서정아트

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이 장소의 전시

종료

2024년 1월 13일 - 2024년 2월 17일

Echo in the Silence

<div>서정아트는 2024년 1월 13일부터 2월 17일까지 정영환 개인전 《Echo in the Silence》를 개최한다. 본 전시는 작가의 상상으로 빚은 자연의 모습을 바탕으로 심미적 안정과 위안을 주고자 탄생한 푸른 숲에 대한 이야기로 시작된다.</div> <div><br /></div> <div>전시는 작가가 바라본 자연을 재현이 아닌 사유의 방식으로 접근할 것을 제안하며 색채의 미묘한 변화에 집중하기를 기대한다. 일관된 작품명에서 알 수 있듯 신작 ‘Mindscape’ 시리즈는 정면에서 바라본 여러 그루의 나무가 숲을 이루는 장면을 담고 있다. 화면 중앙을 응시하면 시야에서 벗어난 부분은 아웃 포커싱 되어 흐려진다는 관념을 전복하듯, 정영환의 숲은 흐트러짐 없이 정갈하게, 규칙적으로 나열된 채로 꼿꼿하게 서 있다. 때문에 우리가 아는 회화적 범위를 상상했다면 다소 인공적으로 보이기도 할 것이다. </div> <div><br /></div><div>인물이 등장하지 않고 오로지 풍경을 주제로 한 회화의 시초는 14세기 전반 이탈리아의 벽화에서 나타나기 시작했다. 이후 부수적인 요소들의 유무와 동식물의 비중에 따라 여러 갈래로 분화되었지만, 자연을 '사실적'으로만 표현하는 단계에서 더 나아가 '이상적인 풍경화(ideal landscape)'로서 탄생하게 한 것은 재현의 의미를 다시금 돌아보게 했다.</div> <div><br /></div> <div>인적이 드문 어느 한 공간 안에서 발자취를 따라 신비스러운 장소를 탐색하듯 정영환은 자연스러운 형태, 익숙한 풍경 안에서 발견되는 세부적인 요소들을 비현실적으로 풀어내 이상적인 풍경화로 구현했다. 작가는 풍경을 주도하는 주체를 설정해 공간감과 구도법에 따른 주종 관계를 허용하지 않으며, 이를 전면 구도를 취한 방식에서부터 여실히 나타내고자 했다. 세밀하게 묘사된 작은 부분들은 대상을 효과적으로 드러내기 위함이 아니라 끊임없이 감추고 덮어 관조하는 마음을 담아내는 과정이다. 작가는 자연의 일부를 ‘발췌’한다는 표현을 빌려, 이 같은 방식이 단순 재현이 아닌 상징적 수단임을 암시한다.</div> <div>붉은 숲과 푸른 숲으로 이루어진 상반된 두 색감은 단순히 온기의 대비가 아닌, 색채의 변주로 혼합된 이상화된 세계의 확장을 보여준다. 자연이 지닌 숭고한 힘, 자연과의 교감과 깊은 고독이 상징하는 무한의 영역을 보여주고자 캔버스 밖의 영역에도 한없이 펼쳐지는 그 무언가를 상상한 결과다.</div> <div><br /></div> <div>고요 속의 메아리를 뜻하는 이번 전시명에서와 같이 ‘Echo in the Silence’는 고요한 숲 안에서 울리는 메아리처럼, 시각을 통해 시작된 사유가 청각으로 돌아온다는 공감각적 심상을 응축한다. 사시사철 곧은 기강을 표방한 푸른 숲속의 나무들이, 빼곡히 들어선 화면 안에서 빈틈을 내어주는 것처럼 이번 전시도 보는 이에게 작가가 전하는 위로의 메시지가 닿을 수 있기를 기대한다.</div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div><br /></div> <div>SEOJUNG ART is delighted to announce Younghwan Chung's solo exhibition "Echo in the Silence",  running from January 13 to February 17, 2024. This exhibition unveils a narrative centered around a lush forest, conceived from the artist's imagination. It aims to evoke a sense of aesthetic tranquility and comfort, drawing on the forms of nature.</div> <div><br /></div> <div>The exhibition invites viewers to engage with the artist's perception of nature not as mere representation, but as a form of contemplation, encouraging a focus on the subtle shifts in color. The consistently titled 'Mindscape' series captures scenes of various trees merging into a forest, all viewed head-on. Challenging the conventional notion that objects blur when out of focus, Chung's forests stand with impeccable clarity and orderliness. Their arrangement is so methodical that, within our traditional understanding of painting, they might even seem artificially structured.</div> <div><br /></div> <div>The emergence of paintings focused solely on landscapes, without the presence of human figures, began in the frescoes of 14th-century Italy. Over time, this genre diversified into various branches, depending on the presence of ancillary elements and the emphasis on flora and fauna. However, it was the evolution from merely ‘realistic’ representations of nature to the conception of 'ideal landscapes' that prompted a reexamination of the meaning of representation.</div> <div><br /></div> <div>As if tracing footsteps to a mystical and sparsely populated space, Younghwan Chung unfolds natural forms and familiar landscapes into surreal details, crafting them into idealized landscapes. The artist deliberately avoids assigning a dominant subject to these landscapes, refusing to create a hierarchy based on spatial perception and composition, which is clearly demonstrated in his frontal compositions. The intricately depicted details are not just for effectively revealing the subject but rather serve as a process of continuously concealing and covering, embodying a contemplative spirit. Chung uses the term 'excerpting' to describe this approach, suggesting it is more a symbolic tool than a mere representation.</div> <div><br /></div> <div>The contrasting hues of red and green forests represent not just a contrast of warmth but an expansion of an idealized world through color variations. They aim to showcase the sublime power of nature, the communion with it, and the boundless realms symbolized by deep solitude, stretching beyond the confines of the canvas into the imagination.</div> <div><br /></div> <div>Reflecting the exhibition's title, “Echo in the Silence” encapsulates a synesthetic imagery where visual contemplation returns as auditory reverberation. Just as the steadfast trees of the verdant forest symbolize integrity throughout the seasons, filling the densely packed canvas with their presence, this exhibition hopes to convey the artist's message of solace to its viewers.</div>

