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2024년 1월 17일 - 2024년 3월 15일

Treed Codependency

<p style="line-height: 160%;"><br /></p> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"> ‘Treed Codependency’</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">This young artist’s territory has been expanded. The cacophony of the icons of shame, fake, displeasure, and hybrid, mixed with enigmatic metaphors, has become more intense as well. But such is the appeal of her works. The artist refers to her solo exhibitions in New York, London, Bangkok, Beijing, Hong Kong, and Zurich, following her last exhibition at GalleryMEME in 2021, as a lifetime opportunity. She means this as a ‘female’ ‘Japanese’ artist ‘in her 30s’.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Kaito Itsuki (皆藤齋) does not bother intentionally excluding the elements of the unconscious as much as she neglects the social and cultural significance of the categories of her identity. The point at which the Chinese and European collectors find her works to be quintessentially Japanese and the response from her local audience that she is ‘un-Japanese’ are all interesting subjects for the artist. Her experiences in the art scene, in which the artists communicate with cultural diversity rather than language, should be a precious catalyst for the consistent pushing of the artistic boundaries for this young artist.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Her second exhibition in Korea, Treed Codependency, unravels a peculiar scenery that combines unfamiliar and defamiliarized objects and icons ranging from her famous faceless men, birds that share human bodies, numbers and icons, blades and bondage tools to excretion. ‘Codependency’ in the title refers to a term in psychology that denotes a relationship in which an absence of the ego caused by the imbalanced relationship leads to a dysfunctional dependency on one another. A psychological phenomenon that lays a foundation for relationships, such as ‘empathy’, not only serves the purpose of bridging the gap between the agent and the object but concurrently functions as a mechanism that suppresses the Ego.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Locating within the works a context that the title implies is not an easy errand, for the images on the canvas may only appear as mere collisions or independent entities without meaning. The artist, however, inexorably weaves a fantastical world that is peculiar and, at times, disquieting, by collecting and dispersing figures, animals, and objects in a uniquely meaningful manner. In her narratives, humans take roots in the pot planted with birds (Green Pot), share their blood with birds (Feeding from Vein), or even let birds use parts of their bodies as nests (Feeding Birds). Birds, at this point, become either Other or Oneself. Such anthropomorphized birds will even face the moment where they must face the anguish of weighing pressure and conformity that follow relationships. The artist uses a fable-like form that skillfully mixes idiocy and morale to tell a narrative of the balance between the acceptance of Others and the domain of the Ego. Living with a bird, the artist tells us that her exploration of the self-expression of the Ego persists in a way where her close observation of the properties of the objects is projected onto herself.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Human excretion, which is a continued legacy from the last exhibition, seems to have become a powerful symbol that reveals her artistic worldbuilding. The icon, transformed into adorable forms and cute colors, is a symbol of shame and the id. The artist brings the archetypal narratives of the myth to bring out the taboo of displeasure onto this world. Such is the case of the coconut-born goddess from the Indonesian myth who nurtures and cultivates magical food with her excretion. It is another goddess symbol following the Amazons from the Greek mythology that the artist previously described. If the Amazons dreamed of a utopia based on the exclusion of the agent of power that is men, the coconut-born goddess embraces the world and nurtures it with the circulatory vitality of mother nature. Through myths, an object of taboo transitions into a precious object. As such, the artist employs myths or archetypal narratives as a metaphorical prism to offer a mirage that moves beyond the totems and taboos so as to delve deeper into the psychology and behavior of humankind that are often perplexing and inexplicable. The illusions in the mirage emanate a powerful energy in which anxiety and vividness coexist in the sharp and conspicuous contrast of bold colors.