">작품소장</span></div> <div><br /></div> <div>2021 국립 현대 미술관 정부 미술은행</div> <div><br /></div> <div>2023~ 현 홍익 대학교 회화과 초빙교수</div>

종료

2024년 1월 17일 - 2024년 2월 18일

녹색 불을 지르는 사람 A Person Who Sets Green Fire

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">작가노트</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2022년 하반기부터 이어온 [Green]시리즈로 세번째 개인전을 열게 되었습니다.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">작업을 크게 꿰뚫는 개념이라면 불, 물, 산, 대지, 나무 등의 자연의 요소들에 감정을 대입시켜 화면에 풀어놓는 [심리적 풍경]이라고 할 수 있습니다. 예로부터 내려오는 상징적인 이미지에서 벗어나 나의 감정과 시선으로 재해석합니다. 최근 작업의 키워드 [Green]은 색상으로서 녹색이기도 하지만, 식물을 중심으로 한 자연 전반의 에너지를 상징적으로 나타내는 의미로 쓰입니다.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">[녹색 불을 다루는 법] 전시에서 식물과 불의 이미지를 중첩하며, 태우지 않는 불, 자라게 하는 힘을 표현했다면, [Green Falls, Green Waves] 전시에서는 물과 바람에 흔들리고 쏟아지는 식물의 이미지를 통해 자연에게서 받는 에너지에 집중하였습니다. 이번 전시는 제목 [녹색 불을 지르는 사람]에서 느껴지듯, 주체가 좀더 분명해집니다. 그리고 "불을 지른다"라는 행위가 강조됩니다.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">과거 작품들에서 얼굴이 없거나 아주 작은 무수히 많은 개체들로 등장하던 인물들(자아를 상징하는 분신들)은 최근 몇 년 동안 점차 모습을 드러내고, 얼굴을 가지고, 눈에서 빛을 내는 모습으로 진화해 왔습니다. 그들은 스스로가 겪는 심경의 변화를 가장 직접적으로 표현해내는 요소로 작용해왔습니다. 이번 전시의 출품작들 중, [녹색불을 지르는 사람], [불꽃놀이], [Green Beam] 시리즈는 현재의 나를 가장 잘 보여주는 작품이라고 생각합니다. 인물이 화면의 중심을 차지하고, 주인공으로서 존재합니다. 스스로 활활 타오르고 있는, 언제든 불을 쏘아 댈 준비를 하고 있는, 혹은 지르고 있는 모습입니다. 이는 나와 나 외의 것 - 사람, 자연, 환경 등 외적인 모든 것과의 관계에 있어서 보다 능동적인 태도를 취하게 되었다는 의미입니다. 특히 자연에게서 얻는 에너지를 그저 받기만 하던 것에서 벗어나, 안으로 끌어들여 응축한 다음, 밖으로 당차게 발산해내고자 하는 의지를 가지고 있다는 것입니다.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">쏘아내는 불은 아프지 않습니다. 오히려 고통을 줄이기 위해 지르는 불입니다.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">녹색 불은 닿는 것을 태워 없애는 것이 아닌, 식물의 자라나는 에너지이자, 열정으로써 마음을 일으켜 세우는 불입니다.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">CHOI Namu</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">Born in Seoul, Korea 1978</span></div><div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">Based in Tokyo, Japan</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">Education</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2004 M.F.A. in Printmaking, Graduate School of Seoul National University, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2001 B.F.A. in Painting, Seoul National University, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">Selected Solo Exhibitions</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2024 A Person Who Sets Green Fire, Gallery Meme, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2023 Green Falls, Green Waves, Gallery Colorbeat, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2022 How to Handle with Green Fire, Gallery Dam, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2021 Hide and Seek, Gallery Dam, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2020 Clipped and Hidden, Gallery Dam, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2018 Floating Home, Rooted Home, Gallery Dam, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2017 On My Way Home, Gallery Dam, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2009 The Secret Forest, Gallery Dam, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2009 Trees, Shonandai MY Gallery, Tokyo, Japan</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2009 Night, Day and a Rainbow, Hun Gallery , New York, U.S.A.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2008 The Forest Exchange Project, Ginza Art Laboratory, Tokyo, Japan</span></div><div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2008 The Woods they live in, Shonandai MY Gallery, Tokyo, Japan</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2007 The Rainbow Valley, Gallery NV, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2006 The Evening Shower, Gallery NV, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2006 Traveler's note : People, Gallery The Space, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2005 Ways to remember something, Shonandai Gallery, Fujisawa, Japan</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2005 The room of memories-Memory exchange project, Ginza Art Laboratory, Tokyo, Japan</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2004 Grow A Tree Inside You, artSPACE Mieum, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2003 1st Solo Exhibition, Seizy Green Tea (cafe gallery), Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">Awards</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2007 Grand Prize, The Artist Competition of Gallery NV, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2007 Selected, Songeun Art Prize, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2003 Selected, International Print Triennial-Krakow 2003, Poland</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2003 Special Prize, The 14th Misulsegae Arts Competition, Ansan, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2003 Special Prize, The 23th National Annual Competition of Prints, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2002 Special Prize, The 20th The New Arts Competition of Korea, Seoul, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2002 Selected, Danwon Arts Competition 2002, Ansan, Korea</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">최나무</span></div><div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2004 서울대학교 대학원 서양화과 판화전공 졸업</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2001 서울대학교 미술대학 서양화과 졸업</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">기획 초대 개인전</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2024 녹색 불을 지르는 사람, 갤러리 밈, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2023 Green Falls, Green Waves, 갤러리 컬러비트, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2022 녹색 불을 다루는 법, 갤러리 담, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2021 Hide and Seek, 갤러리 담, 서울 (8월/11월)</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2020 오려진, 숨겨진, 갤러리 담, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2018 부유하는 집, 뿌리내린 집, 갤러리 담, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2017 집으로 가는 길, 갤러리 담, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2009 비밀의 숲, 갤러리 담, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2009 Trees, Shonandai MY Gallery, 도쿄</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2009 Day, Night and a Rainbow-Secret Forest of Okinawa, Hun Gallery, 뉴욕</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2008 Forest Exchange Project, 긴자예술연구소, 도쿄</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2008 The Woods They live In, Shonandai MY Gallery , 도쿄</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2007 The Rainbow Valley, 갤러리NV, 서울 (작가공모 대상 수상전)</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2006 The Evening Shower, 갤러리NV, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2006 Traveler's note :People, 갤러리 더 스페이스, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2005 Ways To Remember Something, 쇼난다이 갤러리, 후지사와, 가나가와현(일본)</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2005 The Room of Memories - Memory Exchange Project, 긴자예술연구소, 도쿄</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2004 Grow A Tree Inside You」, 아트스페이스미음(쿤스트독갤러리), 서울</span></div><div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2003 1회 개인전, 세이지 그린티, 서울</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">수상경력</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2007 갤러리NV 작가공모 대상</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2007 송은미술대상 입선</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2003 selected, The International Print Triennial -Krakow2003</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2003 제14회 미술세계대상전 특선</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2003 제23회 한국현대판화공모전 특선</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2002 제20회 한국신미술대전 입선,특선</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">2002 단원 미술대전 입선</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div>