종료

2024년 3월 15일 - 2024년 4월 21일

Mellow Island

<p>서정아트는 2024년 3월 15일부터 4월 21일까지 올해의 봄을 여는 전시로 사이먼 고의 개인전 《Mellow Island》를 선보인다. 사이먼 고는 일상에서 마주하는 정서적 교류의 단편이나 감정적 충만의 순간을 포착한다. 작가 고유의 인물 표현 방식과 화면 질감은 그가 경험한 관계로부터 비롯된 여러가지 감정들의 반사체이다. 사랑, 신뢰, 미움, 좌절 등 요동치는 감정의 기폭(旗幅)은 이번 전시에서 멜로우 아일랜드라는 가상의 섬을 향해 항해한다.</p> <p>멜로우 아일랜드는 너무 멀고 찾기 어려워 아무리 노를 저어도 절대 도달할 수 없는 환상 속 섬이다. 사람들은 달콤하게 무르익은 무언가를 찾아 떠나지만 그들은 결코 섬을 발견할 수 없다. 대신 멜로우 아일랜드는 섬을 찾고자 하는 모두에게 관계의 성숙이라는 선물을 보상으로 준다. 따라서 이 여정은 실패로 끝날 수 없으며, 오히려 그 자체로 무르익는 것이다.</p> <p>사이먼 고의 화면은 일상적인 순간을 특별한 경험으로 전환시킨다. 가구를 사러 인테리어 샵에 가는 일, 누군가를 위해 파티 준비를 하다 실패했던 기억, 여행지의 호텔 방 안에서 시간을 보내는 하루 등은 지극히 사소하고 내밀한 일상이다. 작가는 이 보편적인 순간을 실제와 환상을 오가며 다채롭게 재구성한다. 그의 작품은 사실에 기반한 구체적인 상황을 묘사하면서 동시에 상상에 기반한 배경이나, 소품을 병치한다. 또한 작가는 촉감, 즉 손의 흔적이 뚜렷하게 드러나는 텍스처를 평면에 구현하며 공감각적인 입체적 감상을 유도하면서도 원근감이나 소실점에 개의치 않은 듯한 화면 구성을 통해 회화가 가진 평면성에 충실한 인상을 준다. 이같이 모든 경계를 모호하게 만드는 사이먼 고의 장치는 작품 안팎에 담긴 이야기를 읽어내고 싶은 심상을 자극하며 작품에 담긴 사연, 인물들 간의 관계에 몰입하게 한다. ？？？？ 이번 전시는 관객이 스스로를 이입시킬 수 있는 보편적인 상황을 제시하며 서서히 환상으로 이끄는, 사이먼 고의 확장된 세계로의 초대이다. 특히 전시장 초입, 공간을 압도하는 월 페인팅(Wall Painting)은 사이먼 고 작품에서 돋보이는 특유의 질감 표현 재료인 모델링 페이스트를 사용하여 캔버스를 벽 너머까지 확장시켰다. 그 공간을 점유하는 인물 조각은 회화 작품 속 주인공이 잠시 걸어 나와 휴식을 취하는 듯 생동한다. 소용돌이 치는 거대한 이미지는 이 여정이 쉽지만은 않을 것을 짐작하게 하면서 동시에 인물에게 이입하여 작가가 제안하는 환상의 세계에 본격적으로 투신하고 흠뻑 물들을 채비를 하게 한다. 위태로운 배에 몸을 싣고 떠나는 사이먼 고의 여정에는 두렵지만 아름답고, 연약하나 용감한 무언가가 있다.</p> <p>SEOJUNG ART is delighted to welcome the onset of spring with <em>Mellow Island</em>, a solo exhibition by Simon Ko, running from March 15 to April 21, 2024. Simon Ko captures fragments of emotional exchange and moments of fulfillment encountered in daily life. His distinctive portrayal of figures and the equally unique texture of his canvases reflect the myriad emotions born from his experiences with relationships. In this exhibition, the turbulent emotions of love, trust, hatred, and frustration unfurl their flags and set sail toward the imaginary shores of 'Mellow Island’.</p> <p>Mellow Island is an unattainably distant and elusive isle of fantasy, one that no amount of rowing can ever reach. Individuals embark on quests for that which is sweetly ripened, yet the island remains perpetually undiscovered. Instead, Mellow Island rewards seekers with the gift of relational maturity. Thus, this journey never ends in failure; rather, it matures by itself.</p> <p>Simon Ko transforms everyday moments into extraordinary experiences. Mundane activities like visiting an interior shop to buy furniture, reminiscing about a failed party preparation, or spending a day in a hotel room while traveling are elevated to deeply intimate and significant facets of daily life. The artist reimagines these common moments with vividness, weaving reality with fantasy. His work juxtaposes factual scenarios with imaginative backgrounds or objects and crafts textures that accentuate tactile traces, fostering a synesthetic, three-dimensional appreciation. Moreover, his compositions, seemingly indifferent to perspective, honor the inherent flatness of painting, creating an impression of adherence to the medium's planarity. Ko’s approach blurs all boundaries, provoking a desire to uncover the narratives within and around his pieces, drawing viewers deeper into the depicted stories and relationships.</p> <p><em>Mellow Island</em> extends an invitation into Simon Ko's expansive world, presenting universally relatable situations that gradually guide the audience into a realm of fantasy. At the exhibition's entrance, a captivating wall painting crafted with modeling paste a medium characteristic of Ko's unique textural expression propels the canvas beyond the confines of the wall. Sculpted figures within this space appear to momentarily step out of the paintings for a brief respite, imbuing the scene with life. The expansive, swirling images hint at a challenging journey, yet prime the audience for complete immersion in the artist's envisioned fantasy world. Embarking on Simon Ko's journey aboard a precarious boat embodies a blend of beauty and fear, capturing something simultaneously fragile and brave.</p> <p><br /></p>

