갤러리 팔조

대구 수성구

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이 장소의 전시

종료

2024년 3월 22일 - 2024년 4월 27일

김현정 Hyunjung Kim 'The Visage of Water'

<p>김현정 작가의 'The Visage of Water'는 삶의 모호함과 자연과 인간의 복잡한 투영 관계를 찾고자 합니다. 물이 갖는 속성에서 무언가를 비추어 보는 행위는 작가에게 치유적인 의미로 다가옵니다. 층층이 쌓인 부조 형식의 색은 작품에 추상적인 깊이를 가져다주고, 데칼코마니 표현은 작가가 바라는 이상과 마음을 투영합니다. 전시를 통해 작품 속 물 위의 빛살을 만끽하시며, 잠시 쉬어가는 시간이 되기를 바랍니다.</p> <p><em>"작업에서 반복적으로 드러나는 대칭적 구조는 삶과 현실에서 느끼는 완전한 모습에 대한 불안한 환각, 강박, 미완성의 삶이 만들어내는 자연과 내면의 심리적 구조물이다.”</em></p> <p>Kim Hyunjeong's 'The Visage of Water' aims to explore the complexity of life and the intricate relationship between nature and humanity. The act of reflecting upon something through the attributes of water holds a healing significance for the artist. The layered relief forms and abstract depth of colors in the artwork convey profound meaning, while the decalcomania technique reflects the artist's ideals and emotions. Experience the shimmering light upon water in the artworks through the exhibition, and hope that it offers a moment of respite.</p> <p><em>“The recurring symmetrical structure in the artwork represents the unsettling illusions of the complete form experienced in reality, along with anxiety, obsession, and the unfinished nature of life."</em></p> <p><br /></p>

종료

2024년 7월 12일 - 2024년 8월 10일

영아티스트 시리즈 기획전 'HIDE, SHOUT, BURN, SWIM'