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">The myth that this talented young artist offers the world is still unfamiliar, and, oftentimes, uncomfortable. Nonetheless, that which uncompromisingly leads us to a total immersion into her narrative is the valid, universal desire to be connected to other forms of existence and the desire for autonomy. Her suggestion, that to accept the often inexplicable gratuity and peculiarity of human behavior as is is the right way to look into the intricate interplay between the mind and the body and find a balance between them, is in such a line of logic.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Much like the essence of myths where the odyssey to one’s true ego is prevalent, Kaito Itsuki, too, takes her journey through many trials and tribulations to an innermost territory where she can finally establish her own sense of identity and expand her Ego. It is axiomatic that Itsuki’s myths of paradox, where impurity trains purity, unfamiliarity becomes familiar, and imperfection evolves into mysticism, will take root and bloom infinitely in such a territory.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Kim Hyunjin, Curator, GalleryMEME</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">‘From the Interview’</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Q: What is the main focal point of the artworks?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">A: It is where diametrically opposed elements combine like a chimera. I try to include various binary opposites such as ‘cute/scary’, ‘bright/dark’, or ‘abstract/descriptive’ into my works. I found that the audience from different cultural and sociolinguistic backgrounds find their own appeals amidst such combinations of binary opposites. It is fascinating to me.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Q: How do you form the narratives in your artwork?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">A: Once I come up with a bigger picture, or a concept, motifs, quite naturally and concomitantly, follow. While there are limitations as to the themes, it is precisely such a limitation that lets me   capture the images with which the synergy of the theme and the motifs is maximized. Part of the reason why I am able to describe violent images or uncomfortable elements is that the train of contrasts and metaphors from my otherwise independently uncomfortable images are more conducive to expanding the boundary of imagination. That is to say, the detriment of the violent and uncomfortable meanings of each image does not outweigh the stimulation of the imagination that the complete image brings about.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Q: What do you intend to tell with your artwork?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">A: One of the recurrent and consistent themes is ‘the acceptance of unproductive and gratuitous things’. I express this through the images of human excretion. It is useless, repulsive, and displeasing, but an indispensable part of human existence and identity. I believe that the process through which we transgress the social agreements, regulations, or stifling taboos will transform us from a mere existence to a thinker, and eventually lead us into the world of art.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">(From the written interview with the artist).</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"> ‘Treed Codependency’？</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">이 젊은 작가의 영토는 한껏 넓어졌다. 수치심, 가면, 불쾌, 혼종의 도상들이 수수께끼 같은 은유들과 뒤섞이며 만들어내는 불협화음도 더 강렬해졌다. 그래서 더 매혹적이다. 2021년 갤러리밈에서의 전시 이후 뉴욕과 런던, 방콕, 베이징, 홍콩, 취리히 등으로 이어진 개인전은 쉽게 가질 수 없는 기회였다고 작가는 말한다. 여성의, 30대의, 일본작가의 정체성으로서 그렇다는 것이다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">카이토 이츠키(皆藤齋 Kaito Itsuki)는 애초부터 자신에 대한 그와 같은 분류에 별다른 의미를 두지 않았던 것처럼, 무의식적으로 드러날 수밖에 없는 그런 요소들을 의도적으로 배제하려 하지도 않는다. 중국이나 유럽 콜렉터들이 그의 작품을 일본스럽다고 여기는 지점과 자국 관객들의 전혀 일본작가 같지 않다는 반응 모두 작가에겐 흥미로운 탐구 대상이다. 