종료

2024년 5월 11일 - 2024년 6월 28일

Where did it come from ? pt.1

<p>서정아트는 2024년 5월 11일부터 부산에서 홍성준의 개인전 《Where did it come from ? pt.1》을 개최한다. 이어 서울에서는 17일 《Where did it come from ? pt.2》의 전시명으로 시작하여 두 전시가 함께 6월 28일까지 진행될 예정이다.<br />홍성준은 캔버스를 하나의 장막으로 연출하는 레이어(Layer) 시리즈를 이어오면서 무수한 선택과 갈림길, 그 안에서 축적된 편린을 아카이빙하며 작업을 지속했다. 이번 전시는 그러한 작업의 일환으로서 작가가 눈에 담았던 도시의 풍경, 삶을 메운 시간과 공간의 기록을 과거-현재-미래로 연결한 작업을 선보이는 자리다.</p> <p>예측 불가능한 상황 안에서 시시각각 변하는 물음들에 생각을 더하고, 변주를 주었던 모든 끝이 어디를 향하고 있는지 작가는 늘 고민했다. 모든 선택과 실천 행위들은 매 순간 변곡점을 지나오며 우회하는 듯했지만, 어느 날 문득 순차적으로 한 곳을 향해 나아가고 있음을 확신했다. 이번 전시는 이 같은 상념의 축적을 물질로 표현한다면 어떻게 형상화할 수 있을지 상상하면서 시작된다.</p> <p>새롭게 선보이는 시리즈는 ‘깃털’, ‘공기’, ‘비눗방울’과 같은 이미지들이 시각적, 촉각적 물질로 발현된 모습이다. 이는 작가가 모든 작업을 마지막이 아닌 ‘터닝 포인트’, 즉 중간 점검으로서 대했음에 주목한다. 주제, 소재, 기법, 구현의 방식 등 선택에 따라 다른 결과로 나타났던 물질들, 그리고 채택되지 못해 버려졌던 모든 비물질적인 존재를 상상하면서 그것을 부활시키는 과정은 앞으로의 작업을 나아가게 할 동력이 된다. 손끝에 닿을 수 있는 감각의 영역을 떠나 무한하게 펼쳐지는 시공간 안에서 무중력의 상태가 된 물질들은 전시장 안을 떠돌고 부유하며 비가시적인 것, 소멸한 상념들을 대변한다.</p> <p>한때는 불투명하고 무겁게 느꼈던 선택지였지만 돌아보는 지금은 오히려 투명하고 가벼워 한없이 날아다니며 사라지기도 한다. ‘가벼운 것은 과연 버려진 생각이었을까, 나 자신이었을까’라는 물음과 함께 작가는 다시 원점으로 돌아와 질문을 던진다. 전시장 한 켠은 그러한 물음과 자체적인 대답으로 결합된 과정들을 보여주며 채워진다. 특히 은박 레이어, 알루미늄, 틀, 캔버스, 가죽, 물감 덩어리 등은 작가가 작업하면서 연구했던 시간성에 관한 결과와 고민으로 드러난다. 작가는 무엇을 생각했고, 어떤 걸 느꼈는지 시시각각 변하는 물음들에 생각을 더하고 의문을 가지며 회화적으로 표현하는 방식에 대해 늘 고민했다. 작가에게 감각으로 빚은 물질이란 어떤 의미였을지 되새기며 투명하지만 보이는, 부드럽지만 손으로 느낄 수 있는 것이 곧 ‘있음’을 표현하는 것이다.</p> <p>이번 전시는 작가와 관객이 대담하기를 기대하며 기획되었다. 작가는 누군가와 대화하다 보면 뜻하지 않게 긴 시간 고민해 왔던 부분이 명쾌해지는 날들이 있음을 상기하며 골몰하는 시간 속에서 자신을 찾아가는 방법으로 담화를 지향했다. 흐르는 시간을 멈출 수는 없지만 기록할 수 있는 것처럼, 수신인을 향한 편지, 불특정 다수에게 던졌던 이야기를 조합하면서 실마리를 찾아가는 여정이 될 것이다.</p> <p>SEOJUNG ART is set to present Seongjoon Hong’s solo show, 《Where did it come from ? pt.1》 at its Busan location from May 11, 2024. The exhibition will continue with 《Where did it come from ? pt.2》 at the Seoul venue starting May 17, with both exhibitions running until June 28.<br /> In his ongoing Layer series, Seongjoon Hong treats the canvas as a veil, chronicling numerous choices and divergences by archiving fragmented remnants. The upcoming exhibition extends this narrative, linking the urban landscapes and temporal spaces the artist has observed, interwoven from past to future as seen through his eyes.