종료

2024년 1월 17일 - 2024년 3월 15일

Treed Codependency

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"> ‘Treed Codependency’</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">This young artist’s territory has been expanded. The cacophony of the icons of shame, fake, displeasure, and hybrid, mixed with enigmatic metaphors, has become more intense as well. But such is the appeal of her works. The artist refers to her solo exhibitions in New York, London, Bangkok, Beijing, Hong Kong, and Zurich, following her last exhibition at GalleryMEME in 2021, as a lifetime opportunity. She means this as a ‘female’ ‘Japanese’ artist ‘in her 30s’.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Kaito Itsuki (皆藤齋) does not bother intentionally excluding the elements of the unconscious as much as she neglects the social and cultural significance of the categories of her identity. The point at which the Chinese and European collectors find her works to be quintessentially Japanese and the response from her local audience that she is ‘un-Japanese’ are all interesting subjects for the artist. Her experiences in the art scene, in which the artists communicate with cultural diversity rather than language, should be a precious catalyst for the consistent pushing of the artistic boundaries for this young artist.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Her second exhibition in Korea, Treed Codependency, unravels a peculiar scenery that combines unfamiliar and defamiliarized objects and icons ranging from her famous faceless men, birds that share human bodies, numbers and icons, blades and bondage tools to excretion. ‘Codependency’ in the title refers to a term in psychology that denotes a relationship in which an absence of the ego caused by the imbalanced relationship leads to a dysfunctional dependency on one another. A psychological phenomenon that lays a foundation for relationships, such as ‘empathy’, not only serves the purpose of bridging the gap between the agent and the object but concurrently functions as a mechanism that suppresses the Ego.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Locating within the works a context that the title implies is not an easy errand, for the images on the canvas may only appear as mere collisions or independent entities without meaning. The artist, however, inexorably weaves a fantastical world that is peculiar and, at times, disquieting, by collecting and dispersing figures, animals, and objects in a uniquely meaningful manner. In her narratives, humans take roots in the pot planted with birds (Green Pot), share their blood with birds (Feeding from Vein), or even let birds use parts of their bodies as nests (Feeding Birds). Birds, at this point, become either Other or Oneself. Such anthropomorphized birds will even face the moment where they must face the anguish of weighing pressure and conformity that follow relationships. The artist uses a fable-like form that skillfully mixes idiocy and morale to tell a narrative of the balance between the acceptance of Others and the domain of the Ego. Living with a bird, the artist tells us that her exploration of the self-expression of the Ego persists in a way where her close observation of the properties of the objects is projected onto herself.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Human excretion, which is a continued legacy from the last exhibition, seems to have become a powerful symbol that reveals her artistic worldbuilding. The icon, transformed into adorable forms and cute colors, is a symbol of shame and the id. The artist brings the archetypal narratives of the myth to bring out the taboo of displeasure onto this world. Such is the case of the coconut-born goddess from the Indonesian myth who nurtures and cultivates magical food with her excretion. It is another goddess symbol following the Amazons from the Greek mythology that the artist previously described. If the Amazons dreamed of a utopia based on the exclusion of the agent of power that is men, the coconut-born goddess embraces the world and nurtures it with the circulatory vitality of mother nature. Through myths, an object of taboo transitions into a precious object. As such, the artist employs myths or archetypal narratives as a metaphorical prism to offer a mirage that moves beyond the totems and taboos so as to delve deeper into the psychology and behavior of humankind that are often perplexing and inexplicable. The illusions in the mirage emanate a powerful energy in which anxiety and vividness coexist in the sharp and conspicuous contrast of bold colors.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">The myth that this talented young artist offers the world is still unfamiliar, and, oftentimes, uncomfortable. Nonetheless, that which uncompromisingly leads us to a total immersion into her narrative is the valid, universal desire to be connected to other forms of existence and the desire for autonomy. Her suggestion, that to accept the often inexplicable gratuity and peculiarity of human behavior as is is the right way to look into the intricate interplay between the mind and the body and find a balance between them, is in such a line of logic.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Much like the essence of myths where the odyssey to one’s true ego is prevalent, Kaito Itsuki, too, takes her journey through many trials and tribulations to an innermost territory where she can finally establish her own sense of identity and expand her Ego. It is axiomatic that Itsuki’s myths of paradox, where impurity trains purity, unfamiliarity becomes familiar, and imperfection evolves into mysticism, will take root and bloom infinitely in such a territory.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Kim Hyunjin, Curator, GalleryMEME</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">‘From the Interview’</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Q: What is the main focal point of the artworks?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">A: It is where diametrically opposed elements combine like a chimera. I try to include various binary opposites such as ‘cute/scary’, ‘bright/dark’, or ‘abstract/descriptive’ into my works. I found that the audience from different cultural and sociolinguistic backgrounds find their own appeals amidst such combinations of binary opposites. It is fascinating to me.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Q: How do you form the narratives in your artwork?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">A: Once I come up with a bigger picture, or a concept, motifs, quite naturally and concomitantly, follow. While there are limitations as to the themes, it is precisely such a limitation that lets me   capture the images with which the synergy of the theme and the motifs is maximized. Part of the reason why I am able to describe violent images or uncomfortable elements is that the train of contrasts and metaphors from my otherwise independently uncomfortable images are more conducive to expanding the boundary of imagination. That is to say, the detriment of the violent and uncomfortable meanings of each image does not outweigh the stimulation of the imagination that the complete image brings about.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Q: What do you intend to tell with your artwork?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">A: One of the recurrent and consistent themes is ‘the acceptance of unproductive and gratuitous things’. I express this through the images of human excretion. It is useless, repulsive, and displeasing, but an indispensable part of human existence and identity. I believe that the process through which we transgress the social agreements, regulations, or stifling taboos will transform us from a mere existence to a thinker, and eventually lead us into the world of art.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">(From the written interview with the artist).</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"> ‘Treed Codependency’？</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">이 젊은 작가의 영토는 한껏 넓어졌다. 수치심, 가면, 불쾌, 혼종의 도상들이 수수께끼 같은 은유들과 뒤섞이며 만들어내는 불협화음도 더 강렬해졌다. 그래서 더 매혹적이다. 2021년 갤러리밈에서의 전시 이후 뉴욕과 런던, 방콕, 베이징, 홍콩, 취리히 등으로 이어진 개인전은 쉽게 가질 수 없는 기회였다고 작가는 말한다. 여성의, 30대의, 일본작가의 정체성으로서 그렇다는 것이다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">카이토 이츠키(皆藤齋 Kaito Itsuki)는 애초부터 자신에 대한 그와 같은 분류에 별다른 의미를 두지 않았던 것처럼, 무의식적으로 드러날 수밖에 없는 그런 요소들을 의도적으로 배제하려 하지도 않는다. 중국이나 유럽 콜렉터들이 그의 작품을 일본스럽다고 여기는 지점과 자국 관객들의 전혀 일본작가 같지 않다는 반응 모두 작가에겐 흥미로운 탐구 대상이다. 국경을 넘나들며 언어가 아닌 문화의 다양성으로 소통하는 미술현장에서의 체험은 이 젊은 작가가 스스로의 경계를 확장해 가는 데 더없이 귀한 자양분이 될 터이다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">한국에서 두번째로 선보이는 개인전 ‘Treed Codependency’는 단골 소재인 얼굴 없는 남자부터 인간의 몸을 공유하는 새, 숫자와 도형, 칼날과 포박용 도구들, 가면, 배설물에 이르기까지 생경스러운 조합의 수상한 풍경을 펼쳐낸다. ‘공의존’ (codependency)은 타인과의 불균형적인 관계맺기가 초래한 자아의 부재로 인해 서로에게 역기능적으로 의존하게 되는 관계를 이르는 심리학 용어다. 실제로 관계의 근본이 되는 ‘공감’과 같은 심리적 현상은 대상과의 간극을 이어주는 역할을 하면서 동시에 자아를 억압하는 기제로 작용하기도 한다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">제목이 함의하는 맥락을 작품 속에서 찾아내는 일은 쉽지 않다. 화면 속 이미지들은 의미 없이 그저 충돌하거나 접점 없는 개별적 존재로 보일 뿐이기 때문이다. 그러나 작가는 인간과 동물, 사물들을 독특한 방식으로 모으고 흩어내면서 기묘하고 때로는 불온해 보이는 환상의 세계를 거침없이 직조해낸다. 작가의 내러티브 안에서 인간은 새와 함께 화분 속에 심겨져 뿌리를 내리고(‘Green Pot’), 새에게 기꺼이 피를 나누거나(‘Feeding from Vein’), 심지어는 신체 일부를 둥지로 내어주기도 한다(Feeding Birds). 이쯤이면 이제 새는, 너이거나 혹은 내가 된다. 그리고 ‘관계’라는 것에 따라오게 마련인 압박과 순응의 무게를 가늠해 보는 순간을 마주하게 되기도 할 것이다. 작가는 어리석음과 교훈이 절묘하게 뒤섞인 우화와 같은 형식을 빌어 타존재의 수용과 자아의 영역 사이의 균형에 대한 이야기를 들려준다. 실제로 반려동물로 새를 키우고 있는 작가는 대상의 속성을 자신에게 투영시키는 방식으로 자아 표현에 대한 탐구를 이어간다고 말한다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">지난 전시에 이어 거듭 등장하는 인간의 배설물은 작가의 작품세계를 드러내는 강력한 기호로 자리잡은 듯 보인다. 귀여운 형태와 칼라로 변형된 이 도상은 수치심과 원초적 자아의 상징이다. 작가는 불쾌하고 쓸모없고 수치스러운 이 금기를 세상 밖으로 끄집어내기 위해 신화의 스토리텔링을 가져온다. 코코넛 꽃에서 탄생한 여신이 자신의 배설물로 마법의 힘을 지닌 소중한 식량을 키워낸다는 인도네시아 신화 속 여신의 이야기가 그것이다. 작가가 이전에 다루었던 그리스 신화의 아마조네스에 이은 또다른 여신의 존재로, 아마조네스가 남성이라는 권력의 주체를 배제하는 방식으로 유토피아를 꿈꾸었다면, 이 여신은 순환하는 대자연의 생명력으로 세상을 품고 키워낸다. 신화를 통해 금기의 대상은 고귀한 존재로 전환된다. 작가는 때로는 당혹스럽고 이해할 수 없는 인간의 심리와 행동을 들여다보기 위해 신화나 고대서사를 은유의 렌즈로 사용하며 금기를 넘어서는 신기루를 제시한다. 그 신기루 속 환영들은 대담한 칼라의 극명한 대비로 불안감과 생생함이 공존하는 강렬한 에너지를 뿜어낸다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">이 재능 넘치는 젊은 작가가 세상을 향해 내미는 자신의 신화는 여전히 낯설고 때로는 불편하다. 그럼에도 저항없이 작가의 내러티브 안으로 흡수되도록 이끌어지는 것은, 다른 존재로 연결되고자 하는 욕망과 자율성에 대한 욕구는 누구에게나 유효하기 때문이다. 그리고 때때로 설명할 수 없는 인간의 잉여적 행위나 이질적인 행위들을 그대로 받아들이는 것이 우리의 마음과 몸 사이의 복잡한 상호작용을 제대로 들여다보고 균형점을 찾아가는 방식이 아니겠냐는 제안 또한 그러하다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">수많은 역경 끝에 참된 자아를 찾아가는 여느 신화의 본질처럼, 카이토 이츠키가 도달하고자 하는 곳 역시 자신만의 정체성의 체계를 세우고 자아를 확장시켜 나갈 수 있는 내면의 영토일 것이다. 불순함이 순수함을 단련시키고, 생경함이 더 자연스럽고, 불완전성이 도리어 신비가 되는 카이토 이츠키의 역설의 신화가 그 영토 안에서 단단하게 뿌리내리고 무성한 잎을 피워낼 것임을 감히 확신해 본다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">'작가와의 서면 인터뷰 중 '</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">작품의 주요 포인트는? </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">-상반되는 요소들이 키메라(chimera)처럼 결합되는 지점이다. ‘귀여운/무서운’, ‘밝은/어두운’, ‘추상적/설명적’과 같이 대비되는 요소들을 다양하게 포함시키려고 한다. 언어도 문화도 다른 해외 관객들은 그 가운데서 각기 다른 끌림의 포인트들을 찾아내는 것 같다. 그 점이 흥미롭다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">작품 속 내러티브를 만들어가는 과정은?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">-컨셉을 정하면 모티프들이 끝말잇기처럼 연결되며 떠오른다. 주제에 따른 제한은 있지만, 그 제한 때문에 시너지가 증폭되는 이미지를 잡아낼 수 있다. 폭력적 이미지나 불편한 소재들을 두려움 없이 표현할 수 있는 것은, 각각의 이미지에 부여되는 개별적 의미보다는 끝말잇기처럼 이어지며 발생하는 대비나 은유가 상상의 경계를 더욱 확장시켜주기 때문이다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">작품을 통해 들려주고 싶은 이야기는?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">-지속적으로 다루고 있는 주제 중 하나는 ‘비생산적이고 불필요한 것을 받아들이는 것’이다. 나는 이것을 사람의 배설물 이미지로 표현한다. 쓸모없고 혐오스럽고 불쾌하지만, 부정할 수 없는 우리 정체성의 한부분이다. 사회의 암묵적 규범이나 억압적 금기를 넘어서는 과정들이 우리를 단순한 존재에서 사유하는 인간으로, 그리고 예술의 세계로 이끈다고 생각한다.  </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">---</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">？Education</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 MFA  Kyoto city university of arts (KCUA), Painting Department, Kyoto, Japan  </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2016 BFA T？hoku University of Art & Design (TUAD), Fine arts Department, Yamagata, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Solo Exhibition</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2024 “Treed Codependency”, GalleryMEME, Seoul</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2023 "Looming digits" Blue velvet, Zurich</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2023 "The Elastic Edges" Ritsuki Fujisaki, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "The Monopolistic Sweet Spots" MAMOTH,  London</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 “Tools are validated” Tang Contemporary Art, Bangkok</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "？  Blacken” HIVE CENTER FOR CONTEMPORARY ART, Beijing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div><div style="line-height: 160%;">2022 "被制限的行動、心理電影" HUA ART SPACE, Beijing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "現れるのに勝手はない/ No excuses for showing up" LEESAYA, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "Hierarchy of Beasts" GalleryMEME, Seoul,</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 "In search of..."14a, Hamburg,Germany </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019"たりない循？ / Unsatidfied animals of the cycle"  , GINZA TSUTAYA, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "IDEE FIXE, Tong Gallery + Project, Beijing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 "Tiger Poet", CLEAR GALLERY, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "THE WOMEN FROM THE GROUND,DNA", N’s art project, Osaka,</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "Jungle -7,000,000", MORI YU GALLERY, Kyoto</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "Tiger Technique", KCUA, Kyoto</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Selected Group Exhibition</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2023 "Fungal Fugue", HAGIWARA PROJECTS, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2023 "CARE PACKAGE", Blue Velvet Project, Zurich</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "The Tale of Tales", G Museum 金？美？？, Nanjing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "Cope", No Gallery, New York, curated by Sven Loven</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "Temple", Seventh Gallery, Melbourne,  curated by Michael Kennedy </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "Couple of", Hive contemporary art center, Beijing </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "Slow Culture" ,@KCUA, Kyoto</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "Low Fever", Tang Contemporary Art, Hong Kong</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 "COLLECTION AS POEM IN THE AGE OF EPHEMERALITY" , X museum, Beijing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 "Y -generation artists" GINZA TSUTAYA ATRIUM, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 "A Delinquent Child Having An Out Of Body Experience" THE RESIDENCE GALLERY, London</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "Complete Metamorphosis" SuperDutches, NewYork, U.S</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "Scaffolds of Meaning / 懶音", MINE PROJECT, Hong Kong</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "Feelings for a spider" 4646, Tokyo, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "Amazondom" Pulp,Osaka,Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "KUMA EXHIBITION 2019", Spiral, Tokyo, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 "Encounters", PDX CONTEMPORARY ARTS, Portland, Oregon, US</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 "KUMA EXHIBITION", Spiral, Tokyo, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 "KAISEI", Pehu,Osaka,Japan, Galerie P38,Paris,Frense,  KG,Tokyo,Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "The 4th CAF prize exhibition" Hillside terrace, Tokyo,Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Public collection </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Star Museum (Shanghai), He art museum (Guangdong), X museum (Beijing), T？hoku University of Art & Design  (Yamagata)</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Artist program </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "Feldstarke International", Hunan University,China,  Daegu Art Factory,S.Korea, Kyoto Art Center,Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2016 "End of summer", Yale union Contemporary art center, Portland, US</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Others</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 Art News Japan 30 artists nominated </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "30 artist Under 35" by ARTnews Japan nominated  </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 KUMA Foundation grant recipient</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 The Peter S. Reed Foundation grant recipient</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 ARTIST’S FAIR KYOTO, Kyoto, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 KUMA Foundation scholarship student </div>