국경을 넘나들며 언어가 아닌 문화의 다양성으로 소통하는 미술현장에서의 체험은 이 젊은 작가가 스스로의 경계를 확장해 가는 데 더없이 귀한 자양분이 될 터이다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">한국에서 두번째로 선보이는 개인전 ‘Treed Codependency’는 단골 소재인 얼굴 없는 남자부터 인간의 몸을 공유하는 새, 숫자와 도형, 칼날과 포박용 도구들, 가면, 배설물에 이르기까지 생경스러운 조합의 수상한 풍경을 펼쳐낸다. ‘공의존’ (codependency)은 타인과의 불균형적인 관계맺기가 초래한 자아의 부재로 인해 서로에게 역기능적으로 의존하게 되는 관계를 이르는 심리학 용어다. 실제로 관계의 근본이 되는 ‘공감’과 같은 심리적 현상은 대상과의 간극을 이어주는 역할을 하면서 동시에 자아를 억압하는 기제로 작용하기도 한다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">제목이 함의하는 맥락을 작품 속에서 찾아내는 일은 쉽지 않다. 화면 속 이미지들은 의미 없이 그저 충돌하거나 접점 없는 개별적 존재로 보일 뿐이기 때문이다. 그러나 작가는 인간과 동물, 사물들을 독특한 방식으로 모으고 흩어내면서 기묘하고 때로는 불온해 보이는 환상의 세계를 거침없이 직조해낸다. 작가의 내러티브 안에서 인간은 새와 함께 화분 속에 심겨져 뿌리를 내리고(‘Green Pot’), 새에게 기꺼이 피를 나누거나(‘Feeding from Vein’), 심지어는 신체 일부를 둥지로 내어주기도 한다(Feeding Birds). 이쯤이면 이제 새는, 너이거나 혹은 내가 된다. 그리고 ‘관계’라는 것에 따라오게 마련인 압박과 순응의 무게를 가늠해 보는 순간을 마주하게 되기도 할 것이다. 작가는 어리석음과 교훈이 절묘하게 뒤섞인 우화와 같은 형식을 빌어 타존재의 수용과 자아의 영역 사이의 균형에 대한 이야기를 들려준다. 실제로 반려동물로 새를 키우고 있는 작가는 대상의 속성을 자신에게 투영시키는 방식으로 자아 표현에 대한 탐구를 이어간다고 말한다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">지난 전시에 이어 거듭 등장하는 인간의 배설물은 작가의 작품세계를 드러내는 강력한 기호로 자리잡은 듯 보인다. 귀여운 형태와 칼라로 변형된 이 도상은 수치심과 원초적 자아의 상징이다. 작가는 불쾌하고 쓸모없고 수치스러운 이 금기를 세상 밖으로 끄집어내기 위해 신화의 스토리텔링을 가져온다. 코코넛 꽃에서 탄생한 여신이 자신의 배설물로 마법의 힘을 지닌 소중한 식량을 키워낸다는 인도네시아 신화 속 여신의 이야기가 그것이다. 작가가 이전에 다루었던 그리스 신화의 아마조네스에 이은 또다른 여신의 존재로, 아마조네스가 남성이라는 권력의 주체를 배제하는 방식으로 유토피아를 꿈꾸었다면, 이 여신은 순환하는 대자연의 생명력으로 세상을 품고 키워낸다. 신화를 통해 금기의 대상은 고귀한 존재로 전환된다. 작가는 때로는 당혹스럽고 이해할 수 없는 인간의 심리와 행동을 들여다보기 위해 신화나 고대서사를 은유의 렌즈로 사용하며 금기를 넘어서는 신기루를 제시한다. 그 신기루 속 환영들은 대담한 칼라의 극명한 대비로 불안감과 생생함이 공존하는 강렬한 에너지를 뿜어낸다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">이 재능 넘치는 젊은 작가가 세상을 향해 내미는 자신의 신화는 여전히 낯설고 때로는 불편하다. 그럼에도 저항없이 작가의 내러티브 안으로 흡수되도록 이끌어지는 것은, 다른 존재로 연결되고자 하는 욕망과 자율성에 대한 욕구는 누구에게나 유효하기 때문이다. 그리고 때때로 설명할 수 없는 인간의 잉여적 행위나 이질적인 행위들을 그대로 받아들이는 것이 우리의 마음과 몸 사이의 복잡한 상호작용을 제대로 들여다보고 균형점을 찾아가는 방식이 아니겠냐는 제안 또한 그러하다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">수많은 역경 끝에 참된 자아를 찾아가는 여느 신화의 본질처럼, 카이토 이츠키가 도달하고자 하는 곳 역시 자신만의 정체성의 체계를 세우고 자아를 확장시켜 나갈 수 있는 내면의 영토일 것이다. 불순함이 순수함을 단련시키고, 생경함이 더 자연스럽고, 불완전성이 도리어 신비가 되는 카이토 이츠키의 역설의 신화가 그 영토 안에서 단단하게 뿌리내리고 무성한 잎을 피워낼 것임을 감히 확신해 본다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">'작가와의 서면 인터뷰 중 '</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">작품의 주요 포인트는? </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">-상반되는 요소들이 키메라(chimera)처럼 결합되는 지점이다. ‘귀여운/무서운’, ‘밝은/어두운’, ‘추상적/설명적’과 같이 대비되는 요소들을 다양하게 포함시키려고 한다. 언어도 문화도 다른 해외 관객들은 그 가운데서 각기 다른 끌림의 포인트들을 찾아내는 것 같다. 그 점이 흥미롭다. </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">작품 속 내러티브를 만들어가는 과정은?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">-컨셉을 정하면 모티프들이 끝말잇기처럼 연결되며 떠오른다. 주제에 따른 제한은 있지만, 그 제한 때문에 시너지가 증폭되는 이미지를 잡아낼 수 있다. 폭력적 이미지나 불편한 소재들을 두려움 없이 표현할 수 있는 것은, 각각의 이미지에 부여되는 개별적 의미보다는 끝말잇기처럼 이어지며 발생하는 대비나 은유가 상상의 경계를 더욱 확장시켜주기 때문이다.</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">작품을 통해 들려주고 싶은 이야기는?</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">-지속적으로 다루고 있는 주제 중 하나는 ‘비생산적이고 불필요한 것을 받아들이는 것’이다. 나는 이것을 사람의 배설물 이미지로 표현한다. 쓸모없고 혐오스럽고 불쾌하지만, 부정할 수 없는 우리 정체성의 한부분이다. 사회의 암묵적 규범이나 억압적 금기를 넘어서는 과정들이 우리를 단순한 존재에서 사유하는 인간으로, 그리고 예술의 세계로 이끈다고 생각한다.  </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">---</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">？Education</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 MFA  Kyoto city university of arts (KCUA), Painting Department, Kyoto, Japan  </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2016 BFA T？hoku University of Art & Design (TUAD), Fine arts Department, Yamagata, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Solo Exhibition</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2024 “Treed Codependency”, GalleryMEME, Seoul</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2023 "Looming digits" Blue velvet, Zurich</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2023 "The Elastic Edges" Ritsuki Fujisaki, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "The Monopolistic Sweet Spots" MAMOTH,  London</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 “Tools are validated” Tang Contemporary Art, Bangkok</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "？  