<br /> <br /> Navigating through unpredictability, Hong has diligently reflected on the potential outcomes of his inquiries and variations. Although each choice and act seemed to momentarily divert, it became apparent that they were progressively converging. This exhibition is conceived as a visual and tactile representation of these accumulative contemplations.<br /> <br /> The freshly unveiled series will present images such as feathers, air, and soap bubbles as forms that are both seen and felt. It highlights Hong's perspective of treating his artworks as waypoints rather than endpoints. By envisioning the resurrection of various materials―whether previously used or discarded―based on decisions about theme, material, technique, and realization, this process drives the momentum for ongoing artistic endeavors. These materials, leaving the realm of tactile reach and existing in weightlessness, wander and float within the exhibition space, symbolizing the intangible and evaporated thoughts.<br /> <br /> Choices that once seemed opaque and burdensome now appear clear and light, capable of endlessly soaring and vanishing. The artist revisits the starting point, pondering whether this lightness represents merely discarded thoughts or himself, and he poses a new question. The exhibition space showcases this process of questioning and answering itself through elements like foil layers, aluminum, frames, canvases, leather, and paint clumps. These are manifestations of the artist’s explorations into the temporality of his craft. The artist has constantly pondered his thoughts and feelings, and how to paint these evolving questions, thereby adding layers of thought and doubt. Hong sees the materials shaped by sensation as a means to convey presence―transparent yet visible, soft yet tangible.<br /> <br />This exhibition is conceived to facilitate a conversation between the artist and the audience. Seongjoon Hong recalls how conversations can unexpectedly turn long-held contemplations into clear insights. He seeks dialogue as a method to navigate through periods of deep reflection. While it is impossible to halt the flow of time, it can be recorded, much like sending a letter or blending stories shared with many. This journey of finding clues and assembling narratives will resemble the crafting of a message intended for a recipient.</p>