종료

2024년 3월 27일 - 2024년 5월 3일

검고 뜨거운 차고 빛나는

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <p style="line-height: 160%;">Kim Syyoung, William Lee</p> <p style="line-height: 160%;"><strong>흑자(黑磁)와 은기(銀器)의 두 장인(匠人)</strong></p> <p style="line-height: 160%;">정영목(서울대 명예교수)</p> <p style="line-height: 160%;"><strong>     “아름다움에의 흠모는 - 도덕, 사실, 유용성, 감각, </strong></p> <p style="line-height: 160%;"><strong>      그리고 되도록 현실 그 자체로부터 멀리 - 위험할 정도로 이들보다 우선한다.”¹</strong></p> <p style="line-height: 160%;"><strong><br /></strong></p> <p style="line-height: 160%;"><strong>1. 장인의 작업(作業)</strong></p> <p style="line-height: 160%;">흑자와 은기는 분류상 공예(工藝)에 속한다. 이러한 분류가 요즈음 무의미하지만 그렇더라도 필자가 이야기하려 할 두 장인, 김시영은 도자공예가를 줄여 도예가로, 이상협은 금속을 다루기에 금속공예가지만 그냥 줄여 공예가로 호칭하는 것이 이들을 ‘작가’라 부르기보다 낫다고 생각한다. 우리의 장인적 유대감이 강한 공예의 전통이 반영된 </p> <p style="line-height: 160%;">- ‘artist(작가)’라 통용되는 서구 모더니즘의 영향이 조금은 덜 묻어나오는 - 언어인 것 같기 때문이다.</p> <p style="line-height: 160%;">공예는 기본적으로 재료에 천착(穿鑿)한 노동집약적 작업이다. 필자가 화두(話頭)처럼 던진 </p> <p style="line-height: 160%;">“아름다움에의 흠모”는 그 다음의 일이다. 그런데 공예 또는 미술과 관련하여 우리가 사용하는 용어의 대부분은 옛날부터 사용하던 한자어(漢字語)이거나 아니면 한자어에 기반한 일본식의 표기를 따른 것이다. 한 예로 공예의 장인정신과 직결되는, 흔히 쓰는 ‘작업(作業)’이란 언어를 살펴보자.</p> <p style="line-height: 160%;">‘작업’이란 한자어의 의미를 우리말로 풀어쓰면 무언가를 ‘만드는 일’쯤 되지만, 이 말이 함축하는 뉘앙스의 범위는 한층 깊고 넓다. ‘업(業)’이란 어찌 보면 그냥 우리의 ‘생활(life)’ 그 자체를 의미한다 해도 틀린 말이 아니다. 우선, ‘업’이라 하면 ‘일’이란 언어가 먼저 떠오르는데 이것은 우리의 몸과 사고와 직결되는 ‘노동’을 뜻한다. “몸과 사고의 노동”은 곧 우리의 ‘직업’과 ‘생계’로 이어진다. ‘업’을 실행한다는 것은 그것이 곧 우리의 ‘생활’일진대, 그것은 필연적으로 종교와 윤리 같은 무언가 ‘근원, 기초, 시작’과 연루된 사회적 함축성을 띨 수밖에 없다. 때문에 ‘업보(業報)’ 혹은 ‘인과응보(因果應報)’의 뜻을 품고 있으니, “몸과 입과 뜻으로 짓는 선악의 소행”이 곧 ‘업 (業)’인 것이다.</p> <p style="line-height: 160%;">이 말의 뜻을 길게 늘어놓는 이유는 김시영과 이상협은 ‘작가’이기 이전에 기본적으로 공예의 행위와 사고를 ‘일’ 즉 ‘노동’으로 받아들여, 그 행위를 통해 자신의 ‘직업’을 표방하고, 그 직업을 통해 자신과 가족의 ‘생계’를 이어간다는 의미를 품고 있기 때문이다. 즉 김시영과 이상협이라는 전업공예가로서의 ‘당당함’이 ‘작업’이라는 단순한 용어 속에 함축되어 있을 뿐만 아니라, </p> <p style="line-height: 160%;">‘업보(業報)’처럼 다가온, 주어진, 선택한 공예가로서의 고뇌와 환희의 ‘생생함’이 곧 ‘작업’인 셈이다. 이러한 작업의 속성이 생산해낸 결과물은 또 다른 차원의 문제이나, 사회의 현실은 ‘과정’보다는 </p> <p style="line-height: 160%;">‘결과’를 앞세워 유통과 가치의 ‘상품성’에 치중하는 자본주의적 모순을 안고 있다. ‘작품’이라 일컬어지는 결과물이 가질법한 그 과정으로서의 진정성의 농도와 미학적인 평가는 작가를 떠나 관람자가 개입하는 또 다른 범주의 문제인 것이다.</p> <p style="line-height: 160%;"><strong>2. 김시영의 흑자(黑磁)</strong></p> <p style="line-height: 160%;">근자(近者)에 이르러 단색화의 재유행과 함께 단색화류의 추상을 공예도 추구한다. 좀 더 구체적으로 ‘달항아리’가 한국인의 미감을 대표하는 </p> <p style="line-height: 160%;">‘미적(美的)’ 오브제로 부각(浮刻)하면서, 전통과 맞물린 추상성의 재현을 공예로 따라 하는 경향이 생겼다는 이야기다. 그 경향과 함께 공예는 공예의 태생적인 기능(器能)과 멀어지면서 흔히 우리가 미술의 주류라 일컫는 회화와 조각의 개념과 미학, 장식성을 덩달아 추구하기 시작하면서 ‘작가’라는 호칭으로 이들 두 장인을 편하게 부른다. </p> <p style="line-height: 160%;">시대가 변했다 하더라도 공예의 순기능이 우리 일상생활과 함께 아름다움을 이야기해야 한다는 것이 필자의 지론이다. 쉽게 말하자면 그림은 벽에 안 걸어도 먹고사는 데 지장이 없지만, 그릇은 당장 먹는 데 없어서는 안될 필요충분조건의 기물이다. 필자보고 무식한 소리라 하겠지만 그만큼 공예의 태생적인 순기능이 약화되고 있는 느낌이 안타까워 한마디 적었다.  </p> <p style="line-height: 160%;">단색화의 재유행이 불러온 ‘이조백자’의 미감도 어찌 보면 유교적 도덕성의 시지각에 갇힌 우리 전통의 연장선상에 있다 하겠다. 전통의 재현은 복제(複製)를 넘어 그 시대 정신이 깃든 재현이되 ‘변형(transformation)’의 무엇이어야 한다. 공예의 순기능과 아름다움의 척도는 바로 이 변형된 무엇에 깃든 무엇이라 하겠다.</p> <p style="line-height: 160%;">김시영의 흑자도 단색화의 미감으로부터 자유롭지 못하다. 왜냐하면 단색이기 때문에.²</p> <p style="line-height: 160%;">그런데 김시영은 검정색의 톤은 유지하면서 </p> <p style="line-height: 160%;">‘항아리’라는 순기능의 형태를 무시한, 그야말로 자유롭게 조각적 느낌이 강한 볼륨(volume)과 매스(mass)의 ‘덩어리’ 개념으로의 변형을 꾀하고 있다. 포스트모던의 시대 정신?, 아니면 작업과 형식의 단조로움에 따른 일탈(逸脫)의 변형? 아니면 와일드(Oscar Wilde) 식의 “위험할 정도로” 추종하는 “아름다움에의 흠모”? 김시영의 변화는 매우 흥미롭다. 그의 다음이, 차제에 검정색도... </p> <p style="line-height: 160%;"><strong>3. 이상협의 은기(銀器)</strong></p> <p style="line-height: 160%;">‘달항아리’의 재료는 ‘은판(銀板)’이다. 말 그대로 은으로 된 널찍한 판을 두드려(단조  鍛造) 항아리를 만들고, 만든 항아리의 색(色)과 형태가 달을 닮아 순수한 우리말로 ‘달항아리’라 불린다.</p> <p style="line-height: 160%;">은(銀 silver)은 하얗다. 해서 백은(白銀)이라 불리기도 한다. 은은 다른 금속에 비해 무르기 때문에 단조에 유리하다. 또한 표면에 들어오는 빛의 대부분을 반사해 금속 중에서 광택이 가장 강하다. 이러한 속성으로 말미암아 동서양은 고대로부터 은을 귀중하게 취급했고, 그 은은한 빛깔 때문에 ‘달’과 관련한 상징과 신화로 자주 등장한다. 이러한 재질의 탁월한 가치는 고대로부터 통용되어 종교용의 제기</p> <p style="line-height: 160%;">(祭器)나 상류사회의 일상 용기를 제공하는 공예의 고급재료로 사용되었으며, 특히 16세기 이후 영국을 비롯한 유럽인들 사이에 떠도는 은그릇의 명성은 오늘날까지 이어져 내려온다. 때문에 영국에서 먼저 작가로서의 명성을 획득한 이상협의 작품 저변에는 이러한 역사성이 깃들어 있다 하겠다.</p> <p style="line-height: 160%;">은(銀)은 한때 금(金)보다 더 대접을 받았었다. 그래서인지  ‘돈(화폐)’의 저장고인 은행(銀行)을 ‘금행(金行)’이라 부르지 않나 보다. 은행(銀行)이란 한자어의 어원은 중국이다. 한때 은본위제 국가였던 중국의 영향으로 우리도 은을 화폐로 사용했듯이 ‘은행’이라는 말은 은의 유통에서 비롯되었다. </p> <p style="line-height: 160%;">‘항아리’를 만들 여러 재료가 있을 수 있겠으나, 예를 들어 그림과 사진 또는 영상 등도 매체로서의 동등한 등가관계로 금속과 비견(比肩)할지언정 은의 상징과 가치가 그러하듯, 이상협은 노동과 조형 차원 이전에 매우 비싸고 좋은 재료를 점유함으로써 일단 한 수 접고 ‘메인(main)’ ‘게임(game)’에 임하는 것과 다를 바 없다.</p> <p style="line-height: 160%;">이상협은 “flow, 흐름, 흘러내림, 얼어붙음, 녹아내림 등 자연의 유기적인 현상에서 (작품의) 영감”을 얻었다 한다. 이 영감의 발현은 조형적으로, 또는 형식적으로 ‘달항아리’라 불리는 은기의 표면에 나타나는 질감의 재현적인 표현과 매우 닮아있다. 물론 무수한 노동의 망치질 가운데 몸과 정신이 일치하는 무아의 몰입감도 있었을 테지만, 어쨌든 그 질감은 타격의 힘(에너지)을 조절하는 가운데 우연히 생성되는, 때로는 의식적으로 생성한 추상적인 질감에 불과하다. 그런데 이런 추상적인 질감의 부분과 전체의 표피가 관람자에게 매우 매혹적으로 다가와 그 자체만으로도 만져보고 싶은 촉각적인 충동을 불러일으키기도 한다. 거기에 덧붙여 기억에 의한 우리의 시지각은 무언가를 연상해내어 마치 무언가 ‘흐르는’ 듯한 정서와 맞닥뜨려 시공간을 초월한 각자 나름대로의 재현적인 일상으로 우리의 상상을 이끌어간다.</p> <p style="line-height: 160%;">때문에 ‘달항아리’의 매력은 다음의 두 성격으로 집약된다. 첫 번째, ‘달’과 ‘항아리’의 결합이 불러일으키는 과거지향적인 정서와 두 번째는 </p> <p style="line-height: 160%;">‘추상(성)’과 관련한 현대미술의 정서로 풀이할 수 있겠다. 또한 이 둘의 성격은 결국 모여져 ‘단색화’와 관계되는 형식적인, 미학적인 논의들과 맞물려있다는 것이 필자의 관점이다. 왜냐하면 최근 일고 있는 </p> <p style="line-height: 160%;">‘단색화’에 대한 복고적 취향의 미술시장성 역시 이들 논의의 틀과 결합되어 있기 때문이다. 그러나 앞서 밝혔듯이 변형의 관점에서 ‘은(銀)’을 떠난 이상협을 상상할 수 있을까?</p> <p style="line-height: 160%;">필자는 이번 전시의 기획을 ‘흑과 백’의 단색조에 맞춘 두 공예가의 작품이라 생각한다. 물론 재질은 달라도 거기서 흘러나오는 단색조의 미감은 서로를 떠받쳐주는 정반합의 어울림이 있을 것이기 때문에 관람자에게도 ‘나의 아저씨’ 같은 두 작가가 풍기는 은은하지만 듬직한 매력을 작품에서 느낄 수 있을 것이다.      </p> <hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" /> <p style="line-height: 160%;"><a href="/1.%20%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88/%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88_%EC%A0%84%EC%8B%9C%EB%B3%84%EC%9E%90%EB%A3%8C%E2%98%85%E2%98%85/2024/%EA%B9%80%EC%8B%9C%EC%98%81%20%EC%9D%B4%EC%83%81%ED%98%91/Two%20Masters%20of%20Black%20Porcelain%20and%20Silverware.docx#_ftnref1">[1]</a> Oscar Wilde, The Critic as Artist, New York: David Zwirner Books, 2029, p. 13: “the worship of beauty takes precedence, dangerously, over morality, facts, usefulness, sense, and, as far as possible, reality itself.”？</p> <p style="line-height: 160%;"><a href="/1.%20%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88/%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88_%EC%A0%84%EC%8B%9C%EB%B3%84%EC%9E%90%EB%A3%8C%E2%98%85%E2%98%85/2024/%EA%B9%80%EC%8B%9C%EC%98%81%20%EC%9D%B4%EC%83%81%ED%98%91/Two%20Masters%20of%20Black%20Porcelain%20and%20Silverware.docx#_ftnref2">[2]</a> 이것은 라우센버그(Robert Rauschenberg)의 <black painting="">이 일본과 한국의 ‘단색화’ 계열과 무관하지 않다는 필자의 논리와 마찬가지로 김시영의 흑자도 비슷하다는 이야기다.？</black></p> <p style="line-height: 160%;"><strong>Two Masters of Black Ceramics and Silver Object</strong></p> <p style="line-height: 160%;">Jeong Young Mok (Professor Emeritus, SNU)</p> <p style="line-height: 160%;"><strong>“The worship of beauty takes precedence, dangerously, over morality, facts, usefulness, sense, and, as far as possible, reality itself.”<a href="/1.