이길이구갤러리

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종료

2024년 2월 3일 - 2024년 2월 24일

콰야 Qwaya, What should we do?｜어떻게 해야 할까

<p class="has-text-align-left">이길이구 갤러리는 2024년 2월 3일부터 24일까지 콰야 (Qwaya, b.1991) 작가의 개인전《어떻게 해야 할까》를 개최합니다. 작가는 매일의 삶에서 떠오르는 사유들을 그림으로 기록합니다. 자신의 삶을 둘러싼 섬세한 이야기들과 번뇌 그리고 세상의 흐름에서 감정선을 따라 그림을 통해 끊임없이 피부로 느끼게 해 줍니다. 이번 전시는 콰야 작가의 한층 견고해진 색채와 사실적인 묘사 그리고 더욱 단단한 구조로 화면을 구성하고 있음을 확인할 수 있습니다. 단순한 순간의 기록을 넘어, 우리가 사는 세상 어딘가를 향한 작가의 깊은 속내가 담긴 작품들은 지극히 개인적인 서사를 담고 있는 것으로 보이지만 그의 삶의 방향에 대한 고찰은 우리 모두가 매일 부딪히는 사회에서 간과되기 쉬운 불안한 갈등과 모순을 부상시킵니다.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">불편한 이야기들로 내재된 인간 본질과 삶의 지표도 콰야 작가의 필치로는 유쾌하게 짚어냅니다. 자칫 지루할 수 있는 사유의 시간속에서 우리는 새롭고 낯설음을 발견할 수 있습니다. 그의 작품을 자세히 들여다보면 사유의 시공간을 공간의 구도와 인물의 시선 처리, 신체의 방향, 색감 등을 통해 비현실적이고 몽환적인 분위기로 자아냅니다. 콰야의 작품은 감상자가 작품을 두루 관찰하며 일차적으로 창작자의 일상을 교감하고, 그가 바라보고 지향하는 세상에 대해 조명합니다. 그리고 마침내 자신을 둘러싼 세상의 변화와 사람들의 관계에 대해 고찰하게 만들어 삶의 가치를 다시한번 새기도록 이끌어줍니다.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">우리의 삶은 개인적 이유에서, 사회적 역할과 규범 안에서, 혹은 바쁘게 흘러가는 일상 속에서 쉽게 무미건조해지기 마련입니다. 하지만 여기에는 분명 아름다움이라는 보편적 가치가 자리하고 있습니다. 그 가치를 알아차리기 위해선 속도를 늦추고 한발짝 뒤로 물러나 세상과 나를 바라보는 고요의 시간이 필요합니다. 이번 이길이구 갤러리의 <어떻게 해야할까>전시는 빠르게 변화되는 사회속에서 놓쳐버릴 수 있는 인간의 본질과 삶의 지표를 다시금 되돌아볼 수 있는 기회를 제공하고자 합니다.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">콰야, 잠이 오지 않아서 When can't sleep, 2023, Oil on Canvas, 73x91cm</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">2GIL29 GALLERY is pleased to announce the Solo Exhibition 《 What should we do?》 by Qwaya (b. 1991), which will take place from February 3rd to February 24th, 2024. Qwaya captures the intricacies of daily life through his artwork, portraying nuanced narratives, anxieties, and the ebb and flow of the world that allow observers to constantly feel them on a personal level. The exhibition reveals Qwaya‘s heightened mastery of color, realistic depictions, and refined compositional structures, which transports his depictions beyond the mere documentation of fleeting moments and weaves the artists personal contemplations of the direction of life into them. As such, Qwaya explores societal anxieties and contradictions often overlooked in the daily hustle of everyday life.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">Qwaya's disquieting narratives skillfully unveil the intrinsic human essence and inherently flawed markers of human nature, embedding usually uncomfortable narratives into his works with a sense of humor, helping us discover novelty and unfamiliarity within the seemingly mundaneness of repetitive daily contemplation. Upon closer inspection of his works, this spatiotemporal realm of contemplation is further shaped by a surreal and dreamy atmosphere created though the artists arrangement of space on the canvas, the unique gaze of the characters, the direction we as viewers position ourselves in when observing the artwork, and the use of color. Qwaya's artworks provide a delightful perspective through his unique artistic expression and invite viewers to observe and engage with the artist's daily life, shedding light on the world he envisions and aspires to live in. Ultimately, his works leads us to reflect on the changes in the world around us and in our interpersonal relation to others, guiding us in reconsidering the value of life once more.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">Our lives often tend to become mundane easily, whether it be due to personal reasons, societal roles and norms, or the hustle and bustle of daily life. However, amidst all this, we can undeniably find a universal beauty, a sense of undeniable meaning. To recognize it, all we need is moments of tranquility during which we can slow down, take a step back and contemplate the ourselves and the world that surrounds us. The current exhibition titled "What should we do?" seeks to provide an opportunity to revisit the essence of human life and its seemingly mundane markers, suggesting that they might embody a beauty we tend to overlook as we get caught up in the rapidly changing social environments around us. Returning to the stage at 2GIL29 GALLERY in 2024 after successful exhibitions in 2020 and 2022, Qwaya continues to share his compelling stories through the language of art.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">콰야, 떠나보낼것을 읽으며 Reading things to letting go, 2023, Color on Ceramic, 10.5x9.3x9.3cm</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">작가 소개</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">콰야 (1991년생) 작가는 대한민국 예술계에서 주목받는 한국 작가로, 그의 이름은 밤과 고요 속에서의 명상을 상징한다는 것으로 알려져 있습니다. 상명대학교에서 패션 및 디자인 학위를 취득한 후, 그는 독창적인 세계관으로 빠르게 긍정적인 반응을 얻었습니다. 2019년에는 음악 그룹 잔나비의 2집 앨범 "전설"의 앨범 커버를 제작함으로써 널리 알려지게 되었습니다. 이후 2020년에는 이길이구 갤러리에서 첫 번째 개인전을 개최하여 한국 화단에 데뷔하게 되었습니다. 그동안의 대기업과의 협업 프로젝트 및 다양한 음반 아트워크에 참여하며 상업 예술과 순수 예술 사이의 경계를 넘나들며 다양한 활동을 펼치며 자신의 능력을 인정 받아론 작가는 여전히 지금도 많은 대중들의 사랑을 받고 있습니다.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">2022년에는 우리나라 가수의 살아있는 전설  '최백호와 함께 전시' 를 기획하며 자신의 다양한 예술적 세계를 선보였습니다. 이는 그가 얼마나 많은 넓은 시야를 지니고 예술과의 접목을 시도하는지 주목해야 할 지점입니다. 미술에 국한된 것이 아닌 동시대의 예술가들과 함께 마주하며 다양성을 추구하려는 그의 작업 태도와 정답이 아닌 찾아가는 과정을 즐기는 젊은 작가의 표상을 보여줍니다.  "콰야"라는 이름 자체가 그의 예술적 접근을 담고 있는데, 이는 밤을 지새우는 의미의 '과야(過夜)'에 'Quiet(조용한)'와 'Quest(탐구)' 등의 앞글자 'Q'를 결합한 것입니다. 이 이름은 침묵과 탐험으로 가득 찬 밤을 의미합니다.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">자신의 삶 속에서 일반적인 길을 벗어나 예술을 추구한 용기 있는 예술가로 자리매김하면서 오랜 기간 무명의 작가로서의 시간을 보내며, 이제는 자신의 명상과 창작에 집중하고 있습니다. 그의 작품은 우리 일상 속에 숨겨진 보석으로 이끄는 감동적인 기록과 직관적이며 강렬한 색채로 많은 이들을 매료시키고 있습니다. 사회의 사건과 현상에 주목한 작품들과 개인의 일상이 현실에서 뒤섞인 그의 작품들은 때로는 동화같고 생경한 이미지를 회화로 그려냅니다. 언제나 그의 주제는 현재의 상황릏 어떻게 바라 볼 것인가에 대한 다양한 제시를 제공합니다. 흥미로은 그의 작품세계가 지속적으로 우리의 삶에 끊임없이 질문을 던지져보고 공존과 삶을 위한 성찰을 보여주는 작가 입니다.</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">Artist Bio</p> <p class="has-text-align-left"><br /></p> <p class="has-text-align-left">Qwaya (born 1991) is a prominent artist in the South Korean art scene known for his themes of contemplation and nighttime pondering. After obtaining a degree in Fashion and Design from Sangmyung University, he quickly garnered positive responses with his distinctive worldview. In 2019, he firstly received widespread recognition for his creation of  the album cover "Legend" , the second album of well-known Korean music group Jannabi. Subsequently, in 2020, he made his debut in the Korean art scene by holding his first solo exhibition at the Lee Gil-igu Gallery. Engaging in collaborative projects with major corporations and contributing to various album artworks, Qwaya skillfully walks the line between commercial and fine art, continually showcasing a diverse spectrum of artistic activities. In 2022, he co-curated an exhibition alongside singer Choi Baek-ho, offering once again a glimpse into his  multifacetedness. The name "Qwaya" itself encapsulates his creative approach, combining the concept of staying up through the night ('과야' or '過夜') with the initials 'Q' representing 'Quiet' and 'Quest'. This nomenclature reflects the meaning of a silent and quest-filled night. Qwaya, respected for his courage in forging his own artistic path despite being  initially completely unknown, now concentrates on producing works around themes of contemplation and introspection, serving  as poignant records of the hidden gems of daily life -the subtle but meaningful emotions we can experience in the mundanity of the daily. Qwaya's intuitive use of a multitude of vivid colors has captivated many, explaining his engaged and ever-growing audience. Actively participating in solo exhibitions and curated shows, Qwaya continually blesses us with his vibrant presence in the art world. The ways in which he intuitively presents his distinct styles have already left a permanent mark on the landscape of Korean contemporary art.</p>