Blacken” HIVE CENTER FOR CONTEMPORARY ART, Beijing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div><div style="line-height: 160%;">2022 "被制限的行動、心理電影" HUA ART SPACE, Beijing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "現れるのに勝手はない/ No excuses for showing up" LEESAYA, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "Hierarchy of Beasts" GalleryMEME, Seoul,</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 "In search of..."14a, Hamburg,Germany </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019"たりない循？ / Unsatidfied animals of the cycle"  , GINZA TSUTAYA, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "IDEE FIXE, Tong Gallery + Project, Beijing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 "Tiger Poet", CLEAR GALLERY, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "THE WOMEN FROM THE GROUND,DNA", N’s art project, Osaka,</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "Jungle -7,000,000", MORI YU GALLERY, Kyoto</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "Tiger Technique", KCUA, Kyoto</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Selected Group Exhibition</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2023 "Fungal Fugue", HAGIWARA PROJECTS, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2023 "CARE PACKAGE", Blue Velvet Project, Zurich</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "The Tale of Tales", G Museum 金？美？？, Nanjing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "Cope", No Gallery, New York, curated by Sven Loven</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 "Temple", Seventh Gallery, Melbourne,  curated by Michael Kennedy </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "Couple of", Hive contemporary art center, Beijing </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "Slow Culture" ,@KCUA, Kyoto</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "Low Fever", Tang Contemporary Art, Hong Kong</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 "COLLECTION AS POEM IN THE AGE OF EPHEMERALITY" , X museum, Beijing</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 "Y -generation artists" GINZA TSUTAYA ATRIUM, Tokyo</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 "A Delinquent Child Having An Out Of Body Experience" THE RESIDENCE GALLERY, London</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "Complete Metamorphosis" SuperDutches, NewYork, U.S</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "Scaffolds of Meaning / 懶音", MINE PROJECT, Hong Kong</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "Feelings for a spider" 4646, Tokyo, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "Amazondom" Pulp,Osaka,Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2019 "KUMA EXHIBITION 2019", Spiral, Tokyo, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 "Encounters", PDX CONTEMPORARY ARTS, Portland, Oregon, US</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 "KUMA EXHIBITION", Spiral, Tokyo, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 "KAISEI", Pehu,Osaka,Japan, Galerie P38,Paris,Frense,  KG,Tokyo,Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "The 4th CAF prize exhibition" Hillside terrace, Tokyo,Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Public collection </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Star Museum (Shanghai), He art museum (Guangdong), X museum (Beijing), T？hoku University of Art & Design  (Yamagata)</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Artist program </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2017 "Feldstarke International", Hunan University,China,  Daegu Art Factory,S.Korea, Kyoto Art Center,Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2016 "End of summer", Yale union Contemporary art center, Portland, US</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">Others</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2022 Art News Japan 30 artists nominated </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 "30 artist Under 35" by ARTnews Japan nominated  </div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2021 KUMA Foundation grant recipient</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2020 The Peter S. Reed Foundation grant recipient</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 ARTIST’S FAIR KYOTO, Kyoto, Japan</div> <div style="line-height: 160%;"><br /></div> <div style="line-height: 160%;">2018 KUMA Foundation scholarship student </div>