%20%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88/%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88_%EC%A0%84%EC%8B%9C%EB%B3%84%EC%9E%90%EB%A3%8C%E2%98%85%E2%98%85/2024/%EA%B9%80%EC%8B%9C%EC%98%81%20%EC%9D%B4%EC%83%81%ED%98%91/Two%20Masters%20of%20Black%20Porcelain%20and%20Silverware.docx#_ftn1"><strong>[1]</strong></a></strong></p> <p style="line-height: 160%;"><strong>1. </strong><strong>Master’s ‘Work’ (</strong><strong>作業</strong><strong>)</strong><strong></strong></p> <p style="line-height: 160%;">Both black ceramics and silver object are classified as craft. While such a classification has lost its meaning in this age and time, I believe that the labels of ‘ceramist’ and ‘metalsmith’ serve Kim Syyoung and William Lee, respectively, better than the generic term ‘artist’. For, the labels, I insist, not only show less influence from the Western modernism that calls everyone ‘artists’ but also reflect our tradition in craft that denotes a connotation of ‘artisan’ or ‘meister’.</p> <p style="line-height: 160%;"> Craft is essentially a labor-intensive work that penetrates the essence of the material. “The worship of beauty”, quoted above, is merely what follows. Most of the terms related to craft or art come from borrowed words from Chinese or follow Japanese orthography based on Chinese letters. For example, let us take a look at the word 作業 which is directly connected to the idea of craftsmanship.</p> <p style="line-height: 160%;"> If we are to directly translate the Chinese word 作業 into Korean, we could perhaps say ‘to make things’; there are, of course, deeper and wider connotations to the nuance of this word. The letter 業 might as well be translated to ‘life’ itself given its uses in Chinese language. And indeed, the most common association that Korean speakers have with the word 業 would be ‘work’. Here, ‘work’ signifies a sense of labor that employs both our body and our mind. A ‘labor of body and mind’, then, connects to our ‘occupation’ and the act of ‘making a living’. To act on ‘業’, therefore, marks the <em>beginning</em> of our ‘life’ and is inevitably connected to the notions of ‘origin, basis, or beginning’, of which societal implications bear resemblance to religion or ethics. As we see in examples of ‘業報’ (roughly, Karma) or ‘因果應報’ (roughly, a just punishment or recompense), ‘業’ constitutes a sense of the struggle between right and wrong, and good and bad.</p> <p style="line-height: 160%;"> This etymological divergence is to emphasize how Kim Syyoung and William Lee take the actions and thoughts of craft as ‘work’ (and hence ‘labor’) before declaring any occupational or vocational connection to being ‘artists’. That is to say, these two <em>masters</em> assert their ‘occupation’ not through obtaining a degree, for example, but by committing to their ‘job’ and by ‘making a living’ for themselves and their families. Simplified, not only is the confidence of these two professional craftspeople imbued into the word of ‘作業’, but also the consciously chosen ‘vividness’ of both anguish and euphoria as craftspeople that equate ‘業報’ (karma) eventually become their ‘works’. While such properties of their artistic endeavor lead to the production of works that belong to a wholly artistic realm, it is a shame that ‘reality’, with its capitalistic irony, prioritizes ‘result’ over ‘process’ and hence values ‘marketability’ of the work. That is to say that the problem of aesthetic judgment and evaluation of the artistic commitment to their ‘works’ is not solely in the hands of the artists but at the mercy of the audience.</p> <p style="line-height: 160%;"><strong>2. </strong><strong>Kim Syyoung’s Black Ceramics</strong></p> <p style="line-height: 160%;">Recently, craft, too, pursues the abstract that we find in monochrome painting following its resurgence. More specifically, as the ‘moon jar’ located itself as the iconic aesthetic <em>objet</em> that represents South Korea, craft began to exhibit a tendency to represent the abstract in connection to its tradition. With such a tendency, craft was distanced from its inherent function and started pursuing concepts of painting and sculpture (what we consider to be the two mainstream genres of art), aesthetics, and decorativeness, eventually leading to the point where we are comfortable calling these two masters ‘artists’.</p> <p style="line-height: 160%;"> It is my contention that craft’s function remains the same despite the change in the epoch, and that its everyday-life-ness must be discussed along with its beauty. In other words, one does not need a painting on a wall to be able to sustain one’s life, but a plate is a necessary condition for one to sustain a human life. Some might dismiss my view on the basis that craft, too, is gratuitous for the sustenance of life, but the point that I am raising here is that craft’s inherent functions are increasingly blurred these days.</p> <p style="line-height: 160%;">The aesthetic of ‘李朝’ white porcelain (李朝 is an archaic term for Joseon), made popular again by the recent resurgence of the monochrome painting, can be said to be the extension of our tradition that is unfortunately trapped within the Confucian ethics and its perceptive limits. The representation of the tradition should be a kind of representation that, transcending beyond mere mimesis, steps into the realm of ‘transformation’ that carries its <em>zeitgeist</em>. The criteria with which we assess craft’s functionality and beauty should, so I argue, pertain to that realm of ‘transformation’.</p> <p style="line-height: 160%;"> Kim Syyoung’s black ceramics works, too, are not free from the aesthetic of monochrome painting, as they employ a black monochrome<a href="/1.%20%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88/%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88_%EC%A0%84%EC%8B%9C%EB%B3%84%EC%9E%90%EB%A3%8C%E2%98%85%E2%98%85/2024/%EA%B9%80%EC%8B%9C%EC%98%81%20%EC%9D%B4%EC%83%81%ED%98%91/Two%20Masters%20of%20Black%20Porcelain%20and%20Silverware.docx#_ftn2">[2]</a>. However, Kim Syyoung’s ceramics works aim at a transformation as a sculptural lump of volume and mass without paying respect to the functionality of a ‘jar’ while maintaining the black tone. How are we to make of this unique transformation? A postmodern <em>zeitgeist?</em> Or an aberration that defies the monotony of work process and form? Or a dangerous worship of beauty as Oscar Wilde explains? In any event, Kim Syyoung’s transformation is scintillating. It draws attention to not only her next project but also to the configuration of black monochrome.</p> <p style="line-height: 160%;"><strong>3. </strong><strong>Silver object by William Lee</strong><strong></strong></p> <p style="line-height: 160%;">The ingredient for the ‘moon jar’ is a ‘silver plate’. By forging a flat, literal silver plate, the metalsmith crafts a jar. The color and form of the jar resemble the moon, thus giving it its name.</p> <p style="line-height: 160%;">Silver is white. This is why we sometimes call it ‘白銀’ (literally ‘white silver’). Silver is softer than other metals which makes it an excellent ingredient for forging. And because of its surface that reflects most of the light, it shines the brightest among metal. Such properties have put silver on a pedestal in both the East and the West. Its shiny surface, moreover, has associated silver with the Moon, thus recurring in symbols or myths related to it. The value of the material has been recognized from as early as ancient times when plates for religious rituals or upper-class cutlery preferred silver as its ‘fancy’ ingredient. Europeans, in particular the 16<sup>th</sup>-century England, have put so much value on well-crafted silverware that they are considered antique now. For William Lee whose critical acclaim began in England and not his native Korea, such history can be particularly meaningful.