종료

2024년 3월 23일 - 2024년 4월 20일

최인선 Insun Choi, Beyond the Looking Glass_Into the Looking Glass | 거울 너머로_거울 속으로

<p>이길이구 갤러리는 2024년 3월 23일 부터 4월 20일까지 최인선 (b.1964) 작가의 개인전 《거울 너머로 _ 거울 속으로》 를 개최합니다. 존재의 본질을 물성과 인간 내부의 내밀한 감성의 교차점에서 탐구하는 회화의 향연입니다. 이길이구 갤러리에서 대규모로 열리는 이번 전시는 작가의 경력을 아우르는 통찰의 연대기로서 물성의 깊이와 감정의 직관을 결합한 시각 언어를 보여줍니다. 작가의 캔버스에는 물감의 층과 색채의 울림이 복합적인 이야기를 구축하며, 관람자로 하여금 시각적으로 보이는 내재된 세계를 보이는 것 이상의 그 너머의 보이지 않는 부분까지 감성적으로 조우하게 됩니다.</p> <p>더욱 주목해야 할 지점은 지금까지의 작업들이 단색의 절제미와 강렬한 색채의 대담한 대조를 통해 존재론적 질문을 던지며, 물질과 인간의 상호작용을 탐구했다면, 이번 전시에서는 독자적인 질료의 순수성을 보존하는 인간 감정의 매개체로 변환시켜, 캔버스 위에 존재의 흔적을 남기는 방식으로 우리가 인식하는 세계를 초월하는 감각적 경험을 제공하고 있습니다. 만일 이것이  최인선 작가가 물성주의를 전혀 또다른 새로운 질료의 한 모습을 정착시키고 있다고 평가된다면, 그는 90년대의 그의 작품세계로의 귀환을 알리는 서막의 전시라 볼 수 있습니다.  그리고 그 시각에서 보았을 때 최인선의 조형세계는 '표상의 원천'을 생각하는 것이 아니라 '물성의 본질'을 궁구하려는 데 뜻이 있습니다. 관람자가 내면의 거울을 통해 자신만의 해석을 발견하도록 유도하는 작업들은 직관을 신뢰하며 캔버스 위에 표현하는 물질의 본질에 충실한 질료와 색채를 통해 우리 안의 심오한 감정과 존재의 무게를 묵직하게 드러내고 있습니다. 이는 그의 회화가 오랜 시간의 구력의 힘과 독특한 예술적 언어에서 비롯된 물성의 깊이만큼 울림을 보여주는 것 입니다.</p> <p>이렇듯 최인선 작가의 개인전 《거울 너머로 _ 거울 속으로》는 매체의 물리적 특성을 넘어서, 감성과 실존을 탐구하는 매개로서의 역할을 작품에서 볼 수 있는 경로로 제시합니다. 그가 바라보는 캔버스 위에 쌓아올린 대상들은 현실이 아닌  보이지 않는 세계 속에 존재하는 본질의 반영 일 뿐이라는 사실을 ‘회화’라는 허구적 도구를 통해 증명하고 있습니다.  최인선 작가만이 나타낼 수 있는 회화성으로 강조되는 직관적인 감성의 궤적들은 다시금 복잡한 인간 정서의 지도를 사유하는 시간을 선사합니다. 우리가 만나는 세상에 자연성과 물질성의 교차점에서 형성되는 그가 만들어낸 존재의 흔적들은 자아의 반영, 내면의 세계 혹은 우리가 살아가는 현실과 대조되는 숨겨진 진실이나 가능성들이 무수히 존재한다는 것을 이번 전시를 통해서 인식의 경계를 허무는 시각적 확장의 기회가 되리라 기대합니다.</p> <p class="has-text-align-center"><strong><br /></strong></p> <p class="has-text-align-center"><strong>최인선 </strong><em> <strong>Eternal Materials </strong></em>Mixed Media 259.1x193.1cm</p> <p><br /></p> <p>작가소개</p> <p>최인선 (B 964) 작가는 홍익대 미술대학 회화과 및 同 대학원 회화과 졸업과 뉴욕으로 건너가 뉴욕주립대를 졸업했다. 현재는 홍익대학교 회화과 교수로 재직중입니다. 일찍이 이미 젊은시절 굵직 굵직한 국내 유수의 미술상을 휩쓸다시피한 그는 중앙미술대전 대상, 대한민국 미술대전 우수상, 문화관광부 장관 주최의 오늘의 젊은 예술가상 수상, 하종현 미술상 등 주요한 수상경력을 독점하며 실력을 인정 받았습니다. 빠르게 국내 화단에 주목받은 작가는 유수의 기관 및 갤러리에서 전시 경력을 쌓은 국내를 대표하는 작가입니다. 최인선은  조형적 인간 본연의 무게 내지는 질량을 접합시킴으로써 전혀 또다른 새로운 물성의 조형언어를 정착시키고 있다고 평가됩니다. 형상과 추상을 물성과 색채의 자유로움을 유연하게 움직이는 국내 유일의 독보적인 작가임은 분명합니다. 2018년 부터는 경제적으로 힘든 젊은 작가들을 지원하고, 재능 있는 예술학도들을 후원, 직접 '인카네이션 문화예술재단'을 설립하고 예술장학금을 통해 후학양성에도 힘쓰고 있고 현역중견작가가 본인의 예술에서 얻은 성과를 개인의 이익으로만 남기는 것이 아닌 후배 작가들 또는 문화의 소외 계층들에게 나눔의 미학을 실천하는 그는 예술의 순기능의 훌륭한 면모를 몸소 실천하고 있습니다. 현역 작가 누구보다 많은 작업량은 빠르게 변화하는 현대미술에 계속해서 새롭게 안착하며 본인만의 조형세계를 구축하고 있으며 한국 미술발전의 중요한 지지대 역할을 하고 있다. 국립현대미술관, 서울 시립미술관, 광주 시립미술관, 금호문화재단, 호암미술관, 뉴욕주립대학교 등 국내 주요 미술관 및 갤러리에 작품이 영구 소장 되어있습니다.</p> <p><br /></p> <p><br /></p>