종료

2024년 5월 17일 - 2024년 6월 28일

Where did it come from ? pt.2

<p>서정아트는 2024년 5월 11일부터 부산에서 홍성준의 개인전 《Where did it come from ? pt.1》을 개최한다. 이어 서울에서는 17일 《Where did it come from ? pt.2》의 전시명으로 시작하여 두 전시가 함께 6월 28일까지 진행될 예정이다.<br />홍성준은 캔버스를 하나의 장막으로 연출하는 레이어(Layer) 시리즈를 이어오면서 무수한 선택과 갈림길, 그 안에서 축적된 편린을 아카이빙하며 작업을 지속했다. 이번 전시는 그러한 작업의 일환으로서 작가가 눈에 담았던 도시의 풍경, 삶을 메운 시간과 공간의 기록을 과거-현재-미래로 연결한 작업을 선보이는 자리다.</p> <p>예측 불가능한 상황 안에서 시시각각 변하는 물음들에 생각을 더하고, 변주를 주었던 모든 끝이 어디를 향하고 있는지 작가는 늘 고민했다. 모든 선택과 실천 행위들은 매 순간 변곡점을 지나오며 우회하는 듯했지만, 어느 날 문득 순차적으로 한 곳을 향해 나아가고 있음을 확신했다. 이번 전시는 이 같은 상념의 축적을 물질로 표현한다면 어떻게 형상화할 수 있을지 상상하면서 시작된다.</p> <p>새롭게 선보이는 시리즈는 ‘깃털’, ‘공기’, ‘비눗방울’과 같은 이미지들이 시각적, 촉각적 물질로 발현된 모습이다. 이는 작가가 모든 작업을 마지막이 아닌 ‘터닝 포인트’, 즉 중간 점검으로서 대했음에 주목한다. 주제, 소재, 기법, 구현의 방식 등 선택에 따라 다른 결과로 나타났던 물질들, 그리고 채택되지 못해 버려졌던 모든 비물질적인 존재를 상상하면서 그것을 부활시키는 과정은 앞으로의 작업을 나아가게 할 동력이 된다. 손끝에 닿을 수 있는 감각의 영역을 떠나 무한하게 펼쳐지는 시공간 안에서 무중력의 상태가 된 물질들은 전시장 안을 떠돌고 부유하며 비가시적인 것, 소멸한 상념들을 대변한다.</p> <p>한때는 불투명하고 무겁게 느꼈던 선택지였지만 돌아보는 지금은 오히려 투명하고 가벼워 한없이 날아다니며 사라지기도 한다. ‘가벼운 것은 과연 버려진 생각이었을까, 나 자신이었을까’라는 물음과 함께 작가는 다시 원점으로 돌아와 질문을 던진다. 전시장 한 켠은 그러한 물음과 자체적인 대답으로 결합된 과정들을 보여주며 채워진다. 특히 은박 레이어, 알루미늄, 틀, 캔버스, 가죽, 물감 덩어리 등은 작가가 작업하면서 연구했던 시간성에 관한 결과와 고민으로 드러난다. 작가는 무엇을 생각했고, 어떤 걸 느꼈는지 시시각각 변하는 물음들에 생각을 더하고 의문을 가지며 회화적으로 표현하는 방식에 대해 늘 고민했다. 작가에게 감각으로 빚은 물질이란 어떤 의미였을지 되새기며 투명하지만 보이는, 부드럽지만 손으로 느낄 수 있는 것이 곧 ‘있음’을 표현하는 것이다.</p> <p>이번 전시는 작가와 관객이 대담하기를 기대하며 기획되었다. 작가는 누군가와 대화하다 보면 뜻하지 않게 긴 시간 고민해 왔던 부분이 명쾌해지는 날들이 있음을 상기하며 골몰하는 시간 속에서 자신을 찾아가는 방법으로 담화를 지향했다. 흐르는 시간을 멈출 수는 없지만 기록할 수 있는 것처럼, 수신인을 향한 편지, 불특정 다수에게 던졌던 이야기를 조합하면서 실마리를 찾아가는 여정이 될 것이다.</p> <p><br /></p> <p>SEOJUNG ART is set to present Seongjoon Hong’s solo show, 《Where did it come from ? pt.1》 at its Busan location from May 11, 2024. The exhibition will continue with 《Where did it come from ? pt.2》 at the Seoul venue starting May 17, with both exhibitions running until June 28.<br /> In his ongoing Layer series, Seongjoon Hong treats the canvas as a veil, chronicling numerous choices and divergences by archiving fragmented remnants. The upcoming exhibition extends this narrative, linking the urban landscapes and temporal spaces the artist has observed, interwoven from past to future as seen through his eyes.