</p> <p style="line-height: 160%;">Silver (銀) was more valuable than gold (金) at times. I believe that’s why we call banks ‘銀行’ and not ‘金行’. The etymology of the Chinese word for bank (銀行) comes from the time of the silver standard. There can be many ingredients to craft a ‘jar’. For example, even painting, photography, or videography can be used, in this age of abstract art, to create an image of a jar as efficiently as metal. However, as the symbol and value of silver suggest, one can argue that William Lee has taken the initiative on a pricey yet valuable material to start his main game more luxuriously.</p> <p style="line-height: 160%;">William Lee says to have been inspired by the natural, organic phenomena such as “flowing, melting, or freezing”. The manifestation of such inspiration resembles, both formally and stylistically, the representations of textures appearing on the surface of the ‘moon jar’. While it is evident that the metalsmith must have been immersed with both his body and mind during the restless hammering of the plate, the texture that appears on the surface is a product of accident that takes place in the random strikes with varying degrees of strength. However, it is the randomness and the abstraction of the part of the texture (and the entire surface that is a series of such textures) that makes the audience want to feel and touch the ‘jar’. In addition, our visual perception will associate the surface with the sentiment of ‘flowing’ that, in turn, creates a reproduction of one’s life that transcends spatiotemporal boundaries and leads our imagination.</p> <p style="line-height: 160%;">In this sense, the appeal of ‘moon jar’ is twofold. One, the past-oriented sentiment that the mixture of ‘Moon’ and ‘jar’ creates, and two, the sentiment of contemporary art related to abstraction. It is my contention that such characteristics of the ‘moon jar’ will eventually converge and create discourses related to the formal and aesthetic discussion of the monochrome painting. This is also noticeable in the retro taste of the contemporary art scene that focuses on monochrome painting. At the same time, can we imagine William Lee without silver as his main material and main element for the ‘transformation’ as I discussed earlier?</p> <p style="line-height: 160%;">I see the project of this exhibition as a convergence of two master craftspeople whose colors of ‘black and white’ are contrasted. While they might use different materials, the monochrome aesthetic that these materials emanate shows a dialectic harmony between them. The audience will surely feel the subtle yet certain attraction of the works that these two masters pronounce.</p> <hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" /> <p style="line-height: 160%;"><a href="/1.%20%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88/%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88_%EC%A0%84%EC%8B%9C%EB%B3%84%EC%9E%90%EB%A3%8C%E2%98%85%E2%98%85/2024/%EA%B9%80%EC%8B%9C%EC%98%81%20%EC%9D%B4%EC%83%81%ED%98%91/Two%20Masters%20of%20Black%20Porcelain%20and%20Silverware.docx#_ftnref1">[1]</a> Wilde, Oscar. <em>The Critic as Artist</em>. New York: David Zwirner Books, 2019, p. 13.</p> <p style="line-height: 160%;"><a href="/1.%20%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88/%EA%B0%A4%EB%9F%AC%EB%A6%AC%EB%B0%88_%EC%A0%84%EC%8B%9C%EB%B3%84%EC%9E%90%EB%A3%8C%E2%98%85%E2%98%85/2024/%EA%B9%80%EC%8B%9C%EC%98%81%20%EC%9D%B4%EC%83%81%ED%98%91/Two%20Masters%20of%20Black%20Porcelain%20and%20Silverware.docx#_ftnref2">[2]</a> I am speaking of my argument from elsewhere that <em>Black Painting</em> by Robert Rauschenberg is not unrelated to the monochrome paintings of Japan and Korea. Kim Syyoung’s Black Porcelain works pertain to this argument.</p> <p style="line-height: 160%;"><strong>？김시영</strong></p> <p style="line-height: 160%;">화염을 칠하다.</p> <p style="line-height: 160%;">불에 의해 흙은 색과 형을 찾아간다.</p> <p style="line-height: 160%;">사실은,</p> <p style="line-height: 160%;">모든 것을 배제하고 불 자체에 집중했을 때</p> <p style="line-height: 160%;">비로소 요변(窯變)이 흙에서 나온다.</p> <p style="line-height: 160%;">불이 만들어내는 요변을 통해 발견하는</p> <p style="line-height: 160%;">변화의 자유로움! </p> <p style="line-height: 160%;">가마의 불꽃은 미지의 영역,</p> <p style="line-height: 160%;">이 불확실성 속에서 나는 인간의 숭고한 삶을 발견한다. </p> <p style="line-height: 160%;">                                                                <작가노트 중> </p> <p style="line-height: 160%;">？？</p> <p style="line-height: 160%;"><strong>이상협</strong></p> <p style="line-height: 160%;">망치질로 금속이라는 물성의 한계에 도전한다.</p> <p style="line-height: 160%;">전통 도자의 기형을 금속으로 재현해 내는 과정에서 </p> <p style="line-height: 160%;">‘기’(器)의 절제된 형태를 찾고</p> <p style="line-height: 160%;">그 안에 우리만의 고유한 미감을 담아낸다. </p> <p style="line-height: 160%;">흘러내리는 듯한 유연한 선들과 보일 듯 말 듯 하지만 </p> <p style="line-height: 160%;">무수한 흔적들의 집합으로 만들어진 표면의 질감은</p> <p style="line-height: 160%;">달항아리라는 전통의 기형 위에 새로운 변화를 가져오기 위한 </p> <p style="line-height: 160%;">긴 시간과 행위의 기록이기도 하다.</p> <p style="line-height: 160%;">                                                                <작가노트 중>  </p> <p style="line-height: 160%;">？ </p> <p style="line-height: 160%;"> ？ </p> <p style="line-height: 160%;"><strong>？？김시영 Kim Syyoung</strong></p> <p style="line-height: 160%;">연세대학교 산업대학원 세라믹공학 석사 </p> <p style="line-height: 160%;">연세대학교 공과대학 금속공학과 학사 </p> <p style="line-height: 160%;">주요 개인전</p><p style="line-height: 160%;">2022 김시영 개인전_DISCOVERY, 학고재 아트센터, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2020 김시영 오픈 스튜디오, 강원문화재단 선정, 강원</p> <p style="line-height: 160%;">2019 김시영 개인전, 슈페리어 갤러리, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2018 KIM SYYOUNG’S BLACK, KCDF갤러리, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2017 김시영 개인전, 연세대학교 국가관리 연구원, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2015 김시영 요변 흑자전, 칼리파갤러리, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2014 흑유명가 가평요-검은 달항아리와 그 이후, 롯데갤러리 본점, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2013 김시영 ‘비색 秘色 흑자전’, 우리그릇 려, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2011 검은달항아리, 갤러리 얼 / 우리그릇 려, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2011 흑유달항아리전, 갤러리 설악, 경기도</p> <p style="line-height: 160%;">2010 화염을 칠하다, 세종문화회관, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2009 경기으뜸이 10주년 기념 김시영 찻그릇, 통인화랑, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2003 청곡 요변흑자, 경인미술관, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">1997 청곡 고려흑자, 롯데백화점 롯데화랑 잠실점, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">외 다수</p> <p style="line-height: 160%;">주요 그룹전</p> <p style="line-height: 160%;">2024 묵상: 김시영, 박서보, 윤형근, 이배, 정창섭, 최명영 6인전, 신세계 갤러리 청담, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2024 검고 뜨거운, 차고 빛나는: 김시영, 이상협 2인전, 갤러리밈, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2023 낙선재유 이음의 요량 (K-헤리티지 아트전), 창덕궁, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2023 현으로부터 3인전, 보현재, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2022 사물을 대하는 태도, 문화역 서울 284, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2021 밀라노 디자인위크 한국공예관 [사물을 대하는 태도], Fuorisalone 푸오리살로네, 밀라노, 이탈리아</p> <p style="line-height: 160%;">2021 Moon jar: a piece of happiness, 한 갤러리, 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2021 서울 공예 박물관 개관전, 서울공예박물관, 한국</p> <p style="line-height: 160%;">2020 Kim syyoung youtube exhibition, The Scottish Gallery, 에든버러, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2020 랜덤다이버시티, 우란문화재단 소장 연구전,서울</p> <p style="line-height: 160%;">2019 신세계 백화점 영등포점 퍼스트 라운지 개점 기념전, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2018 경계를 가다. 김시영도공. 