종료

2024년 5월 31일 - 2024년 6월 22일

김 웅 Woong Kim, Untitled Landscape | 명제 없는 풍경

<p>이길이구 갤러리에서 열리는 이번 전시는 관람객들에게 김웅 작가가 지금까지의 예술 여정을 통해 축적해 온 깊은 사색과 예술적 성찰을 공유하는 특별한 기회를 제공합니다. 서울에서 13년 만에 열리는 이 스물아홉 번째 개인전은 그의 긴 예술 여정과 깊이 있는 사유가 집약된 자리입니다. 김웅 작가의 작품들은 시간과 기억, 공간을 초월하는 추상화의 언어로 표현되며, 그의 독특한 미술 세계는 우리가 일상에서 접하는 사물의 표면 너머에 숨겨진 이야기와 감정의 층을 드러냅니다. 그의 작품 속에서는 개인의 기억이라는 주제를 통해 보편적인 인간 경험의 감정과 연결되어, 각자의 내면에 숨어 있는 기억의 파편들을 호출하고 이를 통해 새로운 의미를 발견하게 합니다. 이번 전시는 과거의 순간들이 시간 속에서 어떻게 층층이 쌓이고, 어떻게 그 순간들이 현재에 계속해서 영향을 미치는지를 탐구합니다. 작가는 자신의 경험을 바탕으로 한국과 뉴욕, 그리고 더 넓은 세계에서의 삶을 거쳐온 시간의 흔적들을 재구성하며, 이러한 다층적인 시간의 경험을 통해 관람객에게 더 깊고 풍부한 시각적 경험을 제공합니다.</p> <p><br /></p> <p>1970년 이후 뉴욕으로 건너가 시각예술학교(SVA)를 졸업하고 예일대학교 미술대학원에서 공부한 후, 1979년부터 1987년까지 한국인 최초로 SVA에서 미술 교수로 재직하였습니다. 교수직을 그만둔 후, 김 웅 작가는 뉴욕 미술계에서 전업 작가로서 활동하며 한국을 대표하는 국제적인 작가로서 자리매김하였습니다. 단순한 시각적 아름다움을 넘어서, 감상자로 하여금 자신의 삶과 기억을 성찰할 기회를 제공하며, 이는 미술이 단순히 보는 것을 넘어서는 깊은 철학적 사유와 만남을 가능하게 합니다. 김 웅은 현재도 맨해튼 바워리의 자신의 스튜디오에서 활발하게 작업을 이어가고 있으며, 그의 작업은 뉴욕 뿐만 아니라 전 세계적으로도 큰 주목을 받고 있습니다.</p> <p><br /></p> <p>특히 이번 전시는 그의 예술적 지평을 한층 더 넓히고, 그의 작품들을 통해 시간과 공간을 초월하는 예술적 대화를 시도하는 장이 될 것입니다. 이길이구 갤러리의 이번 전시는 김 웅 작가의 깊은 내적 세계와 예술적 여정을 집중 조명함으로써, 현대 미술의 현재와 미래에 대한 중요한 담론을 제공합니다. 뉴욕에서의 오랜 경험과 한국에서의 근원적 감성이 결합된 김 웅의 작품들은 글로벌 아트 신에서 독특한 위치를 차지하며, 전통과 현대성, 동양과 서양의 경계를 넘나드는 예술적 실험을 지속하고 있습니다. 작가의 《명제 없는 풍경》 전은 이러한 특성을 반영하여, 그가 직면한 문화적 다양성과 개인적 경험을 바탕으로 새로운 예술적 언어를 창조해내고 있습니다. 그의 작품은 전통적인 한국 미술의 요소들을 현대적 감각으로 재해석하며, 시간과 공간을 초월하는 보편적 감정과 메시지를 전달하고자 합니다.</p> <p><br /></p> <p>이 전시를 통해 관람객들은 김 웅이라는 예술가가 지난 수십 년 간 뉴욕과 서울을 오가며 펼쳐온 창조적 여정의 정수를 경험할 수 있습니다. 또한, 그의 작품 속에서 표현된 시간의 층위와 기억의 풍경은 감상자로 하여금 자신의 내면을 들여다보고, 자신만의 기억과 감정을 되새겨 볼 수 있는 기회를 제공할 것입니다. 그의 예술을 통해 우리에게 보여주는 것이 단순한 이미지나 형태를 넘어서는, 인간의 본질적인 감정과 생각을 탐구하는 과정이라 할 수 있습니다. 세계 유수의 미술관에 그의 작품이 소장되어 있는 것은 그의 예술적 성취와 깊이를 단적으로 보여주는 예입니다. 예일 대학교 박물관, 뉴 헤이븐, 코네티컷; 국립현대미술관, 서울, 한국; 로어노크 시빅 센터, 로어노크, 버지니아; 인터메트로 인더스트리, 윌크스 배러, 펜실베이니아; 소기간 & 마추가, 워싱턴 D.C.; 로스, 란팡 플라자, 워싱턴 D.C.; 성곡미술관, 서울, 한국; 금호미술관, 서울, 한국; 대한상공회의소, 서울, 한국; 서울시립미술관, 서울, 한국; 대한민국 유엔 상임대표부, 뉴욕 등 세계 유수의 기관에 소장되어 있습니다. 이는 그의 예술에 대한 열정과 집념이 만들어낸 결과입니다.</p> <p><br /></p> <p>이길이구 갤러리에서 열리는 이번 개인전은 김 웅 작가의 진정한 회화의 무게감을 느낄 수 있는 전시로, 그의 긴 예술 여정과 풍부한 감성을 관람객과 공유하는 자리가 될 것입니다. 단지 미술작품을 관람하는 행위를 넘어서, 예술이 어떻게 인간의 내면과 대화할 수 있는지를 보여주는 귀중한 자리가 될 것입니다. 마지막으로, 김 웅의 이번 전시는 그의 80세를 기념하는 의미에서도 특별하며, 그의 평생의 예술적 업적을 기리는 시간이 되리라 기대합니다. 예술계 안팎에서 그의 작업에 대한 평가와 그가 남긴 발자취를 조명하면서, 그의 예술적 유산이 앞으로 어떻게 평가될지에 대한 흥미로운 논의의 장도 마련될 것입니다. 이번 전시가 미술 애호가들에게 깊은 인상과 영감을 제시하기를 기대합니다.</p> <p><br /></p> <p class="has-text-align-center">김웅 Woong Kim 2024 <strong><em>Untitled</em></strong> Oil on Canvas 149x180cm</p> <p><br /></p> <p>2GIL29 GALLERY is pleased to present the solo exhibition 《Untitled Landscape 》 by artist Woong Kim, from May 31 to June 22, 2024.  2GIL29 Gallery's exhibition focuses intensely on Woong Kim's inner world and artistic journey, offering crucial discourse on the present and future of contemporary art. His long experience in New York combined with his foundational Korean sensibilities positions his works uniquely within the global art scene, continuing his artistic experiments across the boundaries of tradition and modernity, East and West. The "Landscape without Proposition" exhibition reflects these characteristics, creating a new artistic language based on the cultural diversity and personal experiences he has faced. His works reinterpret traditional Korean artistic elements with a contemporary sense, striving to convey universal emotions and messages that transcend time and space.</p> <p>Visitors to this exhibition will have the opportunity to experience the essence of Woong Kim's creative journey, which has spanned decades between New York and Seoul. Moreover, the layers of time and landscapes of memory expressed in his works will allow viewers to look inward, reflecting on their own memories and emotions. Through his art, Woong Kim explores the fundamental human emotions and thoughts, going beyond mere images or forms. The presence of his works in prestigious museums worldwide, such as Yale University Museum, New Haven, Connecticut; National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul, Korea; Roanoke Civic Center, Roanoke, Virginia; and others, underscores his artistic achievements and depth.