<p>영아티스트 시리즈인 이번 전시는 현재 독일, 서울, 대구에서 활동하며 스스로를 탐구하고 다양하게 실험해 가고 있는 이들 작가의 회화, 사진, 설치, 디지털 페인팅 그리고 영상 작품을 선보입니다.<br />This exhibition, part of the Young Artists Series, will present paintings, photographs, installations, digital paintings, and video works by these artists, currently active in Germany, Seoul, and Daegu, Korea who are exploring themselves and experimenting diversely.</p> <p><br /></p> <p class="has-text-align-left">Jihoon Park 박지훈<br /> 박지훈 작가는 회화적이면서도 기계적인 특성을 갖추고 있으며 아날로그적인 감각을 디지털에 옮겨 놓는 시도를 해오고 있다. 이번 전시에서는 <숨어서 본 사람들>이라는 주제로 제작된 영상과 그 영상에 활용된 각 프레임들을 프린팅하여 보여준다. 그는 “기존의 애니메이션 프레임이 아닌 24+1의 프레임을 사용했다”며, +1에 해당되는 25번째의 프레임을 강조하며 설치했고, 이를 통해 “대상을 유심히 들여다보는 것의 어려움과 그 가치를 보여주고자 한다.”고 했다. 그는 자신이 “관찰자”로서 타인을 관찰하는 것을 즐기며, 관찰을 통한 자신만의 해석을 바탕으로 이미지를 그리는 내적인 작업 과정이다.<br />Artist Park Jihoon's works possess painterly and mechanical characteristics, reflecting his ongoing attempt to bring analog sensibilities into the digital. In this exhibition, he shows a video titled 'People in Hiding,' along with prints of each frame used in the video. He mentioned that he used '24+1 frames' instead of the usual animation frames, and installed with emphasis on the '+1 frame,' which is the 25th frame. Through this, he explained the difficulty and value of closely observing an object. As an observer, he enjoys watching others and creating images based on his own interpretations through this internal process.</p> <p>Keifer Na 나동석<br /> 나동석 작가는 디지털 페인팅과 이를 기반으로 만들어진 영상 작업을 보여준다. 이번 전시에서 선보이는 사진 작업 <빛나는 도시>와 디지털 페인팅 작업<도시 풍광>, 그리고 <경계 광장>은 서울의 각 건축물과 형태에 자신만의 시각과 감정을 은유적으로 담아낸 것으로 특정한 건물들의 형태 변화 혹은 의미화와도 관련된다. 그는 도시의 다양한 층위와 지역을 분석해서 자신만의 도시적 풍광을 그리며, 그 풍광 속에서 한국 사회가 얼마나 다양한 모습과 범주를 가지고 있는지를 보여주고자 한다.<br />Artist Kiefer Na shows digital paintings and video works based on them. This exhibition presents his photographic work , digital painting works , and . These pieces metaphorically capture his unique perspective and emotions towards various architectural forms in Seoul, imbuing specific buildings with transformed meanings. He explores various social strata and areas of the city to create his own urban scenery, aiming to depict the diverse aspects and categories within Korean society through these scenes.</p> <p>YALL 김인철<br /> Yall 작가는 불타버린 나무, 재, 연탄, 녹슨 못, 불꽃 등 우리 주변에 존재하는 오브제들에 집중한다. 일순간 타올랐다가 사라지고, 녹슨 흔적은 일면 “기능의 상실”을 의미하기도 한다. 작가는 그런 기능이 상실된 오브제들에 장소적 특성을 더해 공간에 배치하고 조합하여 작품으로 만든다. 이번 전시에서 타버린 1만여개의 불에 탄 성냥을 주요 오브제로 만든 설치를 보여준다. “수많은 성냥은 마치 셀 수 없이 많은 사람들의 군상으로 보여집니다. 그 모습은 가까이 보았을 때 타고난 성냥처럼 미약하고 불안정해 보일 수 있지만 멀리 바라보았을 때 이 세상 속 우리는 한 폭의 그림처럼 추상적이고 아름다운 형상으로 보여집니다. 우리는 그렇게 타고난 군상입니다.” 라고 작가는 말한다.<br />The artist Yall focuses on objects around us, such as burnt wood, ashes, charcoal, rusted nails, and flames, which momentarily blaze and disappear, with rusted traces sometimes symbolizing 'loss of function.' He arranges and combines these functionless objects with spatial characteristics to create artworks. In this exhibition, he presents an installation featuring over ten thousand burnt matches as the main objects. 'The numerous matches appear like countless portraits of people. Up close, they may seem fragile and unstable like burnt matches, but from a distance, within this world, we appear as abstract and beautiful figures. We are such innate figures,' the artist explains.</p> <p>Jongseung Kim 김종승<br /> 김종승 작가는 물성의 질감과 색감에 집중하여 다양한 물감을 서로 다른 종류의 바탕천에 혼합시켜 자신만의 이미지를 만들어왔다. 근래에는 사진 연작을 통해 자신의 작품세계를 확장시키고 있다는 작가는 그에게 자연과 신체, 그리고 자유로움은 삶의 중요한 요소들로, 그 중에 수영을 작업적 연장선상으로 가져와 독일 Halle 주변의 호숫가, 수영장 등에서 직접 라이트를 들고 수영하면서 공간 속에 새로운 선(Neue Linien)을 그린다. 선을 그린다는 행위에서 평면 작업과 사진 작업은 일종의 유사성을 가진다. 그의 이번 전시회에서의 회화와 사진 작품은 경계를 넘는 이행(Ubergang)으로 보여진다.<br />Artist Kim Jongseung has focused on textures and colors of materials, blending various paints on different types of canvases to create his own distinctive imagery. Lately, the artist has been expanding his artistic world through a series of photographs. For him, nature, the human body, and freedom are essential elements of life, with swimming serving as an extension of his artistic practice. He integrates swimming into his creative process, using light as he swims around lakeshores and swimming pools near Halle, Germany, to draw new lines within these spaces. His paintings and photographs in this exhibition are perceived as transitions that transcend boundaries.</p> <p><br /></p> <p><br /></p> <p><br /></p>

종료

2024년 8월 24일 - 2024년 10월 26일

이경미 Kyoungmi Lee 'Last night and Neurath's boat'