이정섭목수 2인전 -신세계 갤러리, 부산-대구 릴레이전</p> <p style="line-height: 160%;">2018 ILTM 한국관- PALAIS DES FESTIVALS DE CANNES, 깐느, 프랑스</p> <p style="line-height: 160%;">2017 ILTM 한국관- PALAIS DES FESTIVALS DE CANNES, 깐느, 프랑스</p> <p style="line-height: 160%;">2017 From Raw Material To Art Work, 김시영도공. 이정섭목수 2인전, 백악미술관, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2017 Historias guardadas en el tiempo, 마드리드 주한문화원, 마드리드, 스페인</p> <p style="line-height: 160%;">2013 해인아트프로젝트-해인사, 합천</p> <p style="line-height: 160%;">2012 “여름-쉬어가는” 전 초대작가, 필리핀 한국문화원, 마닐라, 필리핀</p> <p style="line-height: 160%;">2008 중국 국제도자기박람회 한국관, 경덕진</p> <p style="line-height: 160%;">2001 김시영 PAUL BOUW 사발 2인전, 토아트 갤러리, 경기</p> <p style="line-height: 160%;">1993 무궁화전, 도쿄, 일본</p> <p style="line-height: 160%;">외 다수</p> <p style="line-height: 160%;">수상</p> <p style="line-height: 160%;">2019 대한민국 문화 훈장, 화관</p> <p style="line-height: 160%;">2016 문화체육관광부, 강원도 지역 명사</p> <p style="line-height: 160%;">1999 경기도, 경기으뜸이 (도자공예)</p> <p style="line-height: 160%;">소장</p> <p style="line-height: 160%;">빅토리아 앤 알버트 뮤지엄(영국), 기메 뮤지엄(프랑스), 스페인 수상(스페인), 일본 교통부(일본), 일본 관광청(일본), 태국 총리실(태국), </p> <p style="line-height: 160%;">세가사미 그룹(일본), 우란 문화재단, 코오롱 그룹, 신세계 그룹, 광주 관요 박물관, 진천 국가대표 선수촌, 가평문화원 외 다수</p> <p style="line-height: 160%;">？？<strong>이 상 협 William Lee</strong></p> <p style="line-height: 160%;">금속공예 학사졸업 -유니버시티 오브 런던 아트(켐버웰 컬리지)</p> <p style="line-height: 160%;">파운데이션 오브 스컬프쳐 -엑시터 컬리지 오브 아트</p> <p style="line-height: 160%;">주요경력</p> <p style="line-height: 160%;">2023             올해의 공예상 창작부분</p> <p style="line-height: 160%;">2005             M & J (셰피드 할람 대학교) 레지던시 입주작가</p> <p style="line-height: 160%;">2002             안토니 곰리와 프로젝트 진행</p> <p style="line-height: 160%;">전시경력</p> <p style="line-height: 160%;">2023   공예트렌드페어 올해의 공예상 전, 코엑스, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2023   한？중？일 공예전 화이부동, 전북예술회관, 전주 </p> <p style="line-height: 160%;">2023   청주공예비엔날레 초청작가</p> <p style="line-height: 160%;">2022   물성의 이해 공예’디자인 공모전시 개인 작가 부문 선정</p> <p style="line-height: 160%;">2022   단체전, KCDF 상반기 기획전 사물을 대하는 태도 展, 문화역서울284, 서울 </p> <p style="line-height: 160%;">2021   개인전, 바디프랜드 청담브랜드직영점, 서울  </p> <p style="line-height: 160%;">2021   서울공예박물관 개관특별전, 공예, 시간과 경계를 넘다, 서울공예박물관, 서울 </p> <p style="line-height: 160%;">2021   제 10회 서울국제조각페스타 2021, 예술의전당한가람미술관, 서울 </p> <p style="line-height: 160%;">2021   금도섭(金陶燮) 展, 갤러리 단디, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2021   서울국제불교박람회, 서울 </p> <p style="line-height: 160%;">2021   아트 페스타 in 제주, 제주 </p> <p style="line-height: 160%;">2021   전남수묵비엔날레, 목포 </p> <p style="line-height: 160%;">2021   밀라노 한국공예전 All about attitude 展, 밀라노&대한민국</p> <p style="line-height: 160%;">2021   2021 동아시아 문화도시 한·중·일 미래융합 페스티벌 티 카니발 展, 순천 </p> <p style="line-height: 160%;">2021   2021 청주시한국공예관 개관 20주년 기념 특별전, 청주</p> <p style="line-height: 160%;">2021   2021 청주공예비엔날레 공예가 되기, 청주 </p> <p style="line-height: 160%;">2021   개인전, Eternal Glream 展, 갤러리 단디, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2021   개인전, FLOW 展, 휴갤러리, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2020   단체전, KCDF 하반기 기획전 컵 展, KCDF 갤러리 전관, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2020   개인전, Tea and Silver 展, 갤러리 단디, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2020   받치고 따르고 展, 갤러리 단디, 서울 </p> <p style="line-height: 160%;">2020   공예트렌드페어, 코엑스, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2020   技.氣.器展, 스페이스 금채, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2019   한국 공예의 법고창신-수묵의 독백, 주일한국문화원, 도쿄, 일본</p> <p style="line-height: 160%;">2019   이상협 금속조형전, 갤러리 조이, 부산</p> <p style="line-height: 160%;">2019   한국 공예의 법고창신, 슈퍼스튜디오, 밀라노, 이탈리아</p> <p style="line-height: 160%;">2018   제 9회 경남국제아트페어 (GIAF2018), 창원</p> <p style="line-height: 160%;">2018   Korean Connection, 스코티쉬갤러리,에든버러, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2018   BAMA2018 아트페어, 부산</p> <p style="line-height: 160%;">2018   미다스의 뜰 현대 금장신구전, 갤러리 바움, 파주</p> <p style="line-height: 160%;">2018   In The Spring 봄 기획전, 갤러리 조이, 부산</p> <p style="line-height: 160%;">2018   Hand, Tool, Copper 展, 스트리트 갤러리, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2018   가내수공 展, 갤러리 단디, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2018   18회 실버트리엔날레, Inhorgenta, 뮌헨, 독일</p> <p style="line-height: 160%;">2017   18회 실버트리엔날레, Museum Zons, 도르마겐, 독일</p> <p style="line-height: 160%;">2017   ‘Forged', Galerie HAndwerk, 뮌헨, 독일</p> <p style="line-height: 160%;">2017   18회 실버트리엔날레, Robbe & Berking Yachting Heritage Centre, 플렌스부르크, 독일</p> <p style="line-height: 160%;">2017   18회 실버트리엔날레, Museum und Galerie im Prediger, 슈베비슈 그뮌트, 독일</p> <p style="line-height: 160%;">2017   18회 실버트리엔날레, Museum voor Edelsmeedkunst, Juwelen en Diamant, 앤트워프, 벨기에</p> <p style="line-height: 160%;">2017   KCDF 갤러리 초대전 공예희락, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2017   BAMA2017 아트페어 초대전, 부산</p> <p style="line-height: 160%;">2017   Metal Pottery, 갤러리단디, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2016   18회 실버트리엔날레, Deutsches Goldschmiedehaus, 독일 </p> <p style="line-height: 160%;">2016   제1회 공평아트 위대한공예전, 공평아트갤러리, 서울</p> <p style="line-height: 160%;">2016   레지나갤러리 공예 트렌드 페어, 서울 </p> <p style="line-height: 160%;">2015   청주국제공예비엔날레 초대전, 청주 </p> <p style="line-height: 160%;">2014   한국문화원, 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2013   디자인 데이 두바이, 가나스페이스 크로프트, 아랍에미리트, 두바이 </p> <p style="line-height: 160%;">2012   Inhorgenta, 뮌헨, 독일</p> <p style="line-height: 160%;">2007-2011   골드스미스 페어, 골드스미스 컴퍼니, 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2011   SOFA 뉴욕, 미국</p> <p style="line-height: 160%;">2011   11 콜렉트, 사치갤러리, 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2010-2011   BADA 엔틱 파인 아트 페어(페인 & 선), 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2010   콜렉트 페어(스코티쉬갤러리), 사치갤러리, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2010   컨템퍼러리 브리티쉬 실버전(아스프리), 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2009   브리티쉬 실버 위크, 존 히긴스 컨템포러리 실버 (드 브루먼 디자인), 페인 & 선 옥스포드, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2009   콜렉트 오브 사치갤러리, 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2008   개인전, 메탈갤러리, 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2008   아트 앤 엔틱 두바이, 아랍에미리트, 두바이</p><p style="line-height: 160%;">2007   콜렉트 페어(비숍랜드 에듀케셔널 트러스트), 빅토리아 앤 알버트, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2007   트레져 오브 투데이, 피즈윌리엄 뮤지엄</p> <p style="line-height: 160%;">2007   퍼시픽 림, 스코티쉬 갤러리, 에든버러, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2007   런던 아트페어, 디자인 비즈니스 센터 (로져 빌클리프 갤러리), 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2006   트레져 오브 투데이, 버밍햄 뮤지엄 & 아트 갤러리</p> <p style="line-height: 160%;">2006   런던 크레프트 페어, 서머셋하우스, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2005   뷰티풀 브론즈: 스튜닝 실버, 콕 스트리트, 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2005   크래프트맨쉽 & 디자인 어워드 전, 골드스미스 홀, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2004   크리스마스 전, 스코티쉬 갤러리, 에든버러, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2004   인터내셔널 뉴욕 페어(메탈갤러리), 미국</p> <p style="line-height: 160%;">2004   퓨쳐 맵, 런던 아트 갤러리, 런던, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2004   졸업전, 메탈 갤러리, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2004   뉴 디자인 쇼, 비즈니스 디자인센터</p> <p style="line-height: 160%;">2004   크래프트맨쉽 & 디자인 어워드 전, 골드스미스 홀, 영국</p> <p style="line-height: 160%;">2003   영 디자인 & 실버스미스 어워드, 빅토리아 & 알버트 뮤지엄, 영국 </p> <p style="line-height: 160%;">작품소장처</p> <p style="line-height: 160%;">팸브로크, 캠브리지 유니버시티(영국), 그로서스 컴퍼니(영국)</p> <p style="line-height: 160%;">에버딘 박물관(영국), 필라델피아 박물관(미국), 골드스미스 컴퍼니(영국), </p> <p style="line-height: 160%;">빅토리아 앤 알버트 박물관(영국) </p> <p style="line-height: 160%;"><br /></p>