종료

2024년 1월 13일 - 2024년 2월 17일

Echo in the Silence

<div>서정아트는 2024년 1월 13일부터 2월 17일까지 정영환 개인전 《Echo in the Silence》를 개최한다. 본 전시는 작가의 상상으로 빚은 자연의 모습을 바탕으로 심미적 안정과 위안을 주고자 탄생한 푸른 숲에 대한 이야기로 시작된다.</div> <div><br /></div> <div>전시는 작가가 바라본 자연을 재현이 아닌 사유의 방식으로 접근할 것을 제안하며 색채의 미묘한 변화에 집중하기를 기대한다. 일관된 작품명에서 알 수 있듯 신작 ‘Mindscape’ 시리즈는 정면에서 바라본 여러 그루의 나무가 숲을 이루는 장면을 담고 있다. 화면 중앙을 응시하면 시야에서 벗어난 부분은 아웃 포커싱 되어 흐려진다는 관념을 전복하듯, 정영환의 숲은 흐트러짐 없이 정갈하게, 규칙적으로 나열된 채로 꼿꼿하게 서 있다. 때문에 우리가 아는 회화적 범위를 상상했다면 다소 인공적으로 보이기도 할 것이다. </div> <div><br /></div><div>인물이 등장하지 않고 오로지 풍경을 주제로 한 회화의 시초는 14세기 전반 이탈리아의 벽화에서 나타나기 시작했다. 이후 부수적인 요소들의 유무와 동식물의 비중에 따라 여러 갈래로 분화되었지만, 자연을 '사실적'으로만 표현하는 단계에서 더 나아가 '이상적인 풍경화(ideal landscape)'로서 탄생하게 한 것은 재현의 의미를 다시금 돌아보게 했다.</div> <div><br /></div> <div>인적이 드문 어느 한 공간 안에서 발자취를 따라 신비스러운 장소를 탐색하듯 정영환은 자연스러운 형태, 익숙한 풍경 안에서 발견되는 세부적인 요소들을 비현실적으로 풀어내 이상적인 풍경화로 구현했다. 작가는 풍경을 주도하는 주체를 설정해 공간감과 구도법에 따른 주종 관계를 허용하지 않으며, 이를 전면 구도를 취한 방식에서부터 여실히 나타내고자 했다. 세밀하게 묘사된 작은 부분들은 대상을 효과적으로 드러내기 위함이 아니라 끊임없이 감추고 덮어 관조하는 마음을 담아내는 과정이다. 작가는 자연의 일부를 ‘발췌’한다는 표현을 빌려, 이 같은 방식이 단순 재현이 아닌 상징적 수단임을 암시한다.</div> <div>붉은 숲과 푸른 숲으로 이루어진 상반된 두 색감은 단순히 온기의 대비가 아닌, 색채의 변주로 혼합된 이상화된 세계의 확장을 보여준다. 자연이 지닌 숭고한 힘, 자연과의 교감과 깊은 고독이 상징하는 무한의 영역을 보여주고자 캔버스 밖의 영역에도 한없이 펼쳐지는 그 무언가를 상상한 결과다.</div> <div><br /></div> <div>고요 속의 메아리를 뜻하는 이번 전시명에서와 같이 ‘Echo in the Silence’는 고요한 숲 안에서 울리는 메아리처럼, 시각을 통해 시작된 사유가 청각으로 돌아온다는 공감각적 심상을 응축한다. 사시사철 곧은 기강을 표방한 푸른 숲속의 나무들이, 빼곡히 들어선 화면 안에서 빈틈을 내어주는 것처럼 이번 전시도 보는 이에게 작가가 전하는 위로의 메시지가 닿을 수 있기를 기대한다.</div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div>SEOJUNG ART is delighted to announce Younghwan Chung's solo exhibition "Echo in the Silence",  running from January 13 to February 17, 2024. This exhibition unveils a narrative centered around a lush forest, conceived from the artist's imagination. It aims to evoke a sense of aesthetic tranquility and comfort, drawing on the forms of nature.</div> <div><br /></div> <div>The exhibition invites viewers to engage with the artist's perception of nature not as mere representation, but as a form of contemplation, encouraging a focus on the subtle shifts in color. The consistently titled 'Mindscape' series captures scenes of various trees merging into a forest, all viewed head-on. Challenging the conventional notion that objects blur when out of focus, Chung's forests stand with impeccable clarity and orderliness. Their arrangement is so methodical that, within our traditional understanding of painting, they might even seem artificially structured.</div> <div><br /></div> <div>The emergence of paintings focused solely on landscapes, without the presence of human figures, began in the frescoes of 14th-century Italy. Over time, this genre diversified into various branches, depending on the presence of ancillary elements and the emphasis on flora and fauna. However, it was the evolution from merely ‘realistic’ representations of nature to the conception of 'ideal landscapes' that prompted a reexamination of the meaning of representation.</div> <div><br /></div> <div>As if tracing footsteps to a mystical and sparsely populated space, Younghwan Chung unfolds natural forms and familiar landscapes into surreal details, crafting them into idealized landscapes. The artist deliberately avoids assigning a dominant subject to these landscapes, refusing to create a hierarchy based on spatial perception and composition, which is clearly demonstrated in his frontal compositions. The intricately depicted details are not just for effectively revealing the subject but rather serve as a process of continuously concealing and covering, embodying a contemplative spirit. Chung uses the term 'excerpting' to describe this approach, suggesting it is more a symbolic tool than a mere representation.</div> <div><br /></div> <div>The contrasting hues of red and green forests represent not just a contrast of warmth but an expansion of an idealized world through color variations. They aim to showcase the sublime power of nature, the communion with it, and the boundless realms symbolized by deep solitude, stretching beyond the confines of the canvas into the imagination.</div> <div><br /></div> <div>Reflecting the exhibition's title, “Echo in the Silence” encapsulates a synesthetic imagery where visual contemplation returns as auditory reverberation. Just as the steadfast trees of the verdant forest symbolize integrity throughout the seasons, filling the densely packed canvas with their presence, this exhibition hopes to convey the artist's message of solace to its viewers.</div>