</p> <p>This exhibition at 2GIL29 Gallery is set to be a profound showcase of Woong Kim's weighty paintings, sharing his long artistic journey and rich sensibilities with the audience. It transcends the act of merely viewing art, showing how art can engage with the inner self, and is especially significant as it marks his 80th birthday, celebrating his lifelong artistic achievements. The ongoing discourse around his work within the art community and the spotlight on his artistic legacy will offer intriguing discussions about how his art will be perceived in the future. This exhibition is expected to leave a deep impression and inspire art enthusiasts.</p><figure class="wp-block-gallery has-nested-images columns-default is-cropped"> <figure class="wp-block-image size-full"><br /></figure> </figure> <p class="has-text-align-center">김웅 Woong Kim 2024 <strong><em>Untitled</em></strong> Oil on Canvas 112x96cm</p> <p><br /></p> <p><strong>작가소개</strong></p> <p>김 웅(1944년생)은 한국에서 뉴욕의 활발한 예술 현장까지 눈부신 여정을 거쳐왔습니다. 1970년 한국을 떠나 스쿨 오브 비주얼 아트(SVA)와 예일대학교 미술대학원에서 교육을 마친 후, 1979년부터 1987년까지 SVA에서 교수로 재직하며 한국인 최초로 그 자리를 맡았습니다. 그 후 뉴욕의 하워드 스콧 갤러리에서 18년 동안 전속 작가로 활동하며 크리스티와 소더비 같은 유명 경매에서 작품을 활발히 거래하였습니다. 이를 통해 뉴욕 미술계에서 인정받는 한국 작가로 자리매김했습니다. 김 웅의 작품은 첫눈에 추상화로 보이지만 자세히 들여다보면 깊은 형상성을 발견할 수 있습니다. 이러한 독특함은 그의 작품의 원천인 깊숙이 뿌리박힌 유년의 기억에서 비롯됩니다. 이 기억들은 지층처럼 그의 캔버스 위에 겹겹이 쌓여 있습니다. 어린 시절 어머니가 직접 지어주시던 옷이나 창호지에 쑥이나 꽃잎을 붙여 멋을 낸 기억 등이 예술가의 시선을 통해 보물 같은 작품으로 재탄생합니다. 김웅은 이러한 사물들을 단순히 재현적 대상으로서가 아니라 창조적 영감의 원형으로 바라보며, 그 속에 숨어 있는 한국적 미감을 색채와 형식으로 표현해냅니다.</p> <p>그의 그림 작업 방식은 현대 회화에서 흔히 볼 수 있는 순간적 영감에 의존하기보다는, 기억을 하나하나 꺼내어 중첩시키듯이 반복적인 붓질로 색층을 쌓아 올리는 더 심도 있는 과정을 거칩니다. 이렇게 변형된 기억들은 과거를 단순히 대표하는 것을 넘어 시간을 초월하여 현재에도 영적인 본질로 캔버스에서 되살아납니다. 김 웅의 작품은 관람객을 그의 기억의 풍경 속으로 안내하며, 그의 유년 시절의 보물 상자를 열어보게 합니다. 이는 시간의 흐름 속에서 지속적으로 그의 정체성을 형성하는 과정을 따라가는 예술가의 역사를 탐색하는 심미적 여정을 제공합니다. 현재도 김 웅은 뉴욕에서 생활하며 예술 작업에 열심히 매진하고 있으며, 국제 무대에서 현대 미술의 대화에 적극적으로 기여하고 있습니다.</p> <p><br /></p> <p><strong>About the Artist</strong></p> <p>Woong Kim, born in 1944, has traversed a remarkable journey from his native Korea to the vibrant art scene of New York. After relocating in 1970, he completed his education at the School of Visual Arts (SVA) and the Yale University School of Art. His tenure at SVA from 1979 to 1987 marked him as the first Korean to serve as a professor there. Following his academic career, Kim was a resident artist at Howard Scott Gallery in New York for eighteen years (1988-2006), during which time his works were actively traded at prestigious auction houses like Christie's and Sotheby's, affirming his status as a recognized Korean artist in the New York art scene.While Kim's artworks might initially appear as abstract paintings, a closer examination reveals a profound figurative essence. This uniqueness stems from the source of his creations―deeply embedded memories of his youth. These memories, like geological strata, layer upon one another on his canvases. Childhood memories of his mother sewing, or the decorative use of mugwort and petals on traditional Korean paper windows and tablecloths, transform through his artistic lens into treasure-like artworks. Kim does not merely reproduce these items; he reinterprets them as original inspirations, melting the inherent Korean aesthetic into colors and forms on the canvas.</p> <p>His approach to painting eschews the quick inspirations typical of modern art; instead, it involves a meticulous process of extracting and layering memories with repetitive brushstrokes, building up color layers that converge into a form of spiritual regression that serves as a totemic source for the artist. These transformed memories do not just represent the past; they transcend time, revitalizing in the present as spiritual essences on the canvas.Woong Kim's works invite viewers to journey through the tapestry of his recollections, unlocking the treasure box of his youth and offering an aesthetic voyage that traces the enduring history of an artist whose identity is perpetually shaped by his origins. Today, Kim continues to reside and work in New York, diligently pursuing his craft and contributing to the dialogue of contemporary art on an international scale.</p>