<br /> <br /> Navigating through unpredictability, Hong has diligently reflected on the potential outcomes of his inquiries and variations. Although each choice and act seemed to momentarily divert, it became apparent that they were progressively converging. This exhibition is conceived as a visual and tactile representation of these accumulative contemplations.<br /> <br /> The freshly unveiled series will present images such as feathers, air, and soap bubbles as forms that are both seen and felt. It highlights Hong's perspective of treating his artworks as waypoints rather than endpoints. By envisioning the resurrection of various materials―whether previously used or discarded―based on decisions about theme, material, technique, and realization, this process drives the momentum for ongoing artistic endeavors. These materials, leaving the realm of tactile reach and existing in weightlessness, wander and float within the exhibition space, symbolizing the intangible and evaporated thoughts.<br /> <br /> Choices that once seemed opaque and burdensome now appear clear and light, capable of endlessly soaring and vanishing. The artist revisits the starting point, pondering whether this lightness represents merely discarded thoughts or himself, and he poses a new question. The exhibition space showcases this process of questioning and answering itself through elements like foil layers, aluminum, frames, canvases, leather, and paint clumps. These are manifestations of the artist’s explorations into the temporality of his craft. The artist has constantly pondered his thoughts and feelings, and how to paint these evolving questions, thereby adding layers of thought and doubt. Hong sees the materials shaped by sensation as a means to convey presence―transparent yet visible, soft yet tangible.<br /> <br />This exhibition is conceived to facilitate a conversation between the artist and the audience. Seongjoon Hong recalls how conversations can unexpectedly turn long-held contemplations into clear insights. He seeks dialogue as a method to navigate through periods of deep reflection. While it is impossible to halt the flow of time, it can be recorded, much like sending a letter or blending stories shared with many. This journey of finding clues and assembling narratives will resemble the crafting of a message intended for a recipient.</p> <p><br /></p>