종료

2024년 5월 15일 - 2024년 8월 11일

누구세요 Who is this

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0); font-weight: bold;">전시서문</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0); font-weight: bold;"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0); font-weight: bold;">곽남신 — 미학적 히스테리 환자의 바니타스와 웃음</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><span style="font-weight: bold;">김원방 (평론가, 작가)</span></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">작품과 작가의 관계는 본래 상호반영적인 관계이다. 서로가 서로의 거울이 되어 비춘다는 뜻이다. 작가는 작품이 '자기의 내면이 투영된 이마고(imago)'라고 생각하며 작업을 시작하지만, 일단 새로운 작품을 완성하고 나면 그 작품에서 전혀 예기치 못했던 생소한 자신을 발견하기 일쑤이고, 이 때 자신에 대한 그간의 고정관념은 전복된다. 예술적 창조 과정에는 새로운 작품을 통해 과거에 자신이 스스로에게 부과한 고정관념 또는 세상이 '대세'로서 강요하는 인습적 틀 모두를 깨고 새로운 자신을 발견하는 미시적인 파괴와 혁명의 사건들이 포함되어 있으며, 바로 이러한 사건들이 바로 작업을 지속시키는 추진력이자 행복감이다. 이것을 요즘 회자되는 정신분석학 개념을 빌려 설명하자면, '히스테리적 주체'(욕망이 억압된 사람)의 삶과 흡사하다. 히스테리적 주체는 이 세상의 지배적 가치나 규범에 의해 자신의 진정한 욕망이 억압되고 이로 인한 병증에 시달리는 주체이다. 그러나 그는 그 병증을 계기로 스스로를 통찰하고 결국 더욱 진정한 자기를 향해 나아간다. </span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">곽남신의 70~80년대 청년기 작업과 당시 시대적 정황을 살펴보면 그러한 히스테리 주체로서의 욕망과 작은 혁명들의 궤적이 선명히 확인된다. 그는 연필로 그림자 만을 희미하게 그리는 '그림자' 연작으로 첫 작업을 개시했다. 그 자신도 토로하듯이, 이 작업은 70년대 미술계에 주도적 대세라고 자칭했던 '모더니스트 추상' 혹은 '한국적 모노크롬'(이를 비평적으로 엄밀히 정의하면 '단색조 추상'이라고 부르는 것이 적절하다)의 틀을 벗어나려는 의미있는 몸짓이었다. 그의 그림자 연작은 얼핏 단색조 평면추상인 듯한 느낌을 지니긴 했지만, 그림자의 구체적 형상성을 유지함으로써 '형상과 의미에 대한 갈망'을 분명히 드러낸 작품이었다(그는 "저의 내면적 욕구는 반대적인 성향이었고, 왜 그림에서 의미나 정서는 배제되어야 하는지 의문을 품게 되었습니다"라고 말한 바 있다). 그것은 '미학적 히스테리 환자'가 표출한, 외양은 소심하지만 내면은 격렬한 증상이자 저항적 선언이었다. 그리고 이 그림자 연작에는 이후 그의 전 작업의 지향점, 즉 '자유로운 의미와 상상', '물질의 감각'의 추구가 이미 예고되어 있다는 점에서 그에게 큰 의미가 있는 작업이다. </span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">이후 행한 작업들, 예를 들어 우연히 습득한 정체불명의 오브제 파편들을 화면에 붙이거나 설치작업으로 실행한 '이콘' 연작들에서는 앞서 말한 한국적 모더니즘에 대한 거부는 물론, 80년대 중반에 폭발하여 또 하나의 대세를 이룬 민중미술의 교조적, 정치 프로퍼갠더적 미술에 대한 거부감이 드러나 있고, 그는 이러한 두가지 지배적 주류를 벗어나 '이미 희생되거나 상실, 억압되고 있다고 생각되는 제3의 가능성'을 추구해 나갔다. 당시 민중미술은 그것이 가장 적대시했던 한국적 모더니즘 계열과 큰 공통점을 가지고 있었다고 생각된다. 후자가 '의미와 형상이 삭제된 비재현의 무념무상'을 공동선으로 율법화하려 했다면, 전자는 반대로 '형상을 일사분란하게 체제화하고 훈육적 기능을 최종목표로 하는 사회주의적 리얼리즘 양식을 신봉’했다는 점에서 양자는 모두 전체주의적이고 교조주의적이라는 공통점을 가지고 있다. 그래서 곽남신은 당시 두 부류의 미술들을 모두 '파시스트적이고 전체주의적'인 미술로 간주했던 것으로 필자는 기억한다. 이러한 맥락에서 보면, 곽남신은 '그 두가지 권력에 모두 반대하면서 억압된 의미의 증상적 해방을 갈구한 포스트모던 히스테리 환자' 정도로 간주될 수 있겠다. 그러면 '이야기와 형상의 황량한 부재'도 아니고, 그렇다고 '관객의 뇌 속으로 강압적으로 침입하는 훈육자'도 아닌, 그래서 '형상, 의미, 읽기, 상상이 자유롭게 스스로 창발, 생성되는 모체(matrix) 같은 작품'을 그는 어떤 방법으로 만들어내려 했을까? 나는 이 글에서 두 가지를 집어내고자 한다. </span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">첫째는 '바니타스 회화'(Vanitas Painting)의 특징, 또는 '알레고리적 특징'이다. 90년대 후반의 '이콘' 연작들, 그리고 <옴 바니미니 바아바데> 같은 설치작을 보면, 우연히 습득된 물건 파편들, 즉 의미의 맥락을 상실한 오브제들이 중요한 구성요소이다. "오물(dust)이란 본래의 장소를 벗어난 사물이라고 정의된다"라는 인류학자 레비 스트로스(Lévi-Strauss)의 말이 웅변하듯, 그 파편적 오브제들은 본래의 언어적 통사구조에서 벗어남으로 인해서 '기의'(記意) 즉 '본래의 뜻'이 허공에 날아가 버린 쓰레기가 된다(물론 위생학적 쓰레기가 아니라 '장소에서 벗어난 언어' 혹은 '이상한 외국어'라는 뜻이다). 그러한 상황은 우리의 정신을 해방, 이탈, 규범의 위반, 심지어 타락, 웃음 등으로 이끌고 간다. 이는 16-18세기에 네덜란드를 중심으로 한 바니타스 회화에서 낡은 고물들, 시든 꽃, 해골, 심지어 동물의 시체로 채워진 화면과 비교해 볼 수 있다. 이 연작뿐만 아니라 2000년대 이후 집중하고 있는 일종의 '눈속임 그림'(Trompe-l'oeil) 연작, 즉 인물들의 그림자, 윤곽선, 실물과 재현이 뒤얽히는 유희를 통해 착시를 일으키는 작업에 대해서도 같은 이야기를 할 수 있다. 이 작품들은 종종 해학적 분위기에도 불구하고, 마치 영화에서 추출한 스틸사진(movie still)이나 오래되어 빛바랜 사진처럼 이미 소멸한 실물이 수반하는 우울한 알레고리도 지니고 있다.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">두번째로는 '웃음' 혹은 '실소'(失笑)라고 부를 만한 측면이다. 방금 언급한 '눈속임 그림' 또는 '인물 그림자' 연작을 보면, 운동선수, 남과 여, 아이들 등 다양한 인물의 그림자나 윤곽 같은 것들이 마치 무언극이나 그림자극과 같은 분위기로 형상화되고 있다. 이들 연작들은 왠지 유머러스한 상황을 연상시키는데, 작가가 오줌을 허공에 멀리 싸는 상황을 그림과 설치로 시각화한 작품 <멀리 누기>(2002)에서 그러한 유머의 의도가 남김없이 드러난다. 여기서 그가 웃음을 연출하는 또다른 방법은 '착시 놀이'로서, 이것은 방금 언급한 그림자극의 특징과는 좀 다른 종류의 웃음을, 정확히 말하면 웃음이라기보다는 '실소'를 유발한다. 극히 사실주의적인 미술들, 예를 들어 교훈적 역사화, 민중리얼리즘 미술과 정치프로다간다 미술, 아르놀트 브레커(Arnold Breker) 같은 독일 나치 공식미술가의 조각을 보면, 일사분란하게 체계화, 서사화된 사실주의적 재현을 통해 관객의 머릿속을 옴짝달싹 못하게 구속한다. 이에 반해 곽남신의 이 연작들에서는 재현의 체계 자체가 뒤틀리고 무너져 있다. 극사실적 일루전, 윤곽과 그림자, 실제 사물, 네온 등 상이한 요소들을 짜깁기하여 혼동시키는 눈속임 기법, 특정 시점에서 온전한 형태가 드러나는 아나모포시스(anamorphosis, 歪像) 등을 통해, 관객을 속이고 실소를 유발한다. 실소는 허망함의 체험을 수반한다는 점에서 앞서 말한 바니타스와도 연관된 면일 것이다.</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="color: rgb(0, 0, 0);">곽남신의 모든 작업의 저변에는 개인적 기질뿐만 아니라 그가 오랜 시간 고수해 온 예술관이 깔려있다. 그는 앞서 말한 한국적 모더니즘과 민중미술뿐만 아니라, 오늘날 국제미술계를 범람하고 있는 미술들에 대해 분명한 거부감을 천명한다. 예를 들어 전 지구적 재앙들, 전쟁과 테러, 기후변화, 인종차별, 젠더문제, 녹색 단체들의 급진적 운동 등, 지구의 모든 위기의 이미지들을 긁어모아 전시장에 산적해 놓고, 인류의 십자가를 짊어진 성직자의 역할을 흉내내는 예술들에 대해 비판적이다. 나는 그런 미술들의 저변에는, 물신주의적 유사종교, 과한 선지자 의식이 깔려 있다고 생각되고 곽남신도 그러한 관점에 대체적으로 동의한다. 그러한 미술들에는 니이체가 짜라투스트라의 입을 빌어 갈구한 '아이 같은 자유로운 정신'이 깃들기는 힘들어 보인다. 곽남신은 예술이 더 작고 겸손하며, 피부에 와닿아 실감나는 재미, 진실한 아름다움을 지니는 활동으로 되돌아가야 한다고 생각하는 작가이다. </span></div>