종료

2024년 7월 18일 - 2024년 8월 9일

김기린 심문섭 최영욱 3인전

<p class="has-text-align-center"><strong>김기린 심문섭 최영욱 3인전 2024. 07. 18 - 08. 09</strong></p> <p><br /></p> <ul> <li>전시제목: 김기린 심문섭 최영욱 3인전</li> <li>전시기간: 2024. 07. 18 (목) - 08. 09 (금)</li> <li>관람시간: 10:30 - 18:00 (일, 월 휴관, 7월 23일 휴관)</li> <li>전시장소: 서울시 종로구 삼청로 127-2, 갤러리일호</li> <li>작품목록: https://blog.naver.com/galleryilho/223510143790</li> <li>전시개요</li> </ul> <p>갤러리일호는 7월 18일부터 8월 9일까지 약 3주간 김기린, 심문섭, 최영욱 3인전을 개최합니다. 갤러리일호가 기획한 이번 전시는 한국의 근현대 미술을 대표하고 국내뿐 아니라 해외에서도 주목받고 있는 작가들의 다양한 작품을 관람할 수 있는 좋은 기회가 될 것입니다.</p> <p>김기린 작가는 다층의 레이어를 통해 물감과 한지의 물성을 드러내며 유기체적 대상으로서의 작품을 구성합니다. 작품의 표면을 창작의 행위를 고스란히 담아내는 살결로 묘사하며 스프레이 물감을 사용하여 표층의 물질적 특성을 기민하게 강조함으로써 작품을 감상하는 이들이 지각할 수 있도록 이끄는 것은 물론, 시각적 명상으로 감상을 가능하게 합니다.<br /> 심문섭 작가는 미지의 자연에 대한 동경을 향한 수행적인 작업 방식으로 끝없는 자연의 순환을 함축된 시간의 단면으로써 캔버스에 담아냅니다. 작가는 자신의 고향이자 예술의 근원인 통용의 바다를 모티브로 밀려오고 가는 파도의 형상을 반복적인 붓질로 표현하여 생성과 소멸의 시간성과 무한의 순환성이라는 은유적 의미를 담은 작업을 이어오고 있습니다.<br />최영욱 작가는 달항아리를 소통의 매개체로 선택하여 삶의 이야기를 전합니다. 갈라지면서 이어지고, 비슷하면서도 다른 도자기의 무수한 선을 만났다 헤어지는 우리의 인생길이라고 표현하는 작가는 과거와 현재, 나와 너를 잇는 기억의 이미지인 달항아리에 보편적인 인간의 삶 이야기를 담고 있습니다.</p> <p>작가의 정신성에 주목하여 반복적인 붓질과 행위를 통해 작업하는 이들의 작품 제작 과정에서는 '수행성'이라는 공통적인 특징이 보입니다. 이번 전시를 통해 3인의 작품들을 한자리에서 감상하시고 이들의 번뇌와 수행을 마주하며, 자기 내면을 탐구하고 일상에서의 새로운 휴식과 활력을 얻는 시간이 되시길 바랍니다.</p> <p><br /></p> <p><br /></p> <p><strong>김기린 KIM GUILINE</strong></p> <p>1960 한국외국어대학교 불어불문과 졸업<br />1971 프랑스 파리 국립고등장식미술학교 졸업</p> <p>2024 《무언의 영역》, 갤러리현대, 서울<br /> 2018 《김기린》, 신도문화공간, 서울<br /> 2017 《Kim Guiline-Selected Works:1967-2008》, 리만머핀, 뉴욕<br /> 2016 《김기린》, 갤러리현대, 서울<br />2008 《김기린》, 통인화랑, 서울 외 다수</p> <p><strong>심문섭 SHIM MOONSEUP</strong></p> <p>1965 서울대학교 미술대학 조소과 졸업<br />1984 홍익대학교 미술대학원 조소학 석사</p> <p>2024 《Time on paper & …심문섭 개인전》, 두손갤러리, 서울<br /> 2023 《심문섭: 시간의 항해》, 경남도립미술관, 창원<br /> 2023 《심문섭》, 페로탕갤러리, 파리, 프랑스<br /> 2022 《시간의 풍경 A Scenery of Time》, 페로탕갤러리, 침사추이, 홍콩<br />2022 《물에서 물로》, 가나아트센터, 서울 외 다수</p> <p><strong>최영욱 CHOI YOUNGWOOK</strong></p> <p>1984-1991 홍익대학교 회화과 학사<br />2000 홍익대학교 미술대학원 석사</p> <p>2024 《Karma: All is Well》, 소울아트스페이스, 부산<br /> 2024 《Karma - 달 항아리와 조용히 만나본 적이 있는가》, 삼원갤러리, 서울<br /> 2024 《Karma》, AP Art Space, NY<br /> 2024 《Karma》, HelenJ Gallery, LA<br />2023 《최영욱: 인. 연(因. 緣)》, 신세계백화점 본점, 서울 외 다수</p> <p><br /></p> <p><br /></p> <p><br /></p>

종료

2024년 10월 10일 - 2024년 11월 1일

BOTH

<p><span>케임브리지 영어 사전에서 both는 “두 사람이나 두 사물이 합쳐지는 것”을 뜻한다. 분리되어 있거나 떨어져 있는 두 개체가 하나인 것처럼 된다는 의미이지만, 화학적으로 하나로 융합된다기보다는 하나의 틀 안에 둘로 나누어져 있는, ‘따로 또 같이’의 의미에 가깝다.</span></p> <p><span>전체 안에서는 전체가 보이지 않는다. 마찬가지로 하나의 구조 안에서는 그 구조의 한계가 인지되지 않는다. 어떤 이유로든 전체가 분할되면서 부분1이 생기고 그 부분 안에서 존재하게 되면 그 부분은 다시 세계가 되고 전체가 된다. 분할된 또 다른 부분2는 부분1에서 보면 외부가 되어 그 전체가 보이고 그 구조가 보인다. 일단 분할된 부분들이 다시 융합되고 통일된다고 해도 분할되기 이전의 전체와 같을 수는 없다.</span></p> <p><span><br /></span></p> <p><span>PS CENTER의 3인전 《BOTH》는 이런 전체의 분할과 분할된 부분들의 융합과 통일을 미술적으로 탐색하고 그 상상적 가능성을 그려보는 전시이다.</span></p> <div><br /></div>