종료

2024년 7월 17일 - 2024년 7월 31일

찰리한 Charlie Hahn l 마치 다 아는 것 처럼 As If You Know Everything

<div>이길이구 갤러리는 미디어 아티스트 찰리 한(1973년생)의 개인전 ≪As If You Know Everything 마치 다 아는 것처럼 ≫을 2024년 7월 17일부터 7월 31일까지 개최하게 되어 기쁩니다. 찰리한은 비디오와 사진을 주 매체로 사용하며, 시간의 요소를 결합하여 정체성과 문화라는 주제를 주로 탐구합니다. 그의 작업은 정체성의 변화, 반대, 합의, 종합, 역설과 같은 개념이 심리학과 사회학 등 다양한 학문적 시각을 반영하며 나타납니다.</div> <div><br /></div> <div>이번 전시의 주제 ≪As If You Know Everything 마치 다 아는 것처럼 ≫은 미디어가 전체 진리를 완전히 이해하지 못하면서도 마치 모든 것을 이해한 것처럼 행동하는 경향을 비판합니다. 찰리한의 작업은 이러한 현상을 다양한 시각에서 탐구하며, 그 속에서 나타나는 복잡한 인간 심리를 탐구합니다. 각기 다른 외형에도 불구하고, 전시된 작품들은 남긴 흔적과 과정, 그리고 사고의 흐름에서 공통점을 찾을 수 있습니다. 경험한 수많은 이야기들, 아직 하지 못한 말들, 후회되는 말들이 담겨 있으며, 이를 형태나 이미지로 충실하게 표현합니다.</div> <div><br /></div> <div>전시는 관람객들이 시각적 이미지(작품)와 자신 사이에 보이지 않는 이야기를 자신만의 이야기로 채우기를 제안합니다. 우리 모두에게는 하고 싶은 이야기를 말하지 않고도 상대와 소통하고 싶은 순간들이 있습니다. 혹은, 말을 해도 이해하지 못할 것 같거나, 다 아는 것처럼 들릴 것 같아서 말을 삼키는 경우도 있습니다. 찰리 한은 자신의 개인적인 경험과 감정을 반영한 작품을 통해 감상자들이 자신의 이야기를 떠올리게 하는 기회를 제공하고자 합니다.</div> <div><br /></div> <div>찰리 한은 미디어가 제공하는 단편적인 정보와 왜곡된 현실을 탐구하며, 그 표현과 진실 사이의 복잡한 관계를 작품에 구현합니다. 그는 관람객들에게 제시되는 내러티브의 진실성에 대해 의문을 제기하도록 도전하며, 지배적인 내러티브를 혼란에 빠뜨리고 표면 아래의 불확실성을 밝히고자 합니다. 이번 전시는 찰리 한의 깊이 있는 통찰과 혁신적인 접근법을 통해 현대 사회의 복잡한 인간 심리를 엿볼 수 있는 기회가 될 것입니다.</div> <div><br /></div> <div>이길이구 갤러리는 예술 애호가들과 넓은 커뮤니티가 찰리한의 사려 깊은 전시를 경험하도록 초대합니다. 작가의 날카로운 시선을 통해 본 정체성과 문화의 다면적인 세계와의 잊을 수 없는 만남에 동참하며, 현대 존재의 복잡한 층을 통해 각각의 작품이 성찰과 대화를 초대하는 매력적인 여정을 경험해 보시길 바랍니다.？</div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div><span style="font-weight: bold;">작가소개</span></div> <div><br /></div> <div>찰리한 (B. 1973) 은 미디어 아티스트로 사진과 시간 기반 매체를 주로 사용합니다. 1.5세대 한국계 미국인 아티스트로서, 찰리한은 정체성과 문화에 대한 문제를 반대, 합의, 종합, 역설, 변화를 통해 탐구합니다. 그의 작품은 철학, 심리학, 사회학 등 다양한 학문적 개념을 바탕으로 정체성의 복잡성과 다면성을 깊이 있게 다룹니다. 미국 전역과 세계 여러 곳에서 다수의 전시회와 상영회를 통해 그의 작품을 선보여 왔습니다. 그는 메릴랜드 미술대학교(MICA)에서 BFA와 MA를, 타우슨 대학교에서 MFA를 받았습니다. 2015년부터는 계명대학교 미술대학에서 교수로 재직하며 후학 양성에 힘쓰고 있습니다. 찰리한의 예술 여정은 정체성의 복잡한 특성과 문화적 상호작용의 다면성을 탐구하는 데 깊이 뿌리를 두고 있습니다. 그의 작품은 외부 환경, 개인 경험, 사회적 상호작용에 의해 영향을 받는 정체성의 동적이고 진화하는 본질을 강조합니다. 그는 예술을 통해 관객들에게 정체성과 문화에 대한 고정 관념을 도전하고, 자신의 정체성에 대한 성찰을 촉구합니다. 찰리한의 사진 작품은 인간 경험의 미묘한 뉘앙스를 포착하며, 빛과 구도를 통해 시각적으로 아름답고 생각을 자극하는 이미지를 만들어냅니다. 그의 시간 기반 매체 작품, 비디오 설치 및 디지털 아트는 변형과 역설의 주제를 더 깊이 탐구하며, 과거와 현재, 알려진 것과 알려지지 않은 것 사이의 대화를 만들어냅니다. 찰리한의 작품은 한국화단에서 현대 미술에서 중요한 목소리로 인정받고 있습니다. 그는 자신의 작품을 넘어 큐레이터 프로젝트와 협업 이니셔티브에 적극 참여하여 문화적 다양성과 예술적 표현에 대한 깊은 이해를 촉진합니다. 대구의 계명대학교에서 그는 비판적 사고, 창의성, 그리고 예술 창작에 대한 학제 간 접근의 중요성을 강조하며, 차세대 예술가들을 양성하는 데 헌신하고 있습니다. 그는 학생들이 자신의 정체성과 문화적 배경을 탐구하고, 예술을 개인적 및 공동체적 성장의 매개체로 활용하도록 장려합니다.</div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div></div>