종료

2024년 10월 23일 - 2024년 12월 27일

Objemage(Objet+Image) : Postcard

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="font-weight: bold;">권대훈의 포용적 조형론 : 구상(救像)하라!</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="font-weight: bold;">심상용(서울대학교미술관 관장)</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="font-weight: bold;">숲속에서 길을 잃다</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="font-weight: bold;"><br /></span></div> <div style="line-height: 160%;">‘Still in the Forest’, 권대훈의 2020년 개인전 주제였다. 숲속에서 길을 잃었던 이전의 경험에서 비롯되었다. 길 잃은 숲에서 그는 잊을 수 없는 착시(錯視)를 경험했다. 형상들에 돌연 변형이 일어났고, 어떤 나무들은 사람의 형상이 되었다. 시지각이 심리상태와 긴밀히 연동되어 있음을 깨닫게 되었다. 어떤 순간이나 사건은 그 인상이 너무 강렬해서, 우리의 마음과 영혼에 각인된다. 시각 경험도 크게 다르지 않다. 가슴과 영혼에 새겨져 삶 전체를 아우르는 미학의 형성에 결정적으로 관여한다.</div> <div style="line-height: 160%;">권대훈은 다양한 출처에서 온 이미지를 연출된 빛의 상황 안에 위치시킨다. 새로운 맥락이 형성된다. 드로잉은 능란한 소조 솜씨로 빛어진 신체를 입는다. 그 위로 이미 조각의 일부가 된 이미지로서의 빛과 실제 조명에서 오는 빛의 이중의 접속이 있다. 오늘날 디지털화된 과정으로 대체되었거나 되는 중인, 모든 아날로그 과정들의 즐거운 복원이다. 발상은 빅데이터가 아니라 작가의 경험과 기억에서 오고, 대체로 땀과 노동 등 전통적인 소조나 회화의 과정을 거친다.</div> <div style="line-height: 160%;">‘본다(seeing)’는 행위에 대하여: 정확히 하자. 생물학적 기관으로서 ‘눈’은 빛의 수용체, 매개체, 카메라의 렌즈와 다르지 않다. 그것만으로는 ‘본다(seeing)’는 행위의 초보적인 이해조차 불가능하다. 빛의 농도를 조절하고, 기관의 표면에 상(像)을 맺히게 하는 과정은 본다는 사건 전체에서 극 초입에 지나지 않는다. 보는 행위는 마음과 영혼에 맞닿아 있다. 존재의 기원, 자연과 사물에 대한 선-이해 (先-理解)까지 그것에 치밀하게 침투한다. 이 점에서 존재의 봄(seeing)은 비존재, 짐승의 그것과 그 뿌리부터가 다르다.</div> <div style="line-height: 160%;">인간의 봄(seeing)은 대상과 대상의 이면, 대상 너머를 동시에 포괄하는 삼중의 인식행위고, 그로 인해 생각은 존재론적으로 공명하고, 마음은 정화와 심화의 과정을 밟아나가는 존재론적 사건이다. 사람들은 석양을 보면서 과거의 기억을 호출하고, 흐르는 강물을 보면서 스스로를 영겁의 시간으로 인도한다. 물(水)을 본다는 것은 무엇인가? 가스통 바슐라르(Gaston Bachelard)에겐 근원에 다가서는 길이고, 꿈의 조건이었다. “물을 보는 것만으로는 물의 절대적인 모성, 생명의 최초의 환경임을 제대로 이해할 수 없다. 물을 이해하기 위해서는 꿈꾸지 않으면 안 된다.” 지적 깨달음, 감정적 몰입, 영적인 여정 그 어떤 것도 보는 행위와 무관하지 않다.⑴</div> <div style="line-height: 160%;">시지각의 이토록 존재적이고 입체적인 특성을 인상주의자들의 빛 해석을 과소평가하는 근거로 이해할 필요는 없다. 오히려 그 반대다. 예컨대 모네는 빛이 어떻게 자연과의 조화를 중시하고, 사물이 자율적인 존재가 아니며, 빛이 환희의 감정을 즉각적으로 일으키는가를 보여주었다. 권대훈은 당분간 렘브란트의 것보다는 인상주의자들의 시각적인 빛을 더 즐기는 것 같다. 대상과 빛 사이에서 일어나는 시지각적 티키타카를 즐거이 탐미한다. 그러니 이 세계에 등장하는 빛에 별스러운 주석을 다느라 너무 힘을 뺄 필요는 없다. 먼저 빛과 대상이 벌이는 게임을 즐기자. 빛이 인물상의 좌측 상단부를 때릴 때, 실제와 이미지의 첫 번째 착시가 야기되고, 우측 하단의 그림자에서 두 번째 착시가 일어난다. 이 이중의 착시는 서로 배척하지 않는 실재와 이미지의 놀이의 산물이다.</div> <div style="line-height: 160%;">포용적 조각의 발판 마련하기</div> <div style="line-height: 160%;">권대훈은 기억과 현재, 빛과 그림자, 실재와 가상, 조각과 회화의 경계를 두루 넘나든다. 기억은 그의 숙련된 손끝에서 육화(肉化)된다. 육화된 기억 위에서 이번에는 빛의 육화가 일어난다. 이중의 육화, 이것이 이 세계의 시각적 감성을 조율, 연출하는 조형적 문법이다. 이로부터 복수(複數)의 서사가 기지개를 켜며 몸을 일으킨다.</div> <div style="line-height: 160%;">포스트모던 계열의 ‘탈(脫)’이나 ‘해체’ 담론들과는 상반된 미(美)의 역학이다. 이 세계는 경계를 포용하고 유희한다. 기억과 현재, 실재와 이미지 사이의 줄타기, 회화와 조각, 드로잉과 소조는 서로의 보호자가 된다. 조각은 회화를 포용하고, 회화는 조각의 확장에 기여한다. 윈-윈(win-win)이다. 2차원, 3차원 운운하는 장르 적대주의는 모더니즘의 터무니 없는 발명품일 뿐이다. 왜 그 유산을 대물림하는가. 권대훈은 사물과 빛. 실재와 이미지의 어느 하나에 매몰되거나 집착하지 않는다. 빛의 의미를 강조하려 물질의 하찮음에 밑줄을 그을 필요는 없다. 여기서 빛은 제임스 터렐(James Turrel)의 빛과 클로드 모네(Claude Monet)의 빛, 댄 플래빈(Dan Flavin)의 미니멀한 빛 가운데 하나를 택일하지 않아도 된다. 어느 하나가 정(正)이고, 다른 것들이 위(僞)로 판명될 필요는 없다. 이것이 이 포용적인 세계의 본질이다.</div> <div style="line-height: 160%;">마르셀 뒤샹과 개념주의 미학, 둘 중 하나만 선택해야 한다는 기조가 남긴 폐해를 잊어서는 안 된다. 실재에 다가서기 위해 눈을 가리고, 땀이나 노동 따위는 단두대로 보내야 한다는, 한때는 꽤나 유효해 보였던 오류를 되풀이해선 곤란하다. 서구의 고대 철학에 기대어 구상(具象)을 추잡한 거짓으로 단죄했던 추상 미학이나 그 반대쪽의 동일한 편협함도 같은 맥락이다. 그 결과는? 알다시피 충분히 끔찍했다. 미켈란젤로는 돌로 다비드상을 만들었지만, 오늘날 LA 미술관은 우리에게 340 톤의 돌을 있는 그대로 제시하거나 쪼그려 앉아 대변을 보는 여경(女警)의 조각상을 제시한다. 탈과 해체의 담론들이 인식을 더 첨예하게 만들었던가? 그 반대다.</div> <div style="line-height: 160%;">경계를 해체하자 미적 상대주의(aesthetic relativism)가 만연하게 되었다. 탈경계는 탈-기준, 탈-미학, 탈-예술로 거침없이 내달렸다. 이미지의 생명력을 상실하기에 이르기까지. 경계는 의미의 출처다. 의미를 때려 부수는 것이 아니라 재구성하는 것이 예술에 주어진 소임이다. 경계가 문제라고? 잘못 설정된 경계가 문제일 뿐이다. 눈과 개념, 조각과 회화는 둘 중 하나를 부정함으로써가 아니라, 각각의 고유한 개별성을 더 성찰하고 엮어냄으로써 완성된다. 새로움의 탐구와 실험은 변함없이 예술의 운명이지만, 더는 오해하지 말자. 부정과 파괴, 해체는 새로움이 아니라 구태로 물러나는 길일 뿐이다. 의미를 더 풍요롭게 함으로써 획득되는 새로움은 여전히 가능하며, 이것이야말로 예술의 미래가 되어야 한다.</div> <div style="line-height: 160%;">시각예술은 이 세계에는 부재하는, 최상의 탁월성의 기준을 시지각적으로 제시하는 통로였다. 영감, 먼 곳에서 오는 빛, 숭고함, 은총..., 사적 견해의 차원과는 비교조차 할 수 없는 높은 수준을 향하는 힘인 백터(vector), 그것이 시각예술이었다. 하지만 탈과 해체의 쓰나미가 휩쓸고 간 오늘날 예술은 시니피에-시니피앙의 의미 고리 파괴하기, 실재를 혼돈의 기호들과 뒤섞기, 이미지를 뿌리 없는 사생아로 만들기의 아수라장이 되었다. 어리석음, 관점의 부재, 자의적인 추함의 전도사가 되었다.</div> <div style="line-height: 160%;">권대훈의 조각은 조각을 재사유하는 것에 대한 천명이다. 조각의 전통과 비전통을 동시에 포용함으로써, 조각과 비조각을 하나로 엮음으로써 조각을 구한다. 실재와 이미지, 진실과 허구 둘 중 어느 하나도 부정되거나 해체되어야 할 것으로 인식하지 않기, 모든 비조각적인 것들에 대한 적대주의를 내려놓기로서의 조각이다. 허구를 진실 확장의 기제로 전용하는 것, 이미지를 수렁에서 구해내는 것, 즉 모더니즘의 독(毒)이 해독된 조형성에 다가서기, 이것이 권대훈 작업의 방향이자 의미이다.</div>

종료

2026년 4월 22일 - 2026년 5월 29일