종료

2024년 11월 13일 - 2024년 12월 12일

황인모 Hwang Inmo 'You, A Flower Too_Ramen Report'

<p>황인모 작가의 <라면 레포트>는 라면의 면을 사진적인 방법으로 해석하고 이해하는 사진 보고서로, 작가에 의해 이름과 의미가 부여되어 되살아난 면들은 작가에게 특별한 존재가 된다. <너도 꽃_라면 레포트’>展은 <끼니-라면 레포트>에 이은 두 번째 라면 레포트이다. 첫 번째 <끼니-라면 레포트>는 작가 본인의 당시의 삶과 연관지어 상당히 개인적이고 감정적이었지만, <너도 꽃_라면 레포트>는 라면을 객관적인 촬영 대상으로 보며 라면의 모양에 집중하였다. 황인모 작가는 생긴 모양은 보편적 라면이지만 각기 다름에 초점을 두며 기성품을 다르게 말하고 싶어하며, 라면이라는 대상 자체를 이쁘게 본다. 우리가 평소에 같다고 생각하는 동일한 이름의 라면도 그 생김이 모두 다름을 보여주는 다양한 라면의 세계를 사진, 설치작업으로 보여준다.</p> <p><br /></p> <p><strong><em>Artist Statement</em></strong> :</p> <p>사람들과의 관계 때문에 상처받고 힘들었던 시기가 있었다. 그 당시 대부분의 시간을 작업실에서 혼자 보냈고 유일하게 밖으로 나가는 일은 배고픔을 이기지 못하고 라면 몇 봉지를 사서 오는 것이었다. 이 시간이 한동안 반복되면서 자연스럽게 라면에 면의 생김새를 보면서 관심이 가기 시작하였다. 다 똑같은 라면이라고 생각했지만 같은 이름을 가지고 있는 라면도 그 생김이 다 다르다는 것을 알게 되면서 많은 생각이 들었다. 라면에 대한 나의 관심을 시인의 시를 통해 감정을 전달해 본다.</p> <p><br /></p> <p class="has-text-align-center">자세히 보아야<br /> 예쁘다.</p> <p class="has-text-align-center">오래 보아야<br /> 사랑스럽다.</p> <p class="has-text-align-center">너도 그렇다.</p> <p class="has-text-align-right">(나태주 시집 : 꽃을 보듯 너를 본다.)</p> <p>라면을 보고 있으면 이쁘다. 그리고 보고 있으면 신비스러운 마음도 생긴다.그래서 사진을 찍기 시작하였다. 하나, 둘 촬영을 하다 보니 라면에 이름을 붙이고 싶어졌다. 이름을 붙이고 나니 그 라면은 이미 나에게 특별한 존재로 다가왔다. 우리가 주민등록증을 받고 사회의 한 명의 구성원으로서 자리 잡는 것처럼, 의미 없는 라면에 이름을 붙이고 나니 나와의 의미 있는 관계가 형성되는 특별한 존재로 자리 잡는 작업을 하고 있다. 이 작업은 단지 나의 라면에 대한 호기심의 보고서이다. 기성품으로 다 똑같은 라면이라지만 라면의 면을 사진적인 방법으로 해석하고 이해하는 나의 사진보고서이다. -2024 황인모</p> <hr class="wp-block-separator has-alpha-channel-opacity" /> <p>Hwang Inmo's <em>Ramen Report</em> is a photographic investigation that interprets and explores the noodles of ramen. The noodles, received with names and meanings by the artist, are transformed into entities of unique significance to him. <em><you, a="" flower="" too_="" ramen="" report=""></you,></em> is the second report of ramen, following <<em>Meal_Ramen Report></em>. While the first report, <<em>Meal_Ramen Report></em>, was highly personal and emotional, connected to the artist’s own life at the time, <<em>You, A Flower Too_ Ramen Report></em> takes a more objective approach, focusing on the figure of the noodles. Hwang Inmo focuses on the differences in the otherwise common appearance of ramen, seeing each one from a different perspective, and finding beauty in the very object of ramen itself, despite it being a mass-produced product. The exhibition presents a diverse world of ramen through photography and installation works, showing how even the same type of ramen can vary in shape and form, prompting us to reconsider our perception of sameness.</p> <p><br /></p> <p><strong><em>Artist Statement</em></strong>:</p> <p>I went through a difficult time, feeling hurt because of my relationships with others. During that time, I spent most of my days alone in my studio, and the only time I went outside was when I couldn’t resist my hunger and went out to buy a few packs of instant noodles. As this tough period went on, I naturally began to take an interest in the shape of the ramen noodles. I used to think all ramen noodles were the same, but I realized that even those with the same name could have different shapes, and that got me thinking. I would like to express my feelings about ramen through poetry.</p> <p class="has-text-align-center"><em>Pretty<br />With a close look.</em></p> <p class="has-text-align-center"><em>Lovely<br />With a long gaze.</em></p> <p class="has-text-align-center"><em>So are you.</em></p> <p class="has-text-align-right">(Na Tae-joo, <em>I See You Like a Flower</em>)</p> <p>When I look at ramen, I find it beautiful.And as I continue to gaze at it, I feel a sense of fascination. This is why I began taking photographs. As I kept photographing one after another, I found myself wanting to name the ramen. Once I gave it a name, the ramen became something special to me. Just as we receive our ID cards and establish ourselves as members of society, naming what was once a simple, unremarkable ramen created a meaningful relationship with it, allowing it to become something significant to me. This is the kind of work I am doing.This report is simply a report on my curiosity about ramen. While they may all appear to be the same instant noodles, this is my Ramen Report, through which I interpret and understand the noodles from a photographic perspective.-2024, Hwang Inmo</p>