종료

2024년 8월 7일 - 2024년 8월 24일

헤르시 Hernc l 태양의 정원 Jardin of Sun

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">이길이구 갤러리는 2024 년 8 월 7 일부터 24 일까지 헤르시의 개인전 《태양의 정원》을 개최합니다. 헤르시(본명 엄익준, 1991 년생)의 예명은 ‘He realized nothing concrete’ 라는 문장의 약어로, '고정된 틀에 얽매이지 않는다’는 의미를 담고 있습니다. 그는 어린 시절부터 손으로 만드는 창작 활동에 깊은 관심을 보였으며, 글쓰기, 그림 그리기, 도자기 제작, 음악 활동, 악기 연주, 요리 등 다양한 분야에서 탁월한 예술적 감각을 발휘했습니다. 이러한 다채로운 경험들은 현재에도 그의 예명을 완성해 나가는 동력이 되고 있습니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">자유롭고 창의적인 표현의 예술가로 평가받는 헤르시는 제도권 안에서 그림 교육을 받지 않았으며, 이는 그의 조형언어를 더욱 독특하게 만들었습니다. 그는 스스로의 호기심과 순수함을 작품에 담아내는 젊은 세대의 대표적인 예술가로 평가받고 있습니다. 그의 작업은 다양한 도구와 매체를 활용하여 창작되며, 화면은 자유로운 접근을 통해 독창적인 예술 세계를 보여줍니다. 이번 전시의 주요 모티브는 지중해의 강렬한 태양에서 비롯된 색감과 자연이 빚어낸 아름다운 풍경에서 영감을 받았습니다. 지중해의 태양은 그에게 강렬한 색감과 생동감을 불어넣어 주었으며, 이러한 요소들은 그의 작품에서 중요한 역할을 합니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">헤르시의 작품에서 중요한 또 다른 요소는 스페인의 소브라메사 문화입니다. 소브라메사는 식사 후 여유롭게 대화를 나누는 스페인 특유의 문화를 의미합니다. 이 문화는 단순한 식사 이상의 의미를 지니며, 사람들 간의 깊은 소통과 유대감을 형성하는 중요한 시간입니다. 헤르시는 이 순간들을 통해 따뜻한 교류와 소통의 중요성을 느꼈고, 이는 그의 작품에 큰 영향을 미쳤습니다. 그는 이러한 경험을 작품에 녹여내어 관람객들이 그의 작품을 통해 인간관계의 중요성과 소통의 아름다움을 느낄 수 있도록 합니다. 이처럼 작가는 여행을 통해 얻은 다양한 경험들을 작품에 깊이 반영합니다. 그는 낯선 곳에서 만난 자연과 문화, 그리고 그곳에서 경험한 순간들을 작품에 담아내어 관람객들에게 생생하게 전달하고자 합니다. 특히 여행 중에 마주한 새로운 풍경과 사람들, 그리고 그들과의 교류는 그의 예술적 영감의 중요한 원천이 됩니다. 이러한 경험들은 그의 작품에 생동감과 다채로움을 더해주며, 관람객들이 그의 작품을 감상할 때 마치 그와 함께 여행을 떠나는 듯한 느낌을 받게 합니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">예를 들어, 헤르시의 작품에서는 지중해의 햇빛이 올리브 나무 사이로 반짝이는 모습이나, 해변에서 느낀 바다의 파도 소리, 그리고 현지인들과 함께 나눈 따뜻한 미소와 대화가 자연스럽게 녹아 있습니다. 이러한 요소들은 작품 속에서 하나의 조화로운 장면을 이루며, 관람객들이 작품을 통해 그가 느낀 순간들을 공유할 수 있게 합니다.또한, 그는 특정 장소의 독특한 색감과 분위기를 포착하여 캔버스에 옮깁니다. 예를 들어, 스페인의 소브라메사 문화를 반영한 작품에서는 식사 후 여유롭게 나눈 대화와 와인 한 잔의 여운이 색채와 형태를 통해 표현됩니다. 이 과정에서 그는 소박하면서도 깊이 있는 인간의 소통과 교류를 예술적으로 재현하며, 관람객들이 자신의 일상 속에서 느꼈던 유사한 감정을 떠올리게 합니다. 헤르시의 작업들은 단순히 시각적인 아름다움을 넘어서, 그가 여행 중에 경험한 감정과 기억, 그리고 문화적 교류를 담아냅니다. 이러한 요소들은 그의 작품을 더욱 풍부하고 다층적으로 만들어주며, 관람객들에게도 깊은 감동을 안겨줍니다. 이를 통해 헤르시는 자신의 예술 세계를 더욱 넓히고, 다양한 사람들과의 교류를 통해 예술적 소통을 확대해 나가고자 합니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">이번 이길이구 갤러리에서의 전시는 태양의 긍정적인 에너지와 자연만이 줄 수 있는 신비로움이 이 계절과 조화를 이루며 전시장을 사회적 교류의 중요한 장으로 만들 것입니다. 헤르시의 작품을 통해 관람객들은 태양의 따뜻함과 자연의 아름다움을 느낄 수 있을 뿐만 아니라, 그가 경험한 다채로운 문화적 순간들을 함께 체험할 수 있을 것입니다. 관람객들에게 헤르시가 체험한 자연의 아름다움과 문화적 순간들을 통해 새로운 영감을 얻고 시각적 아름다움을 넘어서, 감정과 기억, 그리고 경험을 담아내어 관람객들이 자신의 삶과 연결시킬 수 있도록 돕습니다. 헤르시 작가에게는 이번 전시가 그의 예술 세계를 더욱 넓히고, 다양한 사람들과의 교류를 통해 예술적 소통을 나눌 수 있는 유대의 무대가 될 것이고 이를 받아들이는 감상자들은 한 곳에 머무르지 않고 다채로운 삶을 실천하는 예술가 헤르시의 작업을 통해 자신의 삶을 뒤돌아보며 앞으로의 내 삶의 주인공인 나 자신에 대한 미래계획을나눌수있는 열린 소통의 장이 될 것 으로 기대합니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><span></span></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">작가소개</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">헤르시 (엄익준, 1991 년생)</div> <div style="line-height: 160%;">헤르시는 독창적이고 표현력 넘치는 작업으로 주목받고 있는 젊은 이머징 아티스트입니다. 어린 시절부터 다양한 창작 활동에 참여하며 지중해의 뜨거운 태양에 깊은 매력을 느껴 새로운 영감을 찾기 위해 노력해왔습니다. 특히 여행과 경험에서 얻은 다양한 색감과 순간들이 그의 예술적 작업에 큰 영향을 미쳤습니다.</div> <div style="line-height: 160%;">헤르시의 작품은 회화, 도자기, 섬유, 패션 등 다양한 매체를 아우릅니다. 그는 반스(Vans), 닥스(Daks), 세터(Setter), 쿠메(Kume), 디아도라(Diadora)와 같은 다양한 패션 브랜드 및 세몰리나 클럽(Semolina Club), 바부(Babu), 플래시(Flash)와 같은 독특한 레스토랑과 협업하여 다채로운 색감과 밝은 에너지를 전달합니다. 이러한 협업을 통해 예술과 일상을 융합하는 다면적인 경험을 제공하고자 합니다.</div> <div style="line-height: 160%;">정규 미술 교육을 받지 않았음에도 불구하고, 헤르시의 재능과 독창성은 그를 유망한 젊은 예술가로 자리매김하게 했습니다. 그는 거침없는 행보로 다양한 도전과 실험을 통해 자신의 예술 세계를 확장해 나가고 있습니다. 그의 예술적 여정은 기억과 감정이 우리를 형성한다는 신념에 의해 주도되며, 그는 이러한 순간들을 작품에 통합하여 관람객들이 자신의 경험 속에서 아름다움을 발견하도록 돕고자 합니다.</div> <div style="line-height: 160%;">'Hernc'라는 이름은 'He realized nothing concrete'라는 문장의 약어로, 꾸밈없는 자유로운 표현에 대한 그의 열망을 상징합니다. 헤르시는 예술을 통해 인간 경험의 유동성과 자유로움을 탐구하고 표현하며, 현대 예술 씬에서 주목할 만한 흥미로운 인재로 자리잡고 있습니다. 또한, 그는 곧 자신의 예술적 여정과 경험을 담은 책을 출간할 예정으로, 이를 통해 더욱 많은 사람들과 소통하고 예술적 비전을 나눌 계획입니다.</div> <div style="line-height: 160%;">헤르시의 행보는 21세기 젊은 예술가의 전형적인 모습이라 할 수 있습니다. 그는 다양한 경험과 협업을 통해 자신의 예술을 확장하고, 이를 통해 새로운 영감을 얻으며, 끊임없이 자신을 표현하는 방식을 찾아 나가고 있습니다. 이러한 접근 방식은 그를 현대 예술 씬에서 더욱 돋보이게 하며, 많은 이들에게 영감을 주고 있습니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div>