종료

2024년 7월 12일 - 2024년 8월 16일

사유 思惟

<p><strong>이춘환 개인전<br />2024년 7월 12일 - 8월 16일 서정아트 서울</strong></p> <p><br /></p> <p>서정아트는 2024년 7월 12일부터 8월 16일까지 이춘환 개인전 《사유》를 개최한다. 본 전시는 작가의 이상이 담긴 사유의 경지에 대한 상상을 시각화하여 관람객에게 깊은 사색의 시간을 가져다주고자 마련되었다.<br /> <br /> 전시는 무언가에 골몰하고 사유하는 시간이 부재한 현실에서 잠시 멈춰 설 것을 제안하는 작가의 바람으로 시작된다. 과다한 정보가 빠르게 소비되고 금방 잊히는 현대 사회에서 ‘보는 행위’가 깊은 사색으로 이어지지 못했던 경험은 누구나 있을 것이다. 최소한의 시간에서 최대치의 효율을 달성하는 것이 능사라 말하는 사회적 분위기 안에서 홀로 침묵하며 생각에 잠기는 시간은 쉽사리 허락되지 않는다.<br /> <br /> 이춘환은 이번 전시를 통해 ‘사유’ 시리즈를 비롯한 신작 약 15점을 공개한다. 자연에서 얻은 영감과 한국적 색감을 더해 완성된 ‘빛결’ 시리즈에서 발전된 사유는 산과 물, 빛, 바람과 같은 자연 요소를 추상적으로 표현하여 심신의 안정을 도모한다. 그는 우리의 눈과 마음을 편하게 하여 생각을 비움으로써 비로소 이성적 판단과 존재의 근원에 대한 철학적 사색을 채우는 것이 가능하다고 이야기한다.<br />사유 시리즈의 탄생은 물에 비친 빛을 형상화한 작업 ‘빛+결’을 근간으로 한다. ‘빛+결’은 40여년 동안 작업에 정진하며 오롯이 한길만을 걸어온 작가의 완결된 형태를 보여주는 것으로서 수묵화를 시작으로 구상, 반-구상을 거쳐 자연의 형태가 추상적으로 전환되기까지의 과정을 압축하여 보여준다. 드넓은 광야 혹은 하늘과 땅의 경계가 허물어진 지평선을 연상시키는 이춘환의 추상화는 먼 곳을 응시하면서 얻을 수 있는 심적 평온함을 추구한다. 잔잔한 풍경 안에서도 추동하는 색채의 미묘한 떨림, 여러 층의 물감이 겹겹이 쌓인 색채를 타고 전해지는 전율, 그리고 일관된 레이어로 층위를 이루는 마티에르에는 모두 가볍고 빠르게 지나가는 것들 사이에서 중심축 역할을 하며 무거운 울림을 준다. 특히 통일된 작품명에서 알 수 있듯 작가의 신작은 저마다의 형상이 품고 있는 의미에 차등을 두지 않는다. 다만 색채의 변화와 화면 안에 어렴풋이 드러나는 추상적 움직임에서 오는 변화가 크고 작은 호흡을 유도하며 바라보는 곳의 끝이 사유의 정착지임을 암시하는 바이다.</p> <p>이번 전시에서 보이는 여백의 공간, 그리고 빼곡하게 메운 화면에서 남겨진 여백은 그 어떤 변주에도 방해받지 않고 본질을 향해 나아갈 것을 제안한다. 화면을 채우는 동시에 비우기를 염두에 두는 행위야말로 밀도 높은 수행의 길이라 여기는 작가에게서 사유와 본질, 그리고 멈춘 시간에서 얻을 수 있는 것은 무엇이었는지 묻는 시간이 되길 기대한다.</p> <p><br /></p> <p><strong><em>Contemplation</em></strong></p> <p>Chounhwan Lee Solo Exhibition</p> <p>July 12 - August 16, 2024 </p> <p><br /></p> <p>SEOJUNG ART is delighted to announce a solo exhibition <em>Contemplation</em> by acclaimed artist Chounhwan Lee, running from July 12 to August 16, 2024. This exhibit offers a unique opportunity to immerse oneself in a meditative journey, as envisioned by the artist.</p> <p>The exhibition begins with the artist's desire to invite visitors to take a rest from the reality where there is a lack of time for contemplation. In a modern society where excessive information is rapidly consumed and quickly forgotten, many experience situations where the act of ‘viewing’ fails to lead to deep contemplation. In an environment that prioritises maximum efficiency in minimal time, finding moments to silently self-reflect is not easily permitted.