<div>고양이 작가로 잘 알려진 이경미(b. 1977, 경주) 작가의 대구에서의 첫 전시인 ‘Last night and Neurath's boat(지난 밤과 노이랏의 배)’ 展는 지난 작가적 여정을 보여주는 여러 시리즈의 주요 작품이 전시됩니다.</div> <div><br /></div> <div>개인적으로 암울했던 시기를 함께 한 반려묘 ‘나나’를 캔버스, 유리병, 우드패널 등에 담아 자신을 대변해온 이경미 작가의 우주복을 입은 고양이 <나나아스트로>시리즈, 책을 통해 세상을 이해했던 작가의 과거에 대한 실마리와 이 세상을 이해하기 위한 어떤 몸짓 또는 그런 풍경을 하나의 장면으로 만든, 시리즈, 부푼 꿈의 초라한 현실을 마주한 듯 팽팽하고 화려하고 반짝이는 풍선이 바람이 빠져 찌그러진 시리즈, 작가만의 특별한 방식(고전서적의 판본을 바탕으로 잡지, 만화캐릭터, 타이포그래피 등)으로 작가의 흥미와 애정을 이끌어낸 시대별 다양한 예술을 겹겹의 레이어 작업을 통해 표현하며 과거와 현재의 시간성이 중첩되는 <뉴 버티컬 페인팅>시리즈 등의 주요 작품과 </div> <div><br /></div> <div>홍익대학교 미술대학 판화과와 회화과 졸업(2000, 2004) 및 동대학원 회화과 졸업(2006)한 이경미 작가는 미국과 독일을 거쳐 현재는 한국뿐 아니라 홍콩, 대만, 중국 등의 여러 갤러리와 미술관 및 프로젝트를 통해 활발히 작품 활동을 해 오고 있습니다. 2019년에는 알브레히트 뒤러 '요한의 묵시록’ 원화를 바탕으로하여 동시대성을 담은 '뉴 버티컬 페인팅' 시리즈를 발표하였고, 24회 석주미술상을 수상하였습니다.</div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div>The exhibition ‘Last night and Neurath's boat’ by artist Lee Kyoungmi (b. 1977, Gyeongju), renowned for her cat-themed artwork, marks her first solo exhibition in Daegu. This exhibition features significant works from various series, reflecting the artist's creative journey.</div> <div><br /></div> <div>Among the principal works are those where Lee Kyoungmi has expressed herself through her beloved cat, Nana, depicted on canvas, in glass bottles, and on wood panels. This includes the series, which features cats in spacesuits. The and series provide clues about the artist's past and capture gestures or scenes representing her attempt to understand the world, as explored through her experiences with books. Meanwhile, the series presents deflated, crumpled balloons that were once inflated, vibrant, and shiny, reflecting the contrast between inflated dreams and their disappointing reality. Additionally, the series expresses various eras of art through layered work, reflecting the artist's interest and affection in a unique manner based on editions of classic books, magazines, comic characters, and typography. Over 20 pieces of </div> <div><br /></div> <div>Lee Kyoung-mi, who graduated from Hongik University with a BFA in Printmaking (2000) and Painting (2004), and completed her Master’s degree in Painting (2006), has lived and worked in the United States and Germany for about nine years. She is now actively involved in the art scene in Korea, as well as in various galleries, museums, and projects in Hong Kong, Taiwan, and China. In 2019, she presented the 'New Vertical Painting' series, which, based on Albrecht Durer's 'Apocalypse of John,' captures contemporary relevance, and received the 24th Seokju Art Prize.</div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div><br /></div>

종료

2024년 11월 13일 - 2024년 12월 12일

황인모 Hwang Inmo 'You, A Flower Too_Ramen Report'