종료

2024년 12월 7일 - 2024년 12월 28일

이문주 ㅣ Continuous Cities

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="font-weight: bold;">이문주 Moonjoo Lee | 지속되는도시 Continuous Cities</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="font-weight: bold;">전시기간: 2024년 12월 7일 - 28일</span></div> <div style="line-height: 160%;"><span style="font-weight: bold;">December 7 - 28, 2024</span></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">모두가 도시를 꿈꾸던 시절이 있었습니다. 부와 명예가 집중되고 모두의 소망이 이뤄지는 곳. 가능의 유토피아. 밤낮없이 아름답게 빛나는 도시의 삶에서 우리는 실낱같은 성공의 희망을 놓지 않으려고 각지에서 애쓰며 살아왔습니다. 빛나는 유리의 성 너머에 무엇이 있는지 궁금해하지 않은 채 어쩐지 조금 외롭구나 하면서 말입니다.？</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">아름다운 도시는 필연적으로 폐허를 딛고 일어서며 또다시 폐허를 향해갑니다. 자본주의의 환영으로 눈속임할 수 있는 시간은 한정되어 있습니다. 그 찰나의 시간을 보내는 동안 이문주 작가는 대도시 환영 너머의 세계, 폐허 사이를 걷는 산책자로 본인의 역할을 상정합니다. 그의 손에는 폐허 풍경을 객관적으로 포착할 수 있는 카메라가 들려 있습니다. 작가의 대형 캔버스에 담긴 폐허의 스펙터클은 그 지점에서 시작되었습니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2000년대 초반부터 비교적 최근까지 그는 빛을 잃고 쇠락한 산업 도시, 재개발을 앞둔 지역에 널린 건축 쓰레기 무덤, 뿌연 먼지를 일으키는 중장비가 오가고 숲이 파헤쳐 져 벌거숭이가 된 모래산 풍경을 작품을 통해 펼쳐 왔습니다. 기록을 목적에 두었던 사진은 캔버스 위 붓질과 물감을 통해 물질로 환원되고, 어떤 부분은 그 자체가 물질이 되어 화면 위에 덧붙었습니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">건물을 쌓아 올리듯 차곡차곡 조합하여 완성된 폐허 풍경은 도시 이면의 도시에 대한 새로운 감각을 선사합니다. 도시가 폐허가 되기까지의 중첩된 시간이 회화라는 물질로 눈앞에 다가왔습니다. 쇼윈도에 진열된 상품을 소비하듯, 캔버스 안팎으로 펼쳐진 폐허의 풍경이 시각으로 소비됩니다. 이 즈음에서 우리가 놓치고 있는 것은 없는지 다시 한번 살펴보고 싶습니다. 환영의 주체는 누구일까요? </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">개발과 폐허를 지속하는 도시의 순환고리, 자꾸 실패하고 마는 콘크리트 유토피아 풍경의 주인공은 다름 아닌 사람입니다. 카메라를 빌어 객관의 눈을 덧입은 작가는 작게 눈을 깜박이며 다시 기지개를 켜 봅니다. 예전에는 눈여겨보지 않았던, 도심을 빗겨난 한적한 공원에서 벌어지는 어르신들의 한바탕 춤사위도 괜스레 신이 나 보입니다. 재개발을 앞두고 황폐해진 동네에 끝까지 남아 있던 화원 사장님이 파는 화분은 아이러니컬하게도 삶의 표상으로 읽히는군요. 채석장의 텃밭이나 공사 터의 풀도 마찬가지입니다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">스펙터클의 완결성을 위해 소거되거나 크게 조명하지 않았던 인물은 실상 폐허가 된 도시의 주인공입니다. 이제 폐허 풍경의 새로운 층위가 발견됩니다. 진공의 공간에 서사가 생겨납니다. 공업도시 디트로이트에 살던 어린이는 무사히 자랐을까요? 외환위기로 공사가 중단된 채 근 30년 가까이 골조를 고스란히 드러내고 있는 대천 아파트가 제대로 완공이 되었다면 누가 와서 살고 있을까요? 재개발 공사에 투입된 인부의 하루는 어땠을까요? </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">작가는 이 과정을 재발견(revisiting)이라고 표현합니다. 풍경은 이제 물리적 흔적의 차원에서 한 걸음 나아가 복합적 관계망을 암시합니다. 이것은 환영의 세계가 아니라 실체적 현실에 가깝습니다. 이렇게 보면 재발견은 환영으로 이루어진 심미적 물질의 세계에서 보다 확고한 물질의 세계로 작품을 이끌어 내오는 과정이라고 볼 수 있겠습니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">도시가 개발과 쇠락을 반복하며 지속되듯 작가의 작업도 그의 삶 안에서 어떤 추동에 의해 변화하고 지속됩니다. 도시에 속해 살아가는 우리의 삶이 치열하듯, 작업의 세계 또한 치열한 삶의 현장에 더 가깝습니다. 관찰자에서 발견자가 된 작가는 사람을 들여다보기 시작합니다. 폐허를 응시하면 그 끝에 비로소 사람이 있습니다. 그 사람은 전혀 모르는 낯선 이기기도, 이웃의 누군가 이기도, 그리고 작가 자신이기도 합니다. 비로소 폐허 위로 두 다리가 단단히 서게 되는 순간입니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">전시의 제목 ‘Continuous Cities’는 이탈로 칼비노의 소설 『보이지 않는 도시들』의 소챕터 제목 ‘지속되는 도시들’에서 따왔습니다. 환상적인 문장으로 이루어진 이 책 내용을 단번에 이해하기란 여간 어려운 일이 아닙니다. 다만 칼비노는 책을 통해 도시에 대한 다양한 시각과 해석의 가능성을 활짝 열어두고 있습니다. 도시는 꿈과 희망에 가득 찬 아름다운 곳이기도, 빈곤과 쓰레기, 폐허를 끊임없이 생산해 내는 곳이기도 합니다. 따라서 도시에 살고 있는 우리는 도시가 자아내는 환영 너머의 세계를 오롯이 바라보기 위해 나의 관점을 찾아 바로 세워야 합니다.？유토피아에 대한 열망, 완결된 작업에 대한 열망은 결코 끊이지 않고 지속될 것입니다. 유토피아는 바로 이곳, 현실 속에 자리 잡고 있으며 우리가 할 일은 그것을 끊임없이 발견하고 찾아내는 것입니다. 작가가 다시 들여다본 폐허 풍경 속 사람들을 마주하며, 보이지 않는 실체를 응시하고, 현실에 뿌리내리고자 하는 그의 긴 작업 여정을 함께 지켜봐 주시기 바랍니다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">이문주, 디트로이트(어린이주의), Detroit(Watch for Children), acrylic on canvas, 130.3x193.9cm, 2020</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">이문주_펜스_photocollage, charcoal, conte, acrylic on paper_69.5x99</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">There was a time when cities embodied everyone's dreams-a place where wealth, honor, and aspirations converged. A utopia of possibilities. In the glittering urban landscapes that never sleep, we have tirelessly pursued the faint hope of success, often ignoring what lies beyond the shimmering glass towers. And yet, amidst it all, a quiet sense of solitude lingers.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Beautiful cities inevitably rise from ruins, only to return to them. The illusion of prosperity offered by capitalism has its limits. During this fleeting window of time, Moonjoo Lee assumes the roles of flaneur, wandering between the ruins beyond the urban mirage. With a camera in hand, she captures these desolate landscapes with an objective eye, laying the foundation for her monumental canvases. Her spectacular depictions of ruins begin here. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">From the early 2000s to the present, Moonjoo Lee has explored various urban ruins: declining industrial cities, mountains of construction debris scattered across redevelopment sites, barren sand dunes eroded by heavy machinery, and forests stripped bare. What begins as photographic documentation transforms into physical material on her canvases through layers of brushstrokes and paint. Some parts of her images evolve directly into tangible elements that are physically applied to the surface. Her meticulously layered depictions of ruins create a new sensory experience of the city, offering a glimpse into the overlapping timelines that lead a city to its desolate state. Much like the way goods in a showroom are consumed by the eye, her ruins demand a visual consumption that provokes reflection: What are we overlooking in these scenes? Who is the true subject of these illusions?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"> The cyclical loop of development and decay defines the life of a city, but the protagonists of these concrete utopias-doomed to failure-are the people themselves. Using the lens of her camera to introduce objectivity, the artist revisits these spaces with fresh eyes. She discovers new dimensions of human life, like the animated dances of elderly citizens in a quiet suburban park or the symbolic resilience of a potted plant sold by the last florist in an almost-abandoned Neighborhood. Even the small vegetable gardens in quarries or the weeds growing on construction sites suggest life in unexpected places. The central figures in her scenes of urban ruins, often overlooked in the pursuit of the spectacular, emerge as the true protagonists. These are the individuals who bring new layers of narrative to otherwise empty spaces. Questions arise: Did the child who grew up in the industrial wasteland of Detroit find a better future? What would have become of the 30-year-abandoned apartment skeletons in Daecheon, halted during Korea's 1997 financial crisis, had they been completed? What stories do the workers on redevelopment sites carry with them each day? </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Moonjoo Lee describes this process as "revisiting." Landscapes transcend their physical traces, hinting at the complex networks of relationships embedded within them. This shift moves her work closer to tangible reality, stepping away from the illusory world of aestheticized matter. In this sense, revisiting becomes a process of extracting works from the world of illusions into a realm of solid materiality. Just as cities persist through cycles of development and decline, Moonjoo Lee's art evolves and continues within the dynamics of her own life. Her artistic practice, much like urban life itself, is a battleground of intense experiences. Transitioning from an observer to a discoverer, the artist begins to delve into the lives of people. Staring into the void of ruins eventually reveals the presence of humanity-Strangers, neighbors, and ultimately, the artist herself. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">The title of the exhibition, Continuous Cities, is borrowed from a chapter in Italo Calvino's Invisible Cities. While Calvino's poetic language is not immediately accessible, his text opens the door to myriad interpretations of the urban experience. Cities can be dazzling utopias filled with dreams and hope, or relentless producers of poverty, waste, and ruins. As inhabitants of these spaces, we are challenged to discover our own perspective and see beyond the illusions. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">The desire for utopia and the pursuit of artistic perfection will never cease. Utopia is not a distant dream-it exists here in the reality we inhabit. Our task is to continually rediscover it. As Moonjoo Lee revisits the ruins and the people within them, we are invited to face the unseen realities, embrace them, and witness her enduring artistic journey rooted in the tangible world.</div>