</p> <p>Through this exhibition, Chounhwan Lee will unveil approximately 15 new works, including pieces from his <em>Contemplation</em> series. Inspired by nature and infused with Korean hues, these works evolved from his ‘<em>Light+Grain</em>’ series. They abstractly represent natural elements such as mountains, water, light, and wind, to devise mental and physical tranquillity. The artist suggests that only by clearing our minds and easing our vision can we achieve rational judgement and engage in philosophical contemplation about the essence of existence.</p> <p>The <em>‘Contemplation’</em> series originates from his work <em>‘Light+Grain,’</em> which visualises light reflected in water. <em>‘Light+Grain’</em> embodies the culmination of the artist's 40 years of dedication, showcasing a journey from traditional ink painting through representational and semi-representational art to abstract forms of nature. Chounhwan Lee's abstract paintings, reminiscent of vast plains or horizons where the sky and earth merge, seek to provide mental serenity gained from gazing into the distance. The subtle vibration of colours in tranquil landscapes, the thrill conveyed through layers of overlapping paint, and the consistent texture layers act as anchors amidst fleeting moments, delivering a profound resonance. As suggested by the unified titles of his new works, the artist does not differentiate between the meanings inherent in each form. Instead, the variations in colour and the faintly revealed abstract movements on the canvas guide different rhythms of breathing, implying that the end of one's gaze is the final destination of contemplation.</p> <p>The spaces of emptiness in the exhibition, along with the blank areas left within densely filled canvases, propose a journey towards the essence, free from any distractions. This exhibition hopes to prompt visitors to consider what can be gained from contemplation, essence, and the paused moments, as viewed through the gaze of an artist who believes that the act of filling and simultaneously emptying the canvas is the path to profound practice.</p>