<p>황인모 작가의 <라면 레포트>는 라면의 면을 사진적인 방법으로 해석하고 이해하는 사진 보고서로, 작가에 의해 이름과 의미가 부여되어 되살아난 면들은 작가에게 특별한 존재가 된다. <너도 꽃_라면 레포트’>展은 <끼니-라면 레포트>에 이은 두 번째 라면 레포트이다. 첫 번째 <끼니-라면 레포트>는 작가 본인의 당시의 삶과 연관지어 상당히 개인적이고 감정적이었지만, <너도 꽃_라면 레포트>는 라면을 객관적인 촬영 대상으로 보며 라면의 모양에 집중하였다. 황인모 작가는 생긴 모양은 보편적 라면이지만 각기 다름에 초점을 두며 기성품을 다르게 말하고 싶어하며, 라면이라는 대상 자체를 이쁘게 본다. 우리가 평소에 같다고 생각하는 동일한 이름의 라면도 그 생김이 모두 다름을 보여주는 다양한 라면의 세계를 사진, 설치작업으로 보여준다.</p> <p><br /></p> <p><strong><em>Artist Statement</em></strong> :</p> <p>사람들과의 관계 때문에 상처받고 힘들었던 시기가 있었다. 그 당시 대부분의 시간을 작업실에서 혼자 보냈고 유일하게 밖으로 나가는 일은 배고픔을 이기지 못하고 라면 몇 봉지를 사서 오는 것이었다. 이 시간이 한동안 반복되면서 자연스럽게 라면에 면의 생김새를 보면서 관심이 가기 시작하였다. 다 똑같은 라면이라고 생각했지만 같은 이름을 가지고 있는 라면도 그 생김이 다 다르다는 것을 알게 되면서 많은 생각이 들었다. 라면에 대한 나의 관심을 시인의 시를 통해 감정을 전달해 본다.</p> <p><br /></p> <p class="has-text-align-center">자세히 보아야<br /> 예쁘다.</p> <p class="has-text-align-center">오래 보아야<br /> 사랑스럽다.</p> <p class="has-text-align-center">너도 그렇다.</p> <p class="has-text-align-right">(나태주 시집 : 꽃을 보듯 너를 본다.)</p> <p>라면을 보고 있으면 이쁘다. 그리고 보고 있으면 신비스러운 마음도 생긴다.그래서 사진을 찍기 시작하였다. 하나, 둘 촬영을 하다 보니 라면에 이름을 붙이고 싶어졌다. 이름을 붙이고 나니 그 라면은 이미 나에게 특별한 존재로 다가왔다. 우리가 주민등록증을 받고 사회의 한 명의 구성원으로서 자리 잡는 것처럼, 의미 없는 라면에 이름을 붙이고 나니 나와의 의미 있는 관계가 형성되는 특별한 존재로 자리 잡는 작업을 하고 있다. 이 작업은 단지 나의 라면에 대한 호기심의 보고서이다. 기성품으로 다 똑같은 라면이라지만 라면의 면을 사진적인 방법으로 해석하고 이해하는 나의 사진보고서이다. -2024 황인모</p> <hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" /> <p>Hwang Inmo's <em>Ramen Report</em> is a photographic investigation that interprets and explores the noodles of ramen. The noodles, received with names and meanings by the artist, are transformed into entities of unique significance to him. <em><you, a="" flower="" too_="" ramen="" report=""></you,></em> is the second report of ramen, following <<em>Meal_Ramen Report></em>. While the first report, <<em>Meal_Ramen Report></em>, was highly personal and emotional, connected to the artist’s own life at the time, <<em>You, A Flower Too_ Ramen Report></em> takes a more objective approach, focusing on the figure of the noodles. Hwang Inmo focuses on the differences in the otherwise common appearance of ramen, seeing each one from a different perspective, and finding beauty in the very object of ramen itself, despite it being a mass-produced product. The exhibition presents a diverse world of ramen through photography and installation works, showing how even the same type of ramen can vary in shape and form, prompting us to reconsider our perception of sameness.</p> <p><br /></p> <p><strong><em>Artist Statement</em></strong>:</p> <p>I went through a difficult time, feeling hurt because of my relationships with others. During that time, I spent most of my days alone in my studio, and the only time I went outside was when I couldn’t resist my hunger and went out to buy a few packs of instant noodles. As this tough period went on, I naturally began to take an interest in the shape of the ramen noodles. I used to think all ramen noodles were the same, but I realized that even those with the same name could have different shapes, and that got me thinking. I would like to express my feelings about ramen through poetry.</p> <p class="has-text-align-center"><em>Pretty<br />With a close look.</em></p> <p class="has-text-align-center"><em>Lovely<br />With a long gaze.</em></p> <p class="has-text-align-center"><em>So are you.</em></p> <p class="has-text-align-right">(Na Tae-joo, <em>I See You Like a Flower</em>)</p> <p>When I look at ramen, I find it beautiful.And as I continue to gaze at it, I feel a sense of fascination. This is why I began taking photographs. As I kept photographing one after another, I found myself wanting to name the ramen. Once I gave it a name, the ramen became something special to me. Just as we receive our ID cards and establish ourselves as members of society, naming what was once a simple, unremarkable ramen created a meaningful relationship with it, allowing it to become something significant to me. This is the kind of work I am doing.This report is simply a report on my curiosity about ramen. While they may all appear to be the same instant noodles, this is my Ramen Report, through which I interpret and understand the noodles from a photographic perspective.-2024, Hwang Inmo</p>

종료

2025년 3월 13일 - 2025년 4월 12일

채온 CHEON 'GUARDIAN ANGEL'