종료

2025년 3월 20일 - 2025년 4월 12일

식물이 동물을 먹는다

<p>우리는 역사 속에서 물질적, 기술적, 사회 구조적으로 발전해 오면서 자연 상태의 원시 생활에서 벗어나 더욱 발전되고 세련된 삶의 방식을 구축했다. 루스 이리가레가 “식물적 실존(the vegetal existence)”이라고 부르는 식물의 존재(vegetal being)와의 공존과 공생은 현대 사회에 우리가 고민해야 할 생존의 조건이자 인류 문명의 발전 방식에 대한 상기이다. ⟪식물이 동물을 먹는다⟫ 5인의 작가는 이 공생의 조건 속에서 인류가, 문명이 가져야 할 태도를 은유적으로 표현한다. 전시 제목에서 드러나는 역전의 구조처럼 포유류인 인간의 피부 속 뿌리 깊은 기억과 사유의 시간을 풍경적으로 혹은 생태적으로 드러내거나, 스스로를 보호하며 경계하고 방어하는 삶의 방식을 보여준다. 나아가 도시 문명의 실존에 대해 미래적으로 질문한다.</p> <div><br /></div>

종료

2025년 4월 19일 - 2025년 5월 24일

즐거운 나의 집

<p>박유아 개인전 ⟪즐거운 나의 집⟫은 입양인의 초상과 그들의 이야기를 통해 인간 존재의 본질을 탐구하는 시도이다. 초상은 뼈에서 피로, 피에서 살로 옮겨가며 생기를 찾고, 저마다 다른 색은 고유한 그림자가 되어 주변을 감싼다. 작가가 그린 초상은 고유한 실존을 찾기 위한 시도이자 공감으로서 빛을 낸다.</p> <p><br /></p> <p>전시는 입양인의 초상을 그린 ⟨위버멘쉬⟩와 이 초상화를 내부로 들인 집의 풍경 ⟨홈⟩ 시리즈를 함께 선보인다. 입양아의 이야기를 다룬 다큐멘터리 속 인물들은 한 점의 그림이 되고, 이방인으로 불리는 이들의 초상에서 감도는 공기는 오히려 보는 이들을 이방인으로 만들 만큼 온전하다. 그림을 그리는 과정에서 지울 수 없는 대상화와 작가의 시점은 여기에서 대상의 주체성을 흐리는 것이 아닌, 존중과 애정의 시선으로 고스란히 형상을 찾고 온전한 타인과의 대화를 향해 나아간다. 바깥에서 내부로 타인을 초대하는 행위는 친밀한 관계의 지표이자 한 울타리 안에 함께 있다는 유대감을 불러일으킨다. 박유아는 타인을 마주하고 초대하는 동시에 우리의 내면 깊은 곳을 들여다보도록 제안하며, 내면의 여정 안에서 ⟪즐거운 나의 집⟫으로 당신을 환대한다.</p> <div><br /></div>

종료

2025년 6월 17일 - 2025년 7월 8일

The Last Carnival

<p>‘생’은 순간들이 끝없이 반복되거나 일시적으로 모여 있는 찰나이며, 결국 파괴와 소멸로 귀결되는 유한한 서사다. ‘삶’은 폐허와 희생, 재탄생을 통해 일시적 해방과 자유를 경험하게 하며, ‘마지막’은 이 모든 것의 전제조건이다. 3명의 작가는 이를 각자의 방식과 의식적 행위로 폐허와 희생, 재탄생의 리듬으로 풀어내며, 마치 놀이의 형식을 빌린 죽음의 무대 혹은 축제의 가장자리에 선 듯한 장면을 연출한다.</p> <p><br /></p> <p>⟪The Last Carnival⟫은 익숙한 세계의 질서가 잠시 멈추고, 뒤틀린 감각과 혼종의 상상력이 펼쳐지는 순간이자 유희다.</p> <div><br /></div>