<p class="has-text-align-left">채온 작가는 기억된 자신의 경험을 바탕으로 자신만의 화법을 구축해오고 있다. 이번 ‘Guardian Angel’展에서는 작품과 작업하는 행위 자체를 자신을 지켜주는 ‘수호천사’에 빗대며 그림으로 스스로를 지켜내고 있는 채온 작가의 작업세계를 소개한다.</p> <p class="has-text-align-left">인물, 풍경, 정물 등 다양한 주제를 그린다는 채온 작가는 자신의 경험을 그린다. 그 경험들은 작가가 선택한 기억에 바탕을 두고 있으며, 그 선택은 오직 작가에게 달려있다. 경험을 하고, 감정을 느끼고, 그 감정을 기억하며, 그 기억은 재현의 방식이 아닌, 작가만의 방식으로 구체화된다.<strong> </strong>그 작업과정은 직관적이고 본능적이며 회화에 대한 깊은 욕망의 발로이기도 하다.</p> <p class="has-text-align-left">그림은 자신에게 억압으로부터의 분출이자 해방이라는 작가는 "회화란 화면 위에 물감이 뒤섞여 흘러내리는 과정일 수 있지만, 그것은 바로 화가의 몸이며, 그 자체가 회화"라며 "회화를 회화하고 싶었다"고 말한다. 이는 작가가 회화를 단순히 창작 도구가 아니라 사유와 소통의 수단으로 보고 회화 그 자체로 자신의 존재와 표현을 담고 있다.</p> <p class="has-text-align-left">이번 전시에서 작가 채온은 그림을 그리는 행위와 결과물이 ‘수호천사’와 같은 존재임을 이야기하며, 작품을 보는 이들에게 따뜻하게 받아들여지기를 바란다고 전한다.</p> <p>Artist CHEON has been developing a unique artistic language based on the memories of his personal experiences. The exhibition 'Guardian Angel' presents artwork and the act of creating it, metaphorically compared to a ‘guardian angel,’ presenting the creative world of artist CHEON, who protects himself through his painting.</p> <p>Cheon’s artistic practice is spontaneous and intuitive. Not limited to flowers, but including portraits, landscapes, still lifes, and anything else, Cheon paints his own experiences. These experiences are based on memories that he has selected, and the criteria for those selections are solely determined by the artist. He experiences, feels emotions, recalls those emotions, and these memories are materialized not through conventional representation, but through the artist’s own approach. The process of creation is intuitive and instinctive, embodying a profound, intrinsic desire for painting.</p> <p>The painting acts as both an outpouring and a form of liberation from oppression for the artist, who states, 'Painting may be the process of paint mixing and flowing on the canvas, but, in essence, it is the artist's body, and that in itself is painting.' He further expresses, 'I wanted to paint painting itself.' This reflects the artist's view of painting not merely as a tool for creation, but as a medium for thought and communication, wherein his existence and expression are embodied within the painting itself.</p> <p>In this exhibition, the artist compares the act of painting and its outcome to a ‘Guardian Angel,’ explaining that for him, painting serves as both an outlet and a form of liberation from repression. He hopes, however, that the viewers of this exhibition will receive it warmly.</p> <p><br /></p> <p><strong><em>Artist Statements</em></strong> :</p> <p class="has-text-align-center"><strong>Guardian Angel</strong></p> <p class="has-text-align-center">그림을 많이 그려놓았다.</p> <p class="has-text-align-center">작업실에 쌓인 그림들의 붓질은 둥둥 떠다니며 친구처럼 다가왔다.</p> <p class="has-text-align-center">그림은 현실의 살이고 피부다. 그리고 세계는 비현실적이다.</p> <p class="has-text-align-center">신이 있다면 나와 함께한다는 생각을 했다. - 채온, 2025</p>

종료

2025년 6월 11일 - 2025년 7월 16일

이수현 YEE SOOHYUN 'Brilliant and Elegant like Starlight'

<p class="has-text-align-left">이수현 작가는 삶의 소중함과 각기 다른 삶에 대한 애정을 그림을 통해 표현합니다. 불완전한 인간이 사회에 스며들어 그 일원이 되기 위해서는 ‘관계 맺기’가 필연적이라 여긴 작가는, 자신 또한 불완전한 존재임을 자각하며 여러 사람들과 관계를 맺는 과정속에서 환희, 기쁨, 슬픔, 분노 등 희로애락(喜怒哀樂)의 감정을 경험하였고, 이러한 감정들은 점의 크기와 개수로 상징화하기 시작했습니다. 작가는 인간의 불완전함을 자각하면서, 그 시선을 모든 이의 삶의 소중함으로 확장해 나갔고, 작품 속 점들은 일정한 배열(각자의 가치관)을 따르면서도, 작품마다 다른 모양과 크기, 형태(각자의 개성)로 서로 조화를 이루어 하나의 무늬를 형성합니다. 작가는 각기 다른 삶에 대한 애정과 존중을 이 점들 속에 담아냅니다. 2011년부터 2021년까지는 오일과 아크릴을 주재료로 작업해왔으며, 2024년에는 스와로브스키 등의 장식용 보석을 매체로 새로운 시도를 하였습니다. 이 경험을 통해 본질에 대한 갈망을 자각하게 되었고, 의미있는 전환점이 되었습니다.</p> <p class="has-text-align-left">이번 전시 《별빛처럼 찬란하고 우아한》展에서는 절제된 흑백의 언어로 보이지 않는 감정의 결을 시각화하며, 작가가 자신과 사랑의 본질을 찾아가는 여정을 담아냅니다. 색을 덜어낸 선과 여백 속에는 깊은 사유와 감정이 깃들어 있으며, 종이 위를 유영하는 선들은 감정의 미묘한 결을 섬세하게 드러냅니다. 사랑이라는 보편적 주제를 절제된 흑백 미학으로 풀어낸 이번 전시는, 작가의 섬세한 표현을 통해 감정의 층위를 시각화하고, 관람자에게는 그 흐름을 따라 각자의 내면에 자리한 ‘별빛’을 발견하는 사유의 시간을 제공합니다.</p> <p class="has-text-align-left">Artist Yee Soohyun's paintings explore the inherent value of life and her profound connection to the varied human experience. The artist believes that for imperfect individuals to truly belong and integrate into society, forming relationships is essential. Recognizing her own imperfections, she has experienced a full spectrum of emotions―joy, sorrow, anger, and pleasure―while connecting with others. These feelings have since become symbolized in her art by the varying sizes and numbers of dots. Acknowledging human imperfection, she expands this awareness to embrace the inherent value of every life. In her artwork, the dots adhere to a specific arrangement (symbolizing individual values) yet display diverse shapes, sizes, and forms (reflecting unique personalities), harmoniously converging to form a unified pattern. Through these very dots, the artist beautifully conveys her love and respect for diverse lives. From 2011 to 2021, She primarily worked with oil and acrylic. In 2024, however, she embarked on a new exploration, incorporating decorative jewels such as Swarovski crystals into her art. This pivotal experience awakened a profound yearning for the essence of her artistic practice, marking a significant turning point.</p> <p class="has-text-align-left">Titled “Brilliant and Elegant like Starlight,“ this exhibition visualizes the unseen textures of emotion through a restrained black-and-white language. It encapsulates the artist’s journey in seeking the essence of self and love. Within the simplicity of its lines and negative space, profound contemplation and emotion are embedded, as lines gracefully traversing the paper delicately reveal the subtle nuances of feeling. Through this minimalist black-and-white aesthetic, the exhibition explores the universal theme of love. Utilizing the artist's refined expressions, it renders emotional layers visible, offering viewers a contemplative experience to follow these subtle currents and discover the 'starlight' nestled within their own hearts.</p> <p><br /></p> <p><strong><em>Artist Note</em></strong>:</p> <p>저는 정성스럽고 다정한 사랑 속에서 자랐습니다. 부모님은 매일 아침, 서로를 향한 따뜻한 칭찬 한마디로 하루를 시작하셨고, 어떻게 하면 더 사랑할 수 있을지를 함께 고민하며 살아오셨습니다. 그런 환경에서 자라면서 사랑은 저에게 단순한 감정이 아니라 지켜야 할 삶의 태도이자, 끝까지 품어야 할 믿음이라는 것을 배웠습니다. </p> <p>사랑이란, 선택된 관계 안에서 깊이 응시하고, 그 존재를 더욱 투명하게 바라보려는 지속적인 노력입니다. 저는 그 노력의 흔적을 점, 선과 여백으로 남기는 사람입니다. 제게 사랑은 흔하지 않은 것이지만, 한 번 시작되면 결코 가볍지 않습니다. 그 감정은 조용하지만 깊고, 우아하지만 단단하며, 찬란하지만 결코 요란하지 않습니다. 마치 별빛처럼―멀리서도 또렷하고, 오래도록 흔들림 없는 빛. 보이지 않는 감정의 결이 시간과 마음을 통과해 도달하는 방식으로 존재합니다. </p> <p>저는 그 사랑의 결을 색을 덜어낸 흑백의 드로잉으로 기록합니다. 점, 선이 머문 자리엔 숨결이 있고, 여백에는 말 없는 그리움이 남아 있습니다. 사랑은 표현되기 전부터 이미 존재하고 있었던 것. 그 진실을 믿기에, 저는 오늘도 손을 움직여 그 감정을 재확인합니다. 하지만 저는 흔들리지 않습니다. 다정함은 진심의 강도이며, 지속성은 사랑의 품격이라는 제 신념은 변하지 않을 것입니다. </p> <p>예술은 저에게 그 사랑의 신념을 구체화하는 언어입니다. 감정은 저마다 다르지만, 진심은 전해질 수 있다고 믿기에 저는 묵묵히, 꾸준히, 저만의 방식으로 사랑을 그립니다. </p> <p>저의 작업은 감정의 외화가 아닌 내면의 구조를 시각화하는 행위이며, 기억과 감각을 언어로 바꾸는, 지극히 조용한 선언입니다. </p> <p>그리고 저는 믿습니다. 모두가 결국엔 솔직하고 열렬한 사랑을 기원하고 있다는 것을. 그 바람이, 언젠가 누군가에게 별빛처럼 닿을 수 있기를. - 2025 이수현</p> <p><br /></p> <p><br /></p> <p><br /></p>

진행 중

2025년 12월 9일 - 2026년 12월 10일

'Invisible Actors'

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <div style="line-height: 160%;">조경재 작가는 뮌스터 미술대학 마이스터슐러 과정을 마치고 유럽과 한국에서 활발히 활동해 온 사진 작가입니다. 그는 카메라의 제한된 화각 안에서 실제 공간을 마치 추상 회화처럼 연출하고 이를 사진으로 기록합니다. 조경재의 작업은 공간, 사물, 빛과 시간에 대한 섬세한 탐구에 초점을 맞춥니다. 그는 사진을 중심으로 설치, 퍼포먼스 등 다양한 매체적 실험을 활용하며, 일상적 사물과 공간을 재배치하고 재연출함으로써 우리가 흔히 지나치는 순간과 존재의 행위성을 포착합니다 특히, 그의 작업은 제한된 화각 안에서 공간과 물체를 추상적으로 재구성하고 기록하는 방식으로, 물체와 공간, 시간 간의 미묘한 상호작용과 내재된 변화를 드러냅니다. 그는 또한 공간과 오브제, 그리고 시간의 상호작용을 유심히 관찰하며, 이러한 탐구의 결과물이 사진작업에 고스란히 반영됩니다. 그의 사진은 콜라주나 디지털 편집을 사용하지 않고, 실제 공간과 물리적인 오브제를 설치하여 아날로그 카메라로 촬영한 순수 사진입니다. 이 과정에서 물체는 원래의 기능과 형태를 잃고 물질의 고유한 색채와 형태로 변형되며, 새로운 시각적 언어를 만들어냅니다. 이번 전시 “Invisible Actors (보이지 않는 배우들)”에서는 이러한 탐구가 카메라 안에서 펼쳐지는 ‘보이지 않는 배우들의 연극’을 통해 드러나며, 존재 자체가 이미 하나의 행위임을 보여줍니다. 관객은 작품을 통해 사물과 공간, 시간의 미묘한 상호작용을 직접 경험할 수 있습니다. 조경재는 전시를 통해 사진작업을 그 자체로 완성된 형식에 머물지 않고, 설치와 사운드 등 다양한 물리적 매체로 확장하는 시도를 이어왔습니다. 그의 이전 전시들에서처럼, 이번 전시에서도 사진 작업의 구조적 특성을 다른 형식으로 변형하고 해체하는 과정을 볼 수 있습니다.  </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">조경재 ‘Invisible Actors’</div> <div style="line-height: 160%;">조경재의 사진은 무대를 닮았다. 그리고 그 무대 위에는 배우가 없다. 대신, 사물과 빛, 그리고 그리고 시간의 흐름이 각자의 역할을 부여받아 조용히 장면을 만들어낸다. 작가는 하루의 빛이 변해가는 과정을 따라가며, 그 빛이 사물에 묻는 풍경을 세심하게 관찰한다. 그가 포착하는 순간들은 완결된 연극이 아니라, 지속되는 리허설의 시간, 혹은 빛이 사물에게 말을 거는 찰나의 대화에 가깝다. 그의 사진을 오래 들여다보고 있으면, 사물들이 서로를 의식하며 배치된 듯한 미묘한 군무성이 드러난다. 줄과 각을 정확히 맞추는 질서 있는 정렬이 있는가 하면, 각 사물이 지닌 고유한 성질은 흐트러뜨리지 않은 채 서로에게 반응하며 관계를 만들어가는 간접적인 군무성도 존재한다. 이 두 가지의 움직임은 겉으로는 정적이지만, 내부적으로는 장면을 조율하는 신호처럼 느린 파동을 일으킨다. 조경재의 시선 아래에서 사물들은 빛을 단순히 반사하는 대상이 아니다. 그들은 빛이 있는 공간 안에서 풍경을 밀고 당기며, 무대 위에서 상대를 인지하는 퍼포머처럼 조용히 자기 위치를 조정한다. 작가는 이러한 장면을 통해, 사물이 ‘존재한다’는 사실 자체가 이미 하나의 행위임을 드러낸다. 그 순간 카메라는 단순한 기록 장치가 아니라, 보이지 않는 관찰자이자 관객, 그리고 빛과 사물 사이의 미세한 긴장을 매개하는 존재로 자리한다. 그래서 그의 사진은 비어 있는 무대를 떠올리게 하면서도, 그 안에서 보이지 않는 배우들이 끊임없이 서로에게 반응하며 자신만의 장면을 만들어내고 있는 듯한 인상을 남긴다. 장면은 고정된 이미지가 아니라, 빛과 사물, 거리와 각도가 함께 호흡하며 생성하는 작은 리허설에 가깝다. 바로 이 지점에서, 조경재의 사진이 무대를 닮았다는 사실이 자연스럽게 이해된다. 그것은 연극적 장치의 모방이 아니라, 사물들 사이에 이미 흐르고 있는 질서와 긴장, 관계의 총합이 하나의 무대를 구성하기 때문이다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Cho Kyungjae is a photographer who completed the Meisterschuler program at Kunstakademie Munster and has been active in both Europe and Korea. His work revolves around constructing actual spaces within the limited frame of the camera, often transforming them into abstract compositions, which he captures through photography.</div> <div style="line-height: 160%;">His work focuses on a subtle exploration of the intricate interactions between space, objects, light, and time. Using photography as his primary medium, along with installations and performances, he experiments with various forms to rearrange and reinterpret everyday objects and spaces. Through this, he captures the inner transformations and subtle interactions of fleeting moments that are often overlooked. His work reconstructs and records space and objects within the limited frame of the camera in an abstract manner, revealing the delicate interplay and inherent changes between objects, space, and time. He also observes these interactions with great care, and these explorations are clearly reflected in his photographic work. His photographs are pure images captured with an analog camera, where physical objects are installed in real spaces without the use of collage or digital manipulation. In this process, objects lose their original function and form, transforming into their intrinsic colors and shapes, thereby creating a new visual language.</div> <div style="line-height: 160%;">This exhibition, Invisible Actors, presents these explorations as a 'theater of invisible actors' unfolding within the frame of the camera, demonstrating that existence itself is already an act. Through this exhibition, the audience can directly experience the subtle interactions between objects, space, and time. Cho KyungJae expands his photographic work beyond its finished form by incorporating various physical media, such as installation and sound. As in his previous exhibitions, this exhibition continues to transform and deconstruct the structural characteristics of photography into other formats.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Cho Kyoungjae ‘Invisible Actors’</div> <div style="line-height: 160%;">Cho’s photographs resemble a stage―one in which no actors appear. Instead, objects, light, and the passage of time are each assigned quiet roles, composing scenes in their own restrained manner. The artist follows the shifting light throughout the day, observing with care the landscapes it leaves upon objects. What he captures is not a completed performance but an ongoing rehearsal, or the brief moment in which light attempts a small chat with the things it touches.</div> <div style="line-height: 160%;">When one lingers on his images, a subtle ensemble choreography among the objects begins to surface. There is a deliberate alignment―a direct, ordered kind of group movement―yet alongside it exists another, more indirect choreography, where each object preserves its own distinct character while gently responding to others. These dual movements, though visually still, generate slow internal waves, as if signaling the continuous negotiation of a scene.</div> <div style="line-height: 160%;">Under his gaze, objects are never mere surfaces that re？ect light. They become responsive presences that push and pull the surrounding landscape, adjusting their positions like performers aware of their partners onstage. Through these scenes, the artist reveals that the simple act of an object existing is already a form of action. In such moments, the camera ceases to be a recording device; it becomes an unseen observer, a spectator, and a mediator of the faint tension between light and matter.</div> <div style="line-height: 160%;">Thus his photographs evoke a stage stripped of actors yet ？lled with invisible performers quietly responding to one another, each revealing their own ？eeting scene within every-changing natural light. The image is not a ？xed tableau but a small rehearsal shaped by breath, distance, angle, and illumination. In this sense, it becomes clear why his work feels theatrical―not because it imitates drama, but because the order, tension, and relationships already ？owing between things compose a stage of their own.</div>

종료

2026년 5월 2일